Ein neues Werk zu besprechen ist immer eine Herausforderung. Es gibt noch keine Aufführungsgeschichte, keine Tradition, keinen Referenzpunkt, mit dem man vergleichen könnte. Ich ging daher mit offener Gesinnung und relativ unvorbereitet zu Uw Vlees en Bloed. Nun ja, ich lese Olyslaegers und könnte mir Neve anhören, also ganz ohne Vorkenntnisse war ich dann doch nicht. Als ich mir danach meine Notizen anschaute, sah ich vor allem diese Worte wiederkehren: Gänsehaut, Gerührtheit, Wut, Entsetzen, Hoffnung, Schönheit. Das stellte sich als überraschend genaue Zusammenfassung des Abends heraus.
Was sofort auffiel, war, dass die Kollektivität der Aufführung dominierte. Zu keinem Zeitpunkt forderte jemand eine prominente Rolle für sich selbst ein. Natürlich gibt es Solisten, aber Musik, Wort, Chor und Ensemble fließen ständig ineinander über. Das Ergebnis ist eine reiche Farbpalette, in der die Vielfalt der Stimmen und Rollen das Ganze nur noch verstärkt, sowohl in der Musik als auch in der Art und Weise, wie Geschichte, Charaktere und Ideen Gestalt annehmen.
Diese Fülle war von Anfang an spürbar. Der Eröffnungschor war schlechthin mächtig. Sofort wurde klar, wie viel diese Leidenschaft musikalisch Bach verdankt, aber ebenso deutlich hörte man überall die Signatur von Jef Neve. Die Musik zwinkert jahrhundertealten Modellen zu, ohne je eine Imitation zu werden.
Auch der niederländische Text fiel auf. Er ist bemerkenswert singbar vertont, und vielleicht auch so geschrieben. Das scheint selbstverständlich, aber in unserer Sprache ist das keineswegs eine Kleinigkeit. Die Zusammenarbeit zwischen Jeroen Olyslaegers und Jef Neve erweist sich hier als besonders fruchtbar. Die Musik dient den Worten, verstärkt sie, färbt sie ein und bringt sie manchmal mit einer Kraft hinein, die direkt zu Herz und Verstand geht. Genau das, was Neve immer anstrebt.
Die erste Stimme, die uns durch die Geschichte führt, ist die der erzählenden Mutter, gesungen von An Pierlé. Nicht ein Evangelist wie bei Bach, sondern eine Mutter, die gleichzeitig Zeugin und Protagonistin ist. Anfangs bewegt sie sich in Rezitativform, begleitet von Continuo, wiederum ein klarer Bezug zur Passionstradition. Aber allmählich bekommt sie einen völlig eigenen Platz in der Partitur. Vielleicht anfangs etwas gewöhnungsbedürftig, aber Pierlé nimmt dich schnell in ihren Bann. Sie sang alles auswendig, was angesichts des Umfangs ihrer Partie an sich beeindruckend ist. Ihre natürliche Stimme fügte dem Text regelmäßig eine zusätzliche Interpretationsebene hinzu.
Der Chor des Vocaal Ensemble Reflection war ebenso beeindruckend. Turbae, Choräle, sogar Arien: alles wurde mit Selbstverständlichkeit und Überzeugung vorgetragen. Wie bei Bach verschieben sich die Choräle von Identifikation zu Ablehnung. Erst geben sie ihr Herz dem Lamm, später wenden sie sich gegen es. Diese Entwicklung wirkte besonders stark, sowohl musikalisch als auch inhaltlich.
Auch das Ensemble B.O.X. leistete einen außergewöhnlichen Beitrag. Ihr Farbenreichtum fiel früh auf, unter anderem bei der Passage, in der gesungen wird, dass „es nicht darauf ankommt". Die instrumentalen Kommentare und Eingriffe fügten den ganzen Abend über neue Dimensionen hinzu. Was besonders beeindruckte, war das besonders homogene Zusammenspiel. Zusammen bauten die Musiker eine Klangwelt voller Patina, Nuance und Farbe auf. Von der Violine bis zur Posaune bekam jede instrumentale Stimme Bedeutung innerhalb des größeren Ganzen. Wenn ein Instrument kurz aus dem Gewebe hervortrat, geschah das nie grundlos. Jeder kleine Solomoment war wunderschön gespielt und gab dem Text und der Musik zusätzliche Tiefenschärfe. Pieter Theuns auf der Theorbe bildete dabei im wörtlichen und übertragenen Sinne eine solide Grundlage. Besonders wenn das Lamm singt „ich fürchte mich vor diesem giftigen Geschenk", bekam seine Begleitung etwas, das Bach-Plus anmutete: unterstützend, verfeinert und emotional geladen.
