Zwischen Himmel und Erde findet InAlto seine Stimme

Das Konzert wurde um das Thema Liebe und Tod aufgebaut. Genauer gesagt bezog man sich auf die Liebesgeschichten, die durch den Tod von Karl V. und Isabella von Portugal geprägt wurden, und auf den Tod von Caterina Martinelli, einer der Lieblingssängerinnen von Vincenzo I Gonzaga, dem Herzog von Mantua.

Die siebzig Jahre zwischen beiden Ereignissen gaben dem Musikleiter und Cornettospieler Lambert Colson die Möglichkeit, aus einem besonders umfangreichen Repertoire zu schöpfen, mit allem zwischen Josquin und Monteverdi. Darüber hinaus wurde eine Mischung aus weltlicher und religiöser Musik dargeboten. Reichlich Möglichkeiten also. Aber meiner Meinung nach lauert darin auch eine Falle.

Das Konzert eröffnete hinten mit einem verspielten La Spagna von Josquin. Dieser allbekannte bassa danza setzte sofort den qualitativen Ton des Konzerts: hoch! Sehr hoch! Und immer auf natürliche Weise. Der überwältigende Anfang wurde sofort gefolgt von etwas, das fast als Kammermusik beschrieben werden konnte: Sopranistin Alice Foccroulle brachte auf eine sehr intime vokale Weise ihre Botschaft an einen Ritter, von Gombert vertont.

Unmittelbar danach folgte für mich der erste Höhepunkt des Abends: die Klage um den Tod von Isabella von Nicolas Payen, bis dahin für mich ein ziemlich unbekannter franko-flämischer Komponist. Mit vier Textzeilen schrieb er ein ergreifendes Motett, das sich um Cur requiris? dreht. Warum fragst du danach? Vivit, non obiit. Sie ist nicht tot! Sie lebt. Dieser Gedanke sollte letztendlich der rote Faden des gesamten Konzerts werden.

Das Motett Mort m'a privé (auf Text von Karl V.?) des bekannten Thomas Crécquillon ebnete den Weg zu dessen Messe, komponiert auf dasselbe Thema und mit zahlreichen Verweisen auf Sehnsucht, Tod usw. Ein Werk, das für sich verdient, als Hauptwerk zu gelten.

Und hier liegt meines Erachtens doch eine programmatische Schwäche. Indem man ein bestimmtes Thema wählt, kann man, besonders bei alter Musik, den heutigen Zuhörer durch erkennbare Situationen in ein Repertoire mitnehmen, das andernfalls vielleicht schwer zugänglich wäre. Wie gesagt: von Josquin bis Monteverdi. Aber wenn dann auch noch weltliche und liturgische Musik gemischt werden, wird es doch sehr komplex. Denn mit einer Messe kommt man sofort in den Kern von etwas, das nicht mehr weltlich ist.

In der Theorie könnte dasselbe über Lieder über Liebe und Sehnsucht gesagt werden, aber Messenteile haben doch eine andere Konnotation, meine ich.

Ich blieb, um ehrlich zu sein, ein wenig unterfordert bei der Messe von Crécquillon. Ich wusste anfangs nicht, warum. Sie wurde mehr als ordentlich aufgeführt. Die Linien, die Sehnsucht und Tiefe ausdrückten, wurden hervorragend umgesetzt, unter anderem durch die volle Bassstimme von Jimmy Holiday. Lag es dann daran, dass alle Messenteile 'begleitet' wurden? Das klang auch schön und hätte auch so klingen können. Doch ich hatte das Gefühl, dass das Ganze etwas flach blieb und ohne viel Inbrunst gesungen wurde.

Dieser Ansatz wurde leider fortgesetzt in dem allbekannten Motett Todos los bienes von Encina. Es gibt so viele Aufführungen davon: langsam, schnell, mit nördlicher Bescheidenheit, mit südlicher Leidenschaft. Mir fehlte hier eine klare Linie. Das Warum wurde glücklicherweise schnell deutlich.

Nach einem kurzen und sympathischen Intermezzo, in dem Lambert Colson etwas Erklärung gab, brachte er Vergine bella von Cipriano de Rore als Solist, begleitet von Lautenist Johannes Ötzbrugger und Continuospieler Joseph Rassam. Diese beiden schufen übrigens während des ganzen Konzerts einen wesentlichen 'Hintergrund'.

Das war ein Meisterzug.

