Avec le concert de clôture « From the New World », le Antwerp Spring Festival a couronné sa cinquième édition par une exécution qui n'était pas seulement réfléchie sur le plan programmatique, mais qui s'est finalement avérée être une expérience musicale impressionnante. En collaboration avec Opera Ballet Vlaanderen, un parcours a été entrepris le dimanche 26 avril qui menait du monde sonore caribéen via les traditions afro-américaines vers la vision européenne de Dvořák du « Nouveau Monde » – une ligne qui, à la Handelsbeurs Antwerpen, a impressionné tant sur le plan du contenu que sur le plan acoustique.
Sous la direction du passionné Diego Matheuz, le Symfonisch Orkest van Opera Ballet Vlaanderen a confirmé son très haut niveau. Ce qui a immédiatement frappé, c'était non seulement la maîtrise technique et l'homogénéité, mais surtout l'intensité et le plaisir de jouer ensemble : ici se tenait un orchestre qui jouait avec un engagement clair envers le répertoire. Matheuz s'avéra être le partenaire idéal en tant que chef charismatique qui associait la structure et la clarté à un sens infaillible de l'expression et de la construction de la tension. Le chef et l'orchestre formaient un appariement particulièrement étroit.
L'ouverture avec Margariteña d'Inocente Carreño (1919-2016) a immédiatement donné le ton avec une exécution étincelante et colorée qui contenait bien plus que du simple charme exotique. Dans cette œuvre, enracinée dans l'atmosphère et le rythme de l'île de Margarita, Carreño combine l'énergie dansante avec un sens raffiné de la couleur orchestrale. L'orchestre a su saisir cette double couche de manière convaincante : les passages animés et nettement profilés sur le plan rythmique alternaient avec des moments plus contemplatifs, sans que la ligne de tension ne soit perdue. L'orchestration sonnait claire et différenciée, avec une respiration naturelle entre les différents groupes. La section médiane mélancolique était particulièrement frappante, où la musique se replie temporairement et fait place à plus d'introspection. Les solos du premier violon et du violoncelle, entre autres, ont été présentés ici avec une belle évidence naturelle et une nuance expressive. Ce qui était caractéristique, c'était la manière organique dont les contrastes étaient développés : l'exubérance et la finesse ne s'opposaient pas l'une à l'autre, mais s'écoulaient logiquement l'une dans l'autre. Ainsi, Margariteña a non seulement gagné en couleur, mais aussi en forme claire et en cohérence interne.
Avec Ethiopia's Shadow in America de Florence Price (1887-1953) a suivi une œuvre qui peut non seulement être écoutée, mais aussi lue comme un impressionnant récit musical. Price évoque ici un parcours de l'origine africaine vers la réalité afro-américaine, où des éléments des spirituals, de la tradition tardo-romantique et du matériau thématique personnel s'entrelacent. Matheuz et l'orchestre ont abordé cela avec un souci manifeste de la structure et de la stratification. Les différentes sections – contrastantes par le caractère mais liées sur le plan du contenu – ont été clairement profilées et construites logiquement, avec une attention aux détails sans perdre la vue d'ensemble, les épisodes contrastants notamment – de la lyrique retenue à la dramatique plus prononcée – étant nettement articulés. La sonorité chaude des cordes et les bois nuancés ont assuré une image sonore riche, mais jamais lourde. Dans le même temps, la tension sous-jacente est restée agréablement dosée. Ce qui était frappant, c'était le sérieux, le dévouement et la conviction avec lesquels ce répertoire était abordé : non pas comme un supplément rare, mais comme une œuvre symphonique à part entière. La charge émotionnelle n'a pas été exagérée et a donc été d'autant plus efficace. Le résultat était une lecture qui convaincait à la fois sur le plan du contenu et sur le plan musical, et qui laissait l'impression que cette œuvre mérite indéniablement sa place dans le répertoire.
C'est un mérite du festival d'avoir offert un espace pour découvrir à la fois Price et Carreño : une musique qui non seulement intrigue, mais désire aussi manifestement en savoir plus.
Sur cette base, la Neuvième symphonie, Du Nouveau Monde, d'Antonín Dvořák (1841-1904) a obtenu le poids d'un point culminant, dans une exécution qui se laisse sans hésiter compter parmi les plus mémorables que j'aie jamais eu l'occasion d'écouter de cette œuvre. Dès les premières mesures, il y avait cette urgence qui allait de soi : la partie d'ouverture a reçu un tempo fluide et organiquement respirant, où la mélancolie ne s'étirait pas, mais donnait une direction et générait de la tension. Ce qui a surtout frappé ici, c'était l'intensité du jeu ensemble – un orchestre qui non seulement jouait avec une précision extrême, mais qui investissait visiblement dans chaque phrase. De petites accentuations, des changements subtils de dynamique et de phrasé : ce sont des détails qui passent souvent inaperçus, mais qui ici ont fait la différence et ont donné à la partition une vivacité particulière.
Le Largo a été pour moi l'un des moments les plus poignants du concert. La construction était exemplaire dans sa simplicité et son flux naturel, avec des tempi qui laissaient de l'espace sans jamais s'arrêter. Le célèbre solo du cor anglais sonnait retenu et noble, presque fragile dans sa directité, et était porté par un orchestre qui l'accompagnait avec une attention et une douceur exceptionnelles. Ici, on entendait des musiciens qui s'écoutaient, qui respiraient ensemble – une qualité qui est difficile à forcer, mais qui entre d'autant plus fort lorsqu'elle est là.
Le Scherzo a ensuite conservé son élasticité et sa netteté rythmique, léger mais jamais superficiel. Et puis la finale, attaqué attacca, comme une libération inévitable de ce qui l'a précédée. Ici, tout s'est réuni : la jouabilité dans les tempi, un plaisir de jeu presque palpable et une maîtrise technique qui semblait sans effort. L'énergie était contagieuse, sans être forcée, et a porté l'ensemble vers un final qui à la fois convaincait et émouvait.
Ce qui a rendu cette exécution si particulière pour moi, ce n'était pas seulement le haut niveau, mais la manière dont Matheuz l'a mis au service de la musique. Pas de recherche d'effets, pas d'exagération, mais une lecture réfléchie, profondément ressentie dans laquelle le détail et la grande ligne se renforçaient continuellement.
Ce qui rendait ce concert de clôture exceptionnel, c'était la cohérence entre la programmation, l'exécution et l'expérience. Ici, aucun concept n'a été illustré, mais la musique a été mise en parole – avec conviction, imagination et savoir-faire. L'Antwerp Spring Festival se confirme ainsi comme une initiative qui ne se contente pas de programmer, mais qui réalise véritablement des moments de concert mémorables.