Es dauert bis Seite neun des Librettos, bevor das Lamm auftritt. Das führte mich zu einer Überlegung, die mich den ganzen Abend nicht mehr losließ. Diese Passion ist eindeutig nach den uns bekannten Passionserzählungen modelliert. Sie ist anders, aber gleichzeitig überraschend vertraut. Während des Konzerts beschlich mich ständig der Gedanke, dass es zwischen Humanismus und Katholizismus eine große Gruppe von Menschen gibt, die sich in keinem der beiden Lager vollständig zu Hause fühlt. Keine Grauzone, sondern eher ein Regenbogen von Überzeugungen, Zweifeln, Interpretationen und Sensibilität. Darin liegt meiner Meinung nach eine der großen Stärken dieses Werkes. Jeder findet irgendwo seine oder ihre Farbe wieder.
Wenn Mady Bonert als das Lamm erscheint, wird deutlich, wie zentral diese Figur ist. Das Lamm verkörpert unverkennbar Christus, ohne je explizit Christus genannt zu werden. Bonert singt diese Rolle mit einer unglaublichen Qualität und Einfühlungsvermögen. Bemerkenswert ist, dass diese Figur, die in traditionellen Passionen fast immer von einem tiefen Bass gesungen wird, hier von einem hohen Sopran gesungen wird. Und doch ist die Wirkung genau die gleiche. Vielleicht sogar größer, weil die Verletzlichkeit noch greifbarer wird.
Was mich besonders traf, war die Kraft, mit der Worten musikalische Farbe gegeben wurde. Olyslaegers schreibt bereits sehr bildhaft, aber Neve versteht es, bestimmten Worten eine zusätzliche Ladung zu geben. „Verrat", „Zuflüstern", „Leiden", „Abzehren", „Patriarchat": Jedes Mal schien die Musik diese Wörter noch schärfer ins Gedächtnis zu prägen.
Es gab auch Momente der reinen Gerührtheit. Die Arie „Blijf maar bloeden lief hart" war wirklich wunderschön. Kurz darauf verursachte das Zwischenspiel zu „Het lam is depressief" wiederum diese typische Gänsehaut, für die Musik keine Worte mehr braucht. Und wenn das Lamm die Umschreibung von Christus' Gebet ausspricht: „laat deze kelk aan mij voorbijgaan", begleitet von nur einigen Klavierakkorden, bekommen Leere, Angst und Verlassenheit fast greifbare Form.
Allmählich schleicht sich auch die Aktualität immer deutlicher in die Geschichte ein. Klimaaktivismus, soziale Medien, Populismus, toxische Führung: Das Lamm wird mit den Herausforderungen unserer Zeit konfrontiert. Es hat sich „illegal festgeklebt", wird beschimpft, bedroht und schließlich von einer immer lauteren werdenden öffentlichen Meinung verurteilt.
In einem früheren Interview bei Klassiek-Centraal hatte Neve über das Werk gesagt, dass Leidenschaftsgeschichten letztendlich immer von Menschen handeln, die die Gesellschaft mit ihren Mängeln konfrontieren und deshalb selbst geopfert werden. Während ich den Anschuldigungen, dem Populismus, den Fake Stories und dem immer lauter werdenden Chor zuhörte, wurde mir bewusst, wie treffend dieser Gedanke hier ausgearbeitet wird. Das Lamm ist gleichzeitig Individuum und Spiegel. Nicht nur von Christus, sondern auch von jedem Menschen, der es wagt, unbequeme Fragen zu stellen.
Ein entscheidender Moment für mich kam, als das Lamm vor Gericht erscheint. Die Hohepriesterfigur wirft ihm vor, dass die Wissenschaft sein Gott ist. Die Antwort des Lamms trifft nach meiner Meinung sowohl den Kern des Humanismus als auch des Christentums:
„Ich selbst brauche hier keinen Gott. Erkenntnisse genügen, Taten sind gewünscht."