Ich spürte, dass Colson in diesem Moment die Brücke zwischen dem Himmlischen und dem Weltlichen schlug. Seine äußerst virtuose Interpretation des Motetts war genau das. Obwohl der Text von Petrarca eher als weltlich beschrieben werden kann, ist das Motett eindeutig auch ein himmlisches Loblied. Ich denke, De Rore hat es auch so gemeint.

Und dann, von diesem Moment an, kommt das Konzert in ein anderes Tempo. Genau wie die Künstler.

Alle Farbpaletten von Gesang und Instrumenten wurden in einem himmlischen Incenerite, spoglie von Monteverdi geöffnet.

Was für eine Textinterpretation und Ausdruck! Man sah die tomba, man fühlte die ira und man konnte nur mit dem pianto mitweinen.

Wirklich!

Hier kam das Konzert in Fahrt und überstieg die sprichwörtliche Rezensionsbeschreibung 'ordentlich gebracht'. Wenn ich Colson wäre – so sehr sein akademischer Ansatz auch angebracht ist – würde ich die Messenteile gegen, wenn es wirklich religiös sein muss, Motetten tauschen, die ebenfalls Liebe, Tod und Sehnsucht ausdrücken. Die Auswahl ist riesig!

Vielleicht spürte Colson genau das, was ich oben schrieb, denn In die tribulationes, ein starkes Motett von Guami, wurde nur von Instrumenten interpretiert. Eine berechtigte Wahl, in der die fantastischen Posaunisten Defendi, Hanssen, Van Passen und Vrooman überzeugend ihr Ding machen konnten. Sie ließen erneut hören, wie es ihnen gelingt, jede polyphone Linie klar und deutlich darzustellen.

Was für ein Festmahl für das Ohr… auch wenn es um 'Tage des Unheils' geht.

In dem folgenden Madrigal von Monteverdi, Dunque, amate, reliqui un mar di pianto, fiel mir besonders der hohe Tenor Andres Montilla auf. Was für eine Textinterpretation, mit einer korrekten vokalen Platzierung im richtigen Moment! Zusammen mit Benedict Hymas und Ricardo Pisani bildeten diese 'drei Tenöre' ein Vergnügen zum Zuhören, jeder mit ihrer eigenen Palette.

Es gab auch Platz für ein Solostück nur mit Orgel und Laute. Schön und beruhigend. Oft hat man das Gefühl, dass die Laute im Ganzen verschwindet. Hier war das nicht der Fall. Es gab – buchstäblich – diesen 'Tastendruck', um alles ein wenig pikanter zu machen. Schön gemacht.

Wie ich bereits sagte: Nach Vergine bella nahm das Konzert eine emotionale und musikalische Rasanzfahrt, mit vielen Höhepunkten. Das überbekannte Lasciate mi morire war einer davon.

Colson entschied sich eindeutig für eine zurückhaltendere Interpretation. Während oft theatralisch und mit südlicher Leidenschaft über 'lass mich sterben' gesungen wird, wählten die Sänger hier eine Aufführung, die viel introvertierter war. Das fragende Ende bleibt jedoch immer bestehen!

Besondere Erwähnung auch für Mezzosopranistin Maria Dalia Albertini, die wie Foccroulle in ihrem Solo die nötige Ruhe und Überzeugung bringt.

Das Konzert endete mit dem strophischen Lied Questa vita mortale von Cavalieri.

Am Anfang schrieb ich: Vivit, non obiit. Sie ist nicht tot! Dieser Gedanke bildet den roten Faden. Hier wird er bestätigt: einerseits durch das Bewusstsein, dass der Himmel Leben gibt und der Wind es wieder verweht, aber andererseits auch durch die Hoffnung und den Wunsch der Zurückbleibenden, sich eines Tages, ganz sicher, in einem sicheren Hafen wiederzufinden.

Und so schipperte das Konzert zwischen Himmel und Erde, zwischen leidenschaftlicher Verzückung und religiösem Ernst.

Eine gewagt programmatische Wahl, die ihre Kraft vor allem in der zweiten Hälfte fand. InAlto bewies erneut und äußerst erfolgreich ihren eigenwilligen Ansatz. Das wurde vom zahlreichen Publikum geschätzt. Wahrscheinlich nicht nur in der Kirche, sondern auch zu Hause, denn das Konzert wurde live übertragen und kann daher vielleicht noch angehört werden.

Ich würde sagen, macht es. Dies ist so ein Konzert, das beim zweiten Mal 'reifer' ist als beim ersten.