Au cours d'une vie, les gens se posent les questions les plus existentielles. Pour les musiciens, la question la plus fondamentale s'impose d'elle-même, mais elle est loin d'être aussi simple : pourquoi faire de la musique ? En regardant en arrière et avec un peu de Hineininterpretierung, on pourrait dire que le St. George Quintet a été fondé pour répondre à cet appel et pour le faire. Après une exploration du répertoire de quelques British Legends et un voyage à travers des terres lointaines et bohémiennes, l'ensemble belge a déjà trouvé sa réponse. "L'une des raisons pour lesquelles je fais de la musique, c'est pour développer mes capacités en tant qu'être humain", dit-il. En harmonie, elle sonne ainsi : "En me consacrant à l'art, j'espère pouvoir grandir et que d'autres personnes puissent faire de même..."
Tout a commencé avec deux bons amis du Symfonieorkest Vlaanderen qui voulaient jouer de la musique de chambre ensemble. Pour le contrebassiste Bram Decroix, ce n'était peut-être pas le choix le plus évident, mais le violoncelliste Wouter Vercruysse était – bien sûr – tout ouïe. Ce n'était pas toujours facile de trouver de bonnes correspondances pour compléter le groupe. D'abord, Bram a accueilli l'altiste néerlandaise Marie-Louise de Jong. Et avec Wouter, ils ont également persuadé la violoniste Liesbeth Baelus de se joindre à leur aventure. Liesbeth savait que Kaja Nowak venait d'arriver à Bruxelles. Une fois en Belgique, elle a finalement pris la position de deuxième violon.
Inspiré par cette girl power, le St. George Quintet a remporté ses premiers succès. Après avoir remporté le prix Supernova en 2016 et avoir enregistré leur album de débuts British Legends, les Georgians ont décidé de se rendre en République Tchèque. En juin 2017, ils ont pris le soi-disant Dvořák Express : le train qui relie Prague et Brno, les villes d'Antonin Dvořák et de Leoš Janáček respectivement. Ce voyage offrait non seulement la possibilité de discuter avec la population locale et d'en savoir plus sur la relation avec leur patrimoine culturel. L'objectif était également d'enregistrer une vidéo qui serait utilisée lors de concerts, et dans laquelle des impressions cinématographiques du voyage seraient projetées entre les pièces.
12 février 2019. L'expérience d'Europe de l'Est du quintette a finalement abouti à un deuxième CD. Lors de la sortie festive de Bohemia Express, l'ensemble – avec Diede Verpoest comme nouveau altiste – a interprété cette combinaison captivante de musique en direct et de film dans la salle de concert Miry à Gand. Cela s'est très bien déroulé. Peut-être que la plus grande surprise de la soirée était les accompagnements. Janáček et Dvořák ont ouvert la voie à un arrangement de célèbres chansons de Queen, qui se sont avérées être une finale appropriée pour cette Bohemian Rhapsody.
Un peu plus de deux mois plus tard à Bruxelles ensoleillée. Sur les marches à côté de la salle de bar du Brussels Beer Project, Kaja Nowak m'accueille chaleureusement dans son appartement confortable au premier étage. Wouter Vercruysse attend déjà dans le salon. Il a son ordinateur portable avec lui. Il ne faudra pas longtemps pour voir qu'il a bien préparé notre conversation. Et la maîtresse de maison aussi, mais d'une autre manière et plus savoureuse. De la céramique et une sélection de pâtisseries polonaises : l'offre surprise semble délicieuse. Mais avant de nous adonner au plaisir, nous parlons d'abord de beauté et de musique.
Sur la base du nom du St. George Quintet, que l'ensemble a emprunté au compositeur franco-britannique du XIXe siècle George Onslow, il est surprenant qu'aucune musique du soi-disant « Beethoven français » ne figure non plus sur votre deuxième album. Comment cela se fait-il exactement ?
Wouter Vercruysse : C'est vraiment dans notre ADN d'enregistrer à long terme les quintettes à cordes d'Onslow. Mais l'idée du Bohemia Express a surgi très spontanément. Tous les membres du groupe ont été immédiatement enthousiastes. Et parce que j'ai le don de vendre des choses qui n'existent pas encore (rires et approbation), j'ai présenté l'idée à plusieurs organisateurs de concerts et ils ont aussi adhéré au concept. C'est donc devenu une priorité. À l'origine, ce n'était qu'un projet vidéo et concert. L'album est venu après. Je me souviens encore vivement des discussions sur la difficulté du quintette de Dvořák (opus 77), qui est une pièce exigeante à interpréter. Mais au final, nous avons décidé que c'était maintenant ou jamais si nous voulions la mettre sur CD.
