Am Freitag, den 11. Februar findet in Antwerpen die Uraufführung von Symphony IV von Luc Van Hove statt. Darum ein philosophisches Gespräch über die künstlerische Bedeutung der Symphonie, die Lebenslust der Oper, die sich verändernde Rolle des Komponisten und die Bedeutung des Neuen Lernens zu lauschen.
Luc Van Hove: "Ich bin jetzt fünfundsechzig. Aber mit meiner Erfahrung, meiner Lebenserfahrung, mit dem Mann, der ich jetzt bin, aber auch der Musiker und der Komponist, frage ich mich, wie ich mich zum Orchester als Instrument und zur Orchestermusik verhälte. Ich meine: nur ein Orchesterwerk schaffen an sich, also absolute Musik. Welche musikalischen Gedanken kann man noch entwickeln? Was sind die Herausforderungen, wie platziert man es in dieser Zeit? Und: wer kann in Gottes Namen noch etwas mit einer Symphonie anfangen, wer schreibt noch eine Symphonie? Hat es überhaupt Sinn, sich in so eine große komplexe musikalische Entwicklung zu stürzen? Das verlangt ziemlich viel vom Zuhörer - Aufmerksamkeit und andauernde Aufmerksamkeit. Das ist eine künstlerische Frage. Kann es für Menschen noch etwas bedeuten, hat es das Potenzial in sich, etwas zu vermitteln, so dass der Mensch eine künstlerische Erfahrung hat, von der er oder sie etwas hat? Wie bei jedem Kunstwerk ist das doch letztendlich die Absicht. Es ist eine Einladung, sei es zum Lauschen, sei es zum Schauen, damit es etwas in dem Menschen bewirkt, das ist der Dialog, den die Kunst mit dem 'Benutzer' eingeht - wenn ich das so ehrfurchtslos sagen darf. Aber trotz dieser Fragen setzt man sich doch irgendwann in Bewegung. Ich habe meinen Weg als Komponist gewählt, es gibt meine Redewendung, meinen Ausdruck - den habe ich jetzt gefunden. Mein Leben ist dafür Zeuge."
Symphony IV
Die Grundlage von Van Hoves neuer Symphonie ist eine Aufteilung der zwölf Töne der Oktave in zwei sich ergänzende Gruppen von acht und vier Tönen. Wie bei vielen seiner neueren Werke versucht er, eine Symbiose zwischen dem traditionellen Stil, in dem Töne hierarchisch organisiert sind, und einem zeitgenössischen Ansatz zu bewerkstelligen, in dem jeder Ton gleichberechtigt ist. Diesen Stil nennt er postonal. Das Stück besteht aus drei kurzen Teilen, die schließlich in einem größeren Ganzen münden, in dem das musikalische Material der kürzeren Teile wiederverwendet, neu lanciert oder auskomponiert wird, aber dann im größeren symphonischen Kontext.
Van Hove: "Ich bin auf diese Idee durch ein Werk des polnischen Komponisten Witold Lutoslavski gekommen, Livre pour Orchestre. Er hat buchstäblich ein Buch gemacht, es heißt auch 'Buch', mit, tatsächlich: premier chapitre, deuxième chapitre, troisième chapitre und dann kommt schließlich das chapitre final. Im Finale wird die große symphonische Entwicklung vollständig realisiert, diese ersten drei Kapitelchen sind eigentlich nur kleine Kostproben. Das ist eigentlich der Kern der Idee von Lutoslavski. Er verbindet diese verschiedenen Kapitelchen durch musique intermediaire, also Zwischenmusik, bei der man sozusagen nicht zuhören soll, typisch in seinem aleatorischen Stil. Das läuft einfach eine Weile, das sind drei Klarinetten, die zusammenspielen. Ganz einfache Läufchen. Aber dann kann man mal reden oder sich umsetzen oder sich schneuzen, sagt er selbst. Und dann geht es weiter zum nächsten Kapitelchen, aber das Schöne daran ist, dass man sich daran als Zuhörer gewöhnt, dann denkt man: oh, es ist wieder so ein Zwischenstück. Aber nach dem dritten Kapitelchen stoppt dieses Läufchen nicht, sondern geht ganz allmählich in dieses enorme Finale über. Also diese Zwischenmusik lädt dich allmählich ein, deine Aufmerksamkeit wieder zu fordern, und dann gehst du mit in die enorme Geschichte. Das ist Lutoslavski in Reinform. Darum wollte ich diese Vierteiligkeit."
Außerdem wollte ich mich noch einmal ins symphonische Genre vertiefen, das heißt absolute Musik schreiben. Nur und allein Musik, eine abstrakte musikalische Geschichte erzählen. Und dann bin ich auf Teile gestoßen. Denn die Entwicklung eines bestimmten Gedankens in verschiedenen Teilen ist auch für den Zuhörer angenehm, weil es eine bestimmte Idee abschließt. Der erste Teil ist eine Art introduzione, der zweite Teil ein scherzo. Der dritte Teil ist wirklich eine Art interludium, ein Pausenteil, der eigentlich Lutoslavskis musique intermediaire am nächsten kommt."
