Vendredi 14 novembre, Amare, à La Haye, respirait une atmosphère de grandeur monumentale. Le Residentie Orkest sous la direction du chef invité régulier Richard Egarr a emmené le public dans un voyage où le Cinquième Concerto pour piano, le Concerto de l'Empereur, de Ludwig van Beethoven (1770-1827) et la Première Symphonie de William Walton (1902-1983) se rencontraient dans l'héroïsme, la lyrique et l'intensité émotionnelle.
Ce qui rendait cette soirée particulière, ce n'était pas seulement la tension dramaturgique du programme, mais surtout le fait que la symphonie de Walton n'avait pas résonnée en direct à La Haye depuis plus de soixante-dix ans. Le programme offrait un contraste entre le génie historique et moderne, une interaction entre deux époques rarement présentée de manière aussi convaincante.
Un Beethoven énergique
Le Concerto de l'Empereur s'ouvrit comme une cérémonie : une série d'accords orchestraux puissants emplissaient la salle, comme un appel à l'attention, auquel le soliste Lucas Jussen réagit avec une approche lyrique assurée. Ce concerto, composé en 1809 pendant les guerres napoléoniennes, rayonne d'un héroïsme et d'une grandeur chargés politiquement et personnellement. Beethoven l'a écrit à Vienne, tandis que la ville était assiégée par les troupes françaises – un contexte qui reste perceptible aujourd'hui dans la combinaison de force et de lyrique. L'approche symphonique du concerto pour piano, dans lequel soliste et orchestre ne forment pas une hiérarchie mais un dialogue, était clairement audible vendredi soir.
Lucas Jussen, internationalement reconnu pour sa virtuosité et sa musicalité, apporta cette combinaison de force et de raffinement de manière convaincante, bien que parfois avec un tempo qui mettait un peu sous pression la transparence de la ligne de piano, mais grâce à ce flair énergique, le concerto paraissait moins cérémonieux et d'autant plus vivant. Piano et orchestre n'étaient pas des rivaux mais des partenaires dans un dialogue constant de nuance et de subtilité.
L'interaction entre Jussen et Egarr était l'une des grandes forces de cette interprétation. À chaque transition, Jussen semblait capter les signaux subtils du chef, comme s'ils se suivaient mutuellement avec un langage invisible de gestes. Egarr n'accompagnait pas seulement le soliste, mais stimulait ses impulsions, ce qui donnait au dialogue entre piano et orchestre une sonorité exceptionnellement organique.
Le premier mouvement se déploya comme une marche héroïque. Les cuivres donnaient leurs accents avec une clarté remarquable, tandis que les cordes formaient un courant chaleureux qui portait magnifiquement l'articulation de Jussen. Le public suivait sans respirer. Dans le deuxième mouvement, le temps ralentit. La sonorité orchestrale devint transparente, presque de musique de chambre. La phrasing de Jussen était exemplaire et largement respirante ici. Le troisième mouvement referma le voyage joyeusement. Étincelant et virtuose, le piano dansait à travers l'orchestre, avec des dialogues et des passages ludiques. Le Concerto de l'Empereur de Beethoven ne semblait pas être un monument à distance, mais un organisme vivant dans lequel soliste et orchestre ne formaient qu'un seul, une symbiose quasi parfaite de technique et de drame.
La conclusion ne montrait pas seulement la grandeur de la composition, mais aussi l'humanité qui la sous-tend. Particulièrement remarquable aussi le moment où la timbale engagea un dialogue subtil avec le piano. Il y avait d'autres moments d'une sensibilité similaire dans les autres parties aussi avec le violoncelle ou avec le cor, un bel accent qui m'est resté particulièrement gravé après cette interprétation. Ces petites conversations presque fortuite avec et au sein de l'orchestre soulignaient combien l'ensemble jouait étroitement et attentivement – une qualité qui porterait tout le concert. Bien que tous les détails du piano ne se soient pas toujours entendus aussi clairement et que la ligne chantante aurait pu avoir un peu plus de présence, la gaieté joyeuse et le jeu expressif de Jussen gagnèrent presque tous les cœurs.
En bis, Lucas Jussen joua la Liebestraum de Franz Liszt (1811-1886), un moment de lyrique intime. Ce choix fonctionnait idéalement comme un espace de respiration pour ce qui allait suivre.
Une tempête d'émotion
Egarr introduisit la Première Symphonie de Walton avec humour. Son introduction légère formait un contraste frappant avec l'intensité brute qui allait suivre. C'était il y a 71 ans que cette symphonie avait été entendue à La Haye. Personne dans la salle n'avait jamais entendu l'œuvre en direct avant, et aucun musicien de l'orchestre ne l'avait jamais jouée avant. Le lien personnel d'Egarr avec l'œuvre – qu'il chérit depuis quatre décennies – donnait à l'interprétation une charge émotionnelle perceptible. Avec l'appel ludique « Fasten seat belts », il laissa transparaître son enthousiasme.
Pour moi aussi, c'était un rêve devenu réalité ; je connais depuis vingt-trois ans l'enregistrement de Haitink et de Walton lui-même, et j'attendais si longtemps de pouvoir enfin vivre cette œuvre en direct. Cette attente personnelle résonnait étonnamment dans l'interprétation : rarement entend-on un orchestre se jeter si complètement sur une symphonie qui est nouvelle pour tout le monde. C'était même exceptionnellement remarqué par des applaudissements entre les mouvements. Ces ovations spontanées soulignaient à la fois la rareté de l'œuvre et son impact direct.