Kaja Nowak : En préparant les concerts, nous avons travaillé dur sur la pièce, il nous a donc semblé normal d'en faire aussi un enregistrement. Cependant, l'Onslow est une idée que nous mettrons en avant à un moment donné. Mais je ne suis pas vraiment sûre de savoir si nous avons complètement déterminé ce avec quoi nous pouvons combiner l'Onslow lors de concerts ; alors que nous en avons besoin pour expérimenter différentes interprétations et voir comment cela fonctionne. Bien sûr, nous pouvons jouer sa musique, mais nous réfléchissons toujours à un format attrayant. Une option que nous envisageons actuellement est de coupler le soi-disant « Beethoven français » avec le quintette à cordes du vrai Beethoven, et de le combiner avec des fragments de La Sonate à Kreutzer de Tolstoï. Mais ce n'est pas si facile à réaliser en raison de la longueur des deux œuvres.
Au lieu de choisir Onslow, le quintette s'est rendu en République Tchèque en 2017 pour trouver une inspiration et a décidé de consacrer son nouvel album à l'œuvre de Dvořák et aussi de Janáček. D'où est venue l'idée de transformer ce voyage en une représentation combinant musique en direct et vidéo ?
Vercruysse: Nous voyons cela comme notre mission d'élargir le public de la musique classique en essayant différentes formations. C'est pourquoi nous avons également cherché une nouvelle façon de mettre en avant le quintette de Dvořák. Nous avons joué avec l'idée de transformer le commentaire du programme en une présentation, et nous aurions interviewé pour cela un certain nombre de musicologues et de musiciens très intéressants à la fois à Prague et à Brno. En montrant des images avant et parfois aussi pendant les différentes parties de la musique, nous voulions aussi donner au public un aperçu du contexte et du pays dans lequel ces compositeurs ont travaillé. En même temps, le grand public a un aperçu des coulisses et apprend aussi à mieux nous connaître, ce qui rend le concert une expérience plus personnelle.
Nowak: Le film a vraiment rempli son rôle de moyen de rapprocher la musique des gens qui ne vont normalement pas écouter de la musique classique. Nous avons reçu de nombreuses réactions enthousiastes du public. L'alternance entre film et musique rend les pièces plus accessibles, ce que beaucoup de gens apprécient.
D'où venait l'envie de travailler avec la musique d'Europe de l'Est ?
Nowak: Dois-je donner la réponse pragmatique ? Le fait est que le quintette de Dvořák est probablement la pièce la plus connue à jouer dans notre formation de quatuor à cordes avec contrebasse. Cette pièce était donc le point de départ et aussi la première œuvre que nous ayons jamais exécutée en tant que groupe. Ensuite, nous avons cherché quelque chose qui irait bien avec. C'est alors que nous avons découvert cet incroyable Janáček, également un bon ami de Dvořák, et la pièce de Suk. Je pense que nous sommes aussi vraiment liés émotionnellement à Suk : une courte pièce qui a quelque chose de très spécial. C'est très imaginatif, presque comme de la poésie.
Vercruysse: Josef Suk, le gendre de Dvořák, a écrit sa Méditation sur l'ancien choral tchèque en l'honneur de Wenceslas le Saint (opus 35a) en hommage au saint patron du Royaume de Bohême, la plus grande région historique du pays. À Prague, vous voyez pas mal de statues de lui. Au moment du déclenchement de la Première Guerre mondiale, la Bohême faisait encore partie de l'Empire austro-hongrois. C'est pourquoi chaque concert devait commencer par l'hymne impériale : le célèbre Gott erhalte Franz den Kaiser, composé par Haydn. Suk a ajouté à ce programme un nouvel hymne populaire tchèque. C'était une sorte de chant de protestation fragile contre l'impérialisme des Habsbourg, qui suscitait des sentiments d'émancipation.
Comment Lars Konings, le réalisateur du film, s'est-il joint à la Bohemia Express ?