Geschichte ohne Worte
"Ich verwende gerne das Wort 'Geschichte', aber das ist natürlich in einer metaphorischen Bedeutung, denn ich meine eine Geschichte ohne Worte. Aber es ist durchaus eine Geschichte. Man hat ein Gefühl von Darstellung, von Anfang, man hat auch ein Gefühl von Entwicklung. Man spürt einen bestimmten Antagonismus zwischen musikalischen Ideen, Kontrasten. Man hat einen ganzen Werkzeugkasten, um ein Gefühl von Drama, von Ereignis zu wecken. Es geschieht etwas, der Zuhörer wird durch ein ganzes musikalisches event geleitet. Es dauert siebenunddreißig Minuten, aber es wird in kleinere Ereignisse unterteilt. Was sie erzählen, das ist das Erleben des Klangs, der durch den Raum und die Zeit geleitet wird. Und das ruft Emotionen hervor. Ja und diese Emotionen, die sind eine Folge, es ist nicht der Ausgangspunkt."
Geschichte mit Worten: die Oper La Strada
"Ein Höhepunkt meiner Karriere ist die Oper La Strada (Libretto: Eric De Kuyper), im Auftrag der Koninklijke Vlaamse Opera, basierend auf dem gleichnamigen Film von Federico Fellini. Sie hatte Ende Januar 2008 Premiere, aber der Auftrag selbst stammte bereits aus 2002. Es war also ein sehr langer Prozess.
Und das waren großartige Erfahrungen. Zunächst der Schaffungsprozess selbst und dann allmählich der Realisierungsprozess, die Produktion, die Probenzeit, das Engagement aller Ausführenden, das Haus selbst. In dieser Hinsicht ist es tatsächlich ein Kollektivwerk, in dem jeder seine oder ihre spezifische Aufgabe hat und in dem ein Prozess entstehen muss, der jede Aufgabe respektiert und die Freiheit gibt, darin zu glänzen. Seitdem habe ich große Bewunderung für die Rolle des Dirigenten bei der Realisierung meiner Werke. Es ist nämlich der Dirigent, der das Werk knetet und formt. Als Komponist kann man alles schön aufzeichnen und Akzente, Pünktchen, Fortes und Mezzofortes angeben, aber letztendlich gibt man seine Komposition aus den Händen. Denn the real thing ist die Arbeit des Dirigenten, der für die richtigen Pausen, das Timing und das Tempo sorgt. Und der die Akustik des Saales berücksichtigt, basierend auf dem Potenzial der Sänger, den spezifischen Charakteren der Stimmen, usw. Im Fall von La Strada war das Koen Kessels. Sehr wichtig ist, dass die Menschen die Botschaft von La Strada verstanden haben. Das kam dadurch, dass Oper nicht nur Musik ist. Oper ist auch Text, ist auch Bild. Man sieht die Menschen, man sieht die Geschichte, es ist Wort, man sieht, wie es geschieht. Und Musik unterstützt dieses Geschehen und lässt es leben. Oper lebt."
Analytischer Ansatz
"Als ich mein Abschlussdiplom in Klavier machte, spürte ich, dass Komposition letztendlich meine Richtung sein würde. Seltsamerweise wollte ich dabei gleichzeitig die Disziplin der Musikanalyse einbeziehen. Kompositorisch fühlte ich mich zum analytischen Ansatz hingezogen, zum Bauwerk selbst. Ich habe mein ganzes Leben lang neben der Komposition auch Musikanalyse unterrichtet. Dabei wächst man dann in Stil und Aussagekraft. Und das ist Klettern und Fallen, es gibt auch tiefe Täler, in denen man wirklich an allem zweifelt.
Man könnte es mit Mystik vergleichen. Mystiker haben auch Momente großer Verbundenheit und auf der anderen Seite auch lange Nächte der Leere und Formlosigkeit. Kreative wie ich haben das auch. Man hat Momente der Austrocknung, der Erstarrung und dann Momente, in denen es plötzlich sehr einfach und organisch, natürlich sich entwickelt. Manche nehmen dann ein Buch oder gehen spazieren, aber bei mir funktioniert es gut, wenn ich mich mit Musik beschäftige. Ich profitiere viel vom Klavierspielen, das ist immer ein enormer Anreiz, um die Verbindung zur Musik neu zu spüren."