Das ist vielleicht der philosophischste Punkt des ganzen Abends. Olyslaegers leugnet die Existenz Gottes nirgendwo. Er stellt vielmehr die Frage, was wir selbst bereit sind zu tun. Denn letztendlich werden wir es selbst tun müssen.
Ab diesem Moment rast der zweite Teil in atemberaubender Geschwindigkeit voran. Die Petrusfigur verrät das Lamm. Die Judasfigur bemerkt, dass sie ein Mitläufer gewesen ist. Fake Stories, Vox Populi und der sogenannte Mann des Volkes erscheinen auf der Bühne. Der Anführer der Demokratie entschließt sich schließlich sogar: „Ich werde mir die Hände waschen. Löst es selbst auf." Deutlicher kann eine Anspielung auf Pilatus kaum sein.
Inzwischen glänzt An Pierlé als erzählende Mutter. Das Kind, wunderbar verkörpert von Lisa Lowyck, bildet einen ergreifenden Kontrapunkt. Seine ständigen Fragen an die Mutter und die Besorgnis um das Schicksal des Lamms machen die Geschichte erkennbar und menschlich.
Ein absoluter Höhepunkt war die großartige Arie, in der das Lamm singt:
„Was jetzt in mir herrscht, ist Verlassenheit."
Die emotionale Wirkung davon war enorm. Nicht weil ein Gott ihn verlassen hat, sondern weil Freunde, Nachbarn und Mitbürger ihn fallen lassen. Das macht die Botschaft umso konfrontierender.
Und dann verschwindet das Lamm.
Oder scheint zumindest so.
Die Mutter verweist auf bebende Mauern und zerreißende Felsen. Das Kind fragt: „Ist das Lamm tot?" Danach erscheint die Hele Oude Mevrouw und vollendet die Geschichte. Gibt es dann doch eine Art Auferstehung? Sie enthüllt:
„Mehrmals geschmort, nie untergegangen. Ich bin das Lamm."
Das Ende ist gleichzeitig einfach und zutiefst ergreifend. Während das Kind ruft: „Mama, schau, was ich kann!" und stolz antwortet „Höher springen", erklingt ein wunderschönes Schlusskorал. Kein großes Wunder. Keine spektakuläre Auferstehung. Einfach das Leben, das weitergehen. Das Gute, das sich weigert zu verschwinden.
Ein Konzertbesucher erzählte mir nach der Vorstellung, dass der Text für sich selbst schon ein Meisterwerk ist. Ich stimme dem zu. Aber die Musik, die Neve auf diese Worte gelegt hat, hebt sie noch ein Level höher. Besonders in den eindrucksvollsten Passages gehen Text und Musik so nahtlos zusammen, dass sie mark und bein durchdringen.
Auch die Künstler verdienen nochmals volles Lob. Mady Bonert, An Pierlé und Lisa Lowyck waren ausgezeichnet. Der Chor sang mit Überzeugung und Inbrunst. Das Ensemble spielte farbenreich, wach und engagiert. Patrick Windmolders leitete alles mit einer klaren, ruhigen Hand. Nie theatralisch, nie aufdringlich präsent, aber doch fortwährend die unsichtbare Kraft, die alles zusammenhielt.
Dieses Werk und diese Aufführung sind von einem Niveau, das ich ohne Zögern als kathedralenwürdig bezeichnen würde. Nicht weil es ein religiöses Werk ist, sondern weil es zur Reflexion über die großen Fragen der menschlichen Existenz einlädt. Über Schuld und Verantwortung. Über die Rolle der Masse. Über das, was wir von Anführern, von Göttern und vor allem von uns selbst erwarten.
Das ist die große Verdienst von Olyslaegers und Neve. Sie aktualisieren eine jahrhundertealte Geschichte, ohne sie zu misshandeln. Sie bereichern sie, ohne sie zu leugnen. Sie zeigen, dass die Passion kein Museumsstück ist, sondern eine lebendige Form, die heute noch immer etwas Wesentliches zu sagen hat. Für Gläubige, für Humanisten und für all jene Menschen, die sich irgendwo in diesem breiten Regenbogen dazwischen befinden.
Und irgendwo zwischen Bach und heute, zwischen Glaube und Humanismus, zwischen Verzweiflung und Hoffnung, treffen sie genau den richtigen Ton.