Nowak: Il est d'abord et avant tout un musicien. C'est ainsi qu'il a rencontré notre ancienne altiste Marie-Louise de Jong, qui apparaît encore dans le film (l'altiste actuelle du Dudok Kwartet Amsterdam, NDLR). Ils ont étudié ensemble au conservatoire de Maastricht. C'est un pianiste très compétent. En tant que hobby, il s'est aussi lancé dans la réalisation de films, et a commencé à le prendre de plus en plus au sérieux. Finalement, cela est devenu son métier.
Vercruysse: Nous avons connu Lars comme un producteur très passionné de vidéos d'artistes pour notre premier album British Legends. C'était un grand plaisir de travailler avec lui, que nous l'ayons invité à nous accompagner sur la Bohemia Express, qui était un projet beaucoup plus grand. En tant que cinéaste orientée vers la musique, il a contribué à concevoir le concept du programme et en même temps il a aussi manié la caméra.
Ce qui ressort clairement du reportage de voyage, c'est l'importance de la musique folklorique, et en particulier des chansons populaires, pour comprendre les compositions de Janáček et Dvořák. Quel est le défi pour un ensemble belge de traiter ce langage folklorique ?
Vercruysse: C'est un grand défi, surtout si vous voulez vraiment entrer en contact avec le noyau folklorique de la musique. D'autant plus que les chansons populaires moraves et bohèmes sont très locales et ne sont pas aussi largement diffusées que, par exemple, la tradition folklorique écossaise ou irlandaise. Mais d'un autre côté, c'est déjà un peu filtré puisque c'est toujours de la musique classique. La musique elle-même forme un pont, car le langage est tonal et donc plus ou moins ce auquel nous sommes habitués. Néanmoins, nous avons été très heureux d'être guidés par Pavel Fischer, ancien premier violon du Škampa Quartet et un très actif violoniste folk. Il a souligné l'importance à la fois de l'intonation et des accents de la langue tchèque, qui ont une grande influence sur la façon dont la musique de Dvořák et Janáček doit être jouée. Il nous a fait réciter leurs œuvres plutôt que de les chanter, ce qui a été une vraie révélation pour nous.
Kaja, est-ce plus facile pour une violoniste d'origine polonaise – ou pour le Pavel Haas Quartet par exemple – de s'identifier à cette musique ?
Nowak: Dans mon cœur, je sens que je suis dans une certaine mesure plus proche de cette musique, notamment parce que je viens d'une région adjacente. Mais d'un autre côté, il y a tous les détails que nous venons de discuter, et qui sont tellement différents. La culture polonaise et tchèque ont beaucoup en commun, et je comprends aussi un peu la langue tchèque, mais les deux pays sont encore suffisamment différents. C'est pourquoi les leçons avec Pavel Fisher ont également été incroyablement intéressantes pour moi.
Vercruysse: En fin de compte, cela dépend aussi de ta formation. Si tu as été formé comme nous dans la tradition interprétative franco-allemande ou russe, c'est quelque chose de très différent de ce que tu rencontres en Tchéquie. Lors de notre voyage, nous avons été très surpris d'apprendre que la musique fait partie de leur vie quotidienne là-bas. Ce n'est pas quelque chose qui est caché dans une classe d'école de musique, mais plutôt quelque chose d'organique. Beaucoup de gens, des enfants aux personnes âgées, chantaient et connaissaient des chansons folkloriques!
Par rapport à la Belgique ou aux Pays-Bas par exemple, la Tchéquie a produit pas mal de compositeurs célèbres. Est-ce simplement une coïncidence, ou y a-t-il vraiment quelque chose de spécial à trouver dans la Vltava, à part les poissons morts que Wouter repère dans le film?