Walton a commencé cette symphonie en 1932 et ne l'a achevée qu'en 1935 après des turbulences personnelles et des blocages créatifs. Son style – rythme tranchant, émotion brute, et orchestration riche – demande un chef qui apporte à la fois clarté et abandon. Egarr a délibérément choisi l'abandon. La symphonie s'est ouverte sur un premier mouvement qui a immédiatement plongé l'auditeur dans une tempête sonore : les timbales pulsaient comme un battement cardiaque, les cordes ondulaient, les cuivres et les bois traversaient la salle. Walton a introduit des thèmes qui se sont développés par des modulations harmoniques surprenantes, la menace et l'agitation étant continuellement présentes. Vendredi soir, on avait l'impression que la salle elle-même devenait partie prenante de la tension, la musique se mouvait, se frottait, respirait et gémissait à la fois. Egarr a dirigé cela avec un œil aiguisé pour la dynamique. La façon dont il a étiré les arcs de tension sans perdre l'impulsivité a donné à ce mouvement une cohérence rare. Les contrebasses se sont remarquablement distinguées dans ce mouvement par leur homogénéité, avec une profondeur qui supportait magnifiquement les courants sombres de Walton.
L'orchestre semblait d'ailleurs entièrement accordé aux intentions du chef : la respiration, la précision rythmique et la formulation dramatique étaient indissociables, un partenariat qui a complètement porté le monde émotionnel complexe de Walton à la vie. La précision avec laquelle les sections se sont succédé – notamment les cuivres et les cordes graves – a donné à la première partie une intensité quasi cinématographique. Egarr avait aussi délibérément mentionné dans son introduction que Walton avait également écrit de la musique de film et que John Williams devait certainement avoir regardé Walton…
Le scherzo a suivi comme un intermezzo malveillant et ludique. Les décalages rythmiques, les accents tranchants et les motifs brefs ont créé une tension continuelle, comme si l'orchestre à la fois taquinait et menaçait. Le public s'est tenu en haleine, et l'orchestre jouait sur le fil du rasoir, une danse à la limite du chaos et du contrôle. Les précisions rythmiques sont venues impressionnamment synchrones, preuve de la préparation minutieuse d'Egarr. Les articulations mordantes et la précision aiguë comme un couteau ont fait de ce scherzo l'un des moments les plus captivants de la soirée.
L'Andante con malinconia a offert un moment d'introspection. Une flûte solo et des cordes douces ont tissé un tapis mélancolique, le mouvement respirait et invitait à la réflexion. Egarr a laissé la tension persister ici de façon subtile ; sous la surface, l'énergie émotionnelle est restée palpable. Vendredi soir, cette partie a été exécutée avec une formulation respirante et une dynamique soignée, ce qui a rendu la tension intérieure d'autant plus puissante. Egarr a maintenu le tempo large et soutenu, de sorte que la mélancolie ne s'est pas enlisée dans la sentimentalité mais a continué à s'écouler comme un courant silencieux. La flûte solo (magnifiquement soignée ce soir-là) a donné au mouvement une mélancolie presque vocale.
La finale (Maestoso – Allegro brioso ed ardentemente) a explosé en un triomphe grandiose de couleurs orchestrales. Les fanfares de cuivres, le jeu tranchant des bois au rythme aigre, les cordes brillantes et l'attaque dramatique des percussions ont culminé dans un sentiment écrasant de gloire. Vendredi soir, il était clair que chaque formulation, chaque décalage rythmique, chaque respiration dramatique de l'orchestre et du chef était en parfait accord : Egarr dirigeait avec des gestes qui irradiaient la passion, l'orchestre répondait comme un organisme vivant, et ensemble ils créaient une finale qui semblait être une étreinte symphonique à couper le souffle. On avait l'impression que les cuivres faisaient trembler les murs d'Amare, tandis que les cordes roulaient comme des vagues dans la salle.
Vendredi soir, il est devenu clair que la symphonie de Walton n'était pas seulement chargée techniquement, mais aussi émotionnellement : chaque mouvement était une expérience émotionnelle, un voyage à travers la rage, la malveillance, la mélancolie et finalement le triomphe. Sous la direction d'Egarr, l'orchestre jouait avec une intensité qui révélait à la fois les couches dramatiques et poétiques. Le résultat était une exécution qui convaincait par sa crudité et son raffinement, et qui rendait justice au caractère rare de cette œuvre.
Un dialogue musical de courage et de passion
Le programme Beethoven et Walton offrait un dialogue magistral : d'abord le soliste dans un éclat majestueux, puis l'orchestre en tant que protagoniste dans une tempête d'émotion et de couleur. Lucas Jussen a porté le Concerto Empereur à la vie avec virtuosité et subtilité lyrique, tandis que le Residentie Orkest a transformé Walton en un spectacle captivant, intense et chargé émotionnellement. Le contraste entre la transparence de Beethoven et l'énergie brute de Walton s'avérait ne pas être une rupture, mais un arc dramaturgiquement astucieux. Le public a quitté la salle avec ravissement et émerveillement, comme s'il avait entrepris non pas un mais deux voyages : de la noblesse impériale à la puissance moderniste déchaînée. La combinaison du feu transparent de Jussen et de la direction visionnaire d'Egarr a donné à la soirée une cohérence rarement atteinte avec autant de conviction.
C'était un concert qui non seulement impressionnait techniquement, mais aussi résonnait émotionnellement – une soirée où la tradition et l'innovation se rencontraient dans une intensité rare, presque tangible. Beethoven et Walton, deux mondes d'héroïsme et de passion, se sont réunis vendredi soir à Amare dans un dialogue musical inoubliable, où la virtuosité et l'émotion allaient main dans la main.