Tonal und atonal
"Ich bin ein Produkt meiner Familie, meiner Eltern, der tonalen Musik. Ich bin damit aufgewachsen, habe in meiner ganzen Jugend viel Musik gehört, immer Musik des 18. und 19. Jahrhunderts. Ich bin verrückt danach. Und dann wird man Komponist und kommt in eine Welt, die das ablehnt. Und darin musst du dich dann als junger Mann, als Komponist, als Musiker zurechtfinden, deine Aussage finden. Es ist diese Dichotomie zwischen dem harmonisch alten hierarchischen tonalen Denken, der logischen Sprachstrukturierung der großen deutschen romantischen Tradition und darüber die zweite Schicht, die seit meinem Erwachsenenalter zu mir gekommen ist, nämlich der Ausdruck des Menschen des zwanzigsten Jahrhunderts. Ich habe versucht, sie zu vereinen und versuche es immer noch. Ich will diese Liebe zur tonalen Musik nicht vollständig von mir abweisen, denn dann bin ich nicht authentisch. Aber ich versuche strukturell etwas damit zu tun, weil ich stark an eine Musik glaube, die sprachlich ist. In dieser Hinsicht ist einer meiner großen Vorbilder der französische Komponist Olivier Messiaen. Er versuchte, jedem Ton einen Platz in seinem Denken, in seinem System zu geben. Er schrieb nicht einfach so. Und darin fühle ich mich als Geistesverwandter. Ich kann auch nicht einfach einen Ton schreiben. Nein, für mich müssen die Töne eine Bedeutung haben aus ihrer gegenseitigen Zusammenhang. Ich suche Struktur, genauso wie die Musik früher war."
Innenseite und Außenseite
"Ich sage das oft zu meinen Kompositionsstudenten: Du hast die Innenseite der Musik - wie sind die Töne organisiert, welche Akkorde, welche Funktionen. Aber du hast auch die Außenseite der Musik und das ist das, was die Menschen zuerst wahrnehmen. Wie klingt es, was höre ich?
Diese Außenseite ist viel wichtiger geworden. Viele junge Komponisten, mit oder ohne elektronische Mittel, gehen von der Außenseite der Musik aus, also von einer Klangerfahrung. Diese Klangerfahrung wird in eine Geschichte vergrößert. Du hast zum Beispiel zusammenarbeitende Komponisten. Diesen Rat gaben wir unseren Studenten auch immer: Arbeitet zusammen mit Instrumentalisten. Sitzt zusammen, macht notfalls zusammen ein Stück, erkundet die instrumentalen Möglichkeiten, untersucht die Klänge und lasst euch inspirieren. Einige arbeiten nicht nur mit Instrumentalisten, sondern auch mit Technikern und Videokünstlern. Dann wird es ein Gesamtkonzept, in dem das Komponieren nur ein Teil ist. Siehe zum Beispiel meinen früheren Studenten Stefan Prins. Seine Kompositionen sind theatralische Events."
Andere historische Linie
"Mein Schreibstil könnte man noch in einer sehr klaren historischen Linie deuten, aber diese ist für eine ganze Reihe von Komponisten bereits nicht mehr vorhanden. Sie befassen sich nicht mehr damit oder haben andere Geschichten. Viele Kompositionsstudenten am Konservatorium wollen Filmmusik schreiben, weil das anspricht. Es gibt auch Nachfrage danach, bei Videospielen und TV-Serien, was auch immer. Überall wird Musik benötigt. Für diese Menschen ist ihre Geschichte, auf die sie zurückgreifen, die der Filmmusik.
Es gibt auch eine andere Rolle einer Partitur. Viele neue Partituren sind keine Angabe mehr, kein Anstoß, mit dem ein Musiker etwas anfangen kann. Es gibt auch Partituren, die keine dynamischen oder Tempobezeichnungen haben, sondern nur Töne. Es ist ein sehr reiches Spektrum. Man kann nicht mehr sagen: Wo stehen wir jetzt? Nein, es ist zu einem Mosaik geworden."Unvoreingenommenes Zuhören
"Ich finde es wichtig, dass Menschen das Zuhören als solches wiedererdecken. Vergessen Sie für einen Moment System und Tonalität und Atonalität, das sind alles nur Wörter, die einmal eine Bedeutung hatten, aber darum geht es nicht in erster Linie. Es geht um die Qualität des Zuhörens, den Klang und wie unvoreingenommen man auf Geräusche hören kann. Denn Musik ist letztendlich Klangkunst, nicht mehr und nicht weniger. Ein Klang ist eine sehr verfeinerte Form eines Geräusches. Und wir lernen, auf eine andere Weise zu hören. Und darin liegt meiner Meinung nach die Zukunft der zeitgenössischen Musik. Das ist, unvoreingenommenes Zuhören festzuhalten. Die Neuheit, immer wieder, des reinen Zuhörens."
- AGENDA: Freitag, 11. Februar, Symphony IV von Luc Van Hove, Antwerp Symphony Orchestra unter der Leitung von Elim Chan, Dirigent. Koningin Elisabethzaal, Antwerpen.
- TICKETS: www.antwerpsymphonyorchestra.be
- FOTOS: Wynold Verweij