Vercruysse: C'est une question que je me suis déjà posée plusieurs fois par le passé et pour laquelle j'ai élaboré une théorie. Si je regarde l'histoire, je vois que l'émergence du capital culturel coïncide avec les sociétés puissantes. Quand l'empire bourguignon était à son apogée, la Flandre occupait une place importante, et elle générait aussi de nombreux compositeurs et peintres célèbres. Pendant la période classique et romantique précoce, la monarchie des Habsbourg était dominante en Europe. Vienne était vraiment the place to be. Haydn, Mozart et Beethoven ont été attirés par cette ville et y ont travaillé. Je crois aussi que ce n'est pas une coïncidence si Bach n'a connu une percée définitive que cent ans après sa mort. Ce moment a coïncidé avec l'émergence de la Prusse, ce qui a également augmenté l'intérêt pour le patrimoine national. Aux 19e et début 20e siècles, la Bohême faisait partie de l'Empire austro-hongrois. Des villes comme Brno et Prague étaient très proches du centre culturel qu'était Vienne et en profitaient. Mozart venait souvent à Prague en visite et y a connu certains de ses plus grands succès. Dans la seconde moitié du 19e siècle, une conscience culturelle nationale a émergé grâce à la musique de Smetana, notamment à travers ses opéras écrits en tchèque. Les dirigeants autrichiens ont été « libéraux » enough pour tolérer ce développement. Celui-ci a été poursuivi par d'autres comme Dvořák, Janáček et Suk. Après la Grande Guerre, avec l'indépendance de la Tchécoslovaquie, Brno et Prague se sont développées. Le pays est devenu l'un des plus riches du monde, et il a consolidé l'héritage de ses plus grands compositeurs en exportant leur musique comme un produit culturel national. En même temps, la musique était une partie tout aussi importante de l'identité. Mais malheureusement, cela a pris fin lorsque d'abord les nazis, puis les Soviétiques ont pris le contrôle. Martinů était en fait le dernier compositeur tchèque à connaître une notoriété internationale.
Nowak: C'est pourquoi je pense que le talent se trouve partout, mais il doit être nourri. S'il n'y a pas d'argent, il est difficile d'enseigner. Un artiste pourrait ne pas aimer l'admettre, mais dans l'histoire de l'humanité, l'interaction entre la culture et le pouvoir a été un facteur très important. Et cela l'est toujours aujourd'hui.
Dans le film, l'une des personnes interrogées considère la musique de Dvořák comme un « symbole de l'internationalisation de notre musique ». Simultanément, les racines de cette musique sont essentielles à son existence... Avez-vous une explication pour ce paradoxe intéressant?
Nowak: Il est intéressant de comparer Dvořák et Janáček. Bien que Dvořák soit devenu célèbre en puisant dans le folklore tchèque, il était aussi profondément enraciné dans le langage classique de ses prédécesseurs viennois. C'est même audible dans ses œuvres les plus « folkloriques ». Janáček, en revanche, utilisait les chansons folkloriques pour les citer littéralement plutôt que de les adapter en thèmes de sonate classiques. Il est allé beaucoup plus loin dans la réinvention de son langage musical et la rupture avec la structure classique. En un sens, cela peut signifier que la musique de Dvořák, qui est plus proche des formes classiques, est plus accessible aux Européens de l'Ouest, tandis que l'œuvre de Janáček nécessite plus de temps d'écoute pour être comprise.
Vercruysse: Jeune compositeur, Dvořák avait peu de succès à Vienne parce qu'il était une sorte de wannabe Brahms. Mais à l'étranger, on n'était pas intéressé par un imitateur, et donc il a dû trouver sa propre voix. Au moment où il a commencé à trouver l'inspiration dans la musique folklorique tchèque, son travail a été repris à l'étranger. Les Danses slaves sont devenues son plus grand succès et sa percée, même si elles n'étaient qu'un peu folkloriques – Dvořák a en fait trouvé les mélodies lui-même. Selon le célèbre expert de Dvořák David Beveridge, que nous avons également interrogé lors de notre voyage, le quintette à cordes était en ce sens une étape importante: c'était l'une des premières œuvres dans lesquelles il incorporait consciemment des mélodies dans un style folklorique.
Un moment du reportage que j'ai beaucoup apprécié, c'est lorsque vous discutez à cinq sur ce qui est le plus important lorsqu'on joue de la musique. Wouter s'exclame : « L'émotion doit venir en premier ! » Mais alors, comme Kaja l'affirme dans la vidéo promotionnelle de votre nouvel album (voir ci-dessous) : « Bien sûr, il faut aussi utiliser son intelligence. » Comment conciliez-vous émotion et raison lorsque vous jouez de la musique ?
Vercruysse : Vous parlez avec deux musiciens très instinctifs, donc peut-être que nous ne sommes pas les personnes les mieux placées pour répondre à cette question (rires). Mais j'y ai réfléchi et je suis convaincu qu'en réconciliant sentiment et raison, on peut atteindre un niveau supérieur de conscience. C'est l'une des raisons pour lesquelles je joue de la musique : pour développer mes capacités en tant qu'être humain.
Nowak : Oui, je peux vraiment m'identifier à cela ! Parce que c'est un équilibre si délicat entre émotion et travail intellectuel. Et nous luttons souvent avec cela. Si vous essayez de vous concentrer sur certains détails de la partition, vous risquez de jouer sans sentiment. D'un autre côté, vous pouvez aussi déstabiliser tout l'édifice si vous jouez davantage du cœur. Mais il existe une sorte de troisième perspective, où vous vous permettez de coupler les deux ensemble. Pour donner un exemple simple. Parfois, vous travaillez quelque chose lentement. Vous vous concentrez sur un aspect technique, mais vous sentez que c'est bloqué. À ce moment, cela vous libère si vous essayez de penser de manière plus musicale. Récemment, j'ai parlé avec quelqu'un des affections dans la musique. À l'époque baroque, en tant que musicien, vous deviez reproduire ces affections pour obtenir l'effet souhaité sur les gens : il n'y avait pas lieu d'éprouver soi-même cette émotion pendant l'exécution. Apparemment, Carl Philipp Emanuel Bach a été le premier à indiquer que vous devez comprendre l'émotion et aussi la ressentir pour pouvoir la reproduire. C'est à ce moment que le musicien s'est présenté comme un être émotionnel. Mais ce débat se poursuit encore aujourd'hui. En un sens, la raison n'est pas seulement quelque chose qui analyse et calcule, c'est aussi un outil créatif. Sur la base de la musique que vous avez en tête, vous devez mettre votre esprit au travail pour exprimer toutes ces émotions. C'est pourquoi les deux fonctionnent en harmonie étroite. Au final, je ne considère donc pas vraiment cette opposition comme un problème. Si vous pouvez combiner émotion et raison, vous augmentez la qualité de votre jeu.
Dans l'avant-dernière scène du film, Wouter réalise que le groupe a découvert quelque chose lors de ce voyage fascinant à travers la Bohême et la Moravie. Ce que vous avez trouvé là-bas est en réalité une réponse à ce qui est peut-être la question la plus importante qu'un ensemble puisse se poser : pourquoi jouons-nous ? Selon le St. George Quintet, quel est la réponse à cette question existentielle ?
Nowak : C'est une question très importante et pertinente : les gens veulent savoir pourquoi nous faisons cela, pourquoi nous faisons de la musique. – (à partir de 5:15, NDLR). Ce que je dis là, c'est que je pense que faire de la musique vous développe énormément. Cela vous aide à devenir plus sensible et aussi plus discipliné. Cela forme votre caractère. Se mesurer à la grandeur de la musique vous rend humble et vous pousse non seulement à travailler sur vous-même, mais j'espère aussi à renforcer vos relations avec les autres. C'est pour moi l'un des résultats les plus importants, sinon le plus important de l'art : l'expression de sentiments que nous partageons tous au final. Ce n'est pas quelque chose de subjectif. C'est le sentiment mystérieux, inexplicable que les premiers humains ont versé dans leurs peintures rupestres, et qui nous inspirera toujours avec joie, crainte et peur. C'est quelque chose de très beau et émouvant que tous les êtres humains ont en commun. Donc en me consacrant à l'art, j'espère que ma compréhension et ma compassion pourront croître et que d'autres personnes puissent faire de même …
L'enregistrement de Bohemia Express est une histoire à part. L'ensemble a organisé une campagne de financement participatif et a reçu le soutien de quelques organisations moins connues comme Beeldenstorm. Comment cet album a-t-il vu le jour ? Était-ce différent du premier enregistrement que vous avez réalisé ?
Nowak : Beeldenstorm mérite certainement une mention, car c'est une organisation à but non lucratif fantastique. Nik Honinckx, le directeur, est un soutien incroyable pour les arts. Peut-être pourriez-vous aussi écrire un article sur lui ?
Vercruysse : C'est un centre communautaire néerlandophone à Kuregem. Ils soutiennent de nombreuses productions de musique classique et travaillent en étroite collaboration avec Etcetera Records. Leur soutien financier à notre projet était très bienvenu. Et nous étions aussi heureux de répéter là-bas.
Nowak : Nous avons réalisé notre premier enregistrement peu de temps après être devenus l'un des trois lauréats de Supernova en 2016. Nous avons reçu le soutien à la fois de Concertgebouw Brugge et de Klara. L'album a été produit en collaboration avec Pavane Records. Pour notre deuxième album, nous voulions une liberté artistique totale : sur ce que nous enregistrerions, où nous le ferions, comment nous concevrions la couverture, et ainsi de suite. Nous avons donc pris la production entièrement en main.
Vercruysse: Une des choses que nous voulions vraiment faire, c'était d'enregistrer le cd au conservatoire de Bruxelles. Et nous voulions aussi choisir nous-mêmes le producteur. Rachel Smith est l'une des productrices les plus célèbres d'Angleterre. Elle remporte des prix chaque année. C'était vraiment un privilège pour nous de pouvoir travailler avec elle. Elle est particulièrement douée pour ce qu'elle fait.
Nowak: Nous avons aussi remarqué cela lors des enregistrements, qui se sont déroulés très facilement. Rachel est très douée pour donner des retours. Et c'est pourtant une affaire délicate. Vous voulez un producteur qui signale tous les détails nécessaires, mais certaines choses ne peuvent plus être changées. Donc quelqu'un qui est trop pointilleux ou trop obstiné va créer des tensions. Vous devez vraiment bien savoir quand diriger et quand lâcher prise. En même temps, vous devez aussi être très sûr de vous si vous avez un bon résultat. Ce n'est pas facile avec cinq personnes qui veulent chacune une prise supplémentaire pour s'assurer qu'elles ont bien joué (rires).
À quel point le perfectionnisme est-il finalement important pour un musicien? Car cela a quelque chose de diabolique... Quelque chose de parfait n'est pas vraiment ce que les gens veulent écouter ou chercher, n'est-ce pas?
Nowak: C'est vrai que la technique est le moyen d'atteindre un objectif, et vous devez toujours le garder à l'esprit. Si vous vous concentrez uniquement là-dessus, cela devient très ennuyeux. D'autre part, vous devez avoir un certain niveau pour faire passer le message. Sinon, vous ne pourrez pas convaincre le public.
Vercruysse: Par les enregistrements et la diffusion en continu de haute qualité, les gens s'habituent aux conditions virtuelles. C'est pourquoi nous pensons que le public veut écouter quelque chose de parfait. Je me rappelle toujours une confession du violoncelliste mondialement célèbre Yo Yo Ma. « Tu sais, Wouter, quand je suis vraiment inquiet », m'a-t-il dit une fois. « Quand je joue un concert, et j'arrive à la fin... et je n'ai pas fait une seule erreur. » Et il a ajouté: « Pour moi, c'est vraiment rassurant de faire une erreur au début ou au milieu d'un concert. Au moins, nous l'avons déjà eu! »
Qui a réalisé le beau dessin sur la couverture de l'album?
Vercruysse: Le dessin est de la main de Jan-Sebastiaan Degeyter, un artiste brugeois qui vit et travaille à Gand. Il avait déjà créé des pochettes de cd, et le résultat nous a plu. Nous lui avons donc donné quelques suggestions sur ce que nous voulions et nous étions très heureux de ce qu'il a créé. L'intérieur de l'album a aussi été réalisé par lui. Vous pouvez y voir quelques détails des endroits que nous avons visités lors de notre voyage: Prague, la maison natale de Dvořák à Nelahozeves, le festival folklorique, …
Nowak: Et tout cela à travers la grande fenêtre d'un train (rires).
Comme Ralph Waldo Emerson l'a peut-être dit ou pensé un jour: « La vie est un voyage, pas une destination. » Néanmoins, quelle sera la prochaine destination des Georgians; le prochain projet auquel vous aimeriez vous attaquer?
Vercruysse: Puis-je rêver un peu en ce beau jour? J'aimerais vraiment aller en Argentine un jour pour créer une histoire sur Buenos Aires et Astor Piazzolla. Mais c'est plus probable, et aussi plus réaliste, ce sera un programme avec Onslow et Beethoven dont nous avons parlé au début de notre conversation.
Kaja, Wouter, Liesbeth, Diede et Bram: que saint George soit avec vous. Toujours!
- QUOI: Interview avec Kaja Nowak et Wouter Vercruysse, deuxième violoniste et violoncelliste du St. George Quintet, à l'occasion de leur dernier enregistrement Bohemia Express et du concert-spectacle qui l'accompagne, qui a eu lieu le 12 février 2019 dans la salle de concert Miry à Gand.
- QUI: St. George Quintet [Liesbeth Baelus et Kaja Nowak (violon), Diede Verpoest (alto), Wouter Vercruysse (violoncelle) et Bram Decroix (contrebasse)]
- SITE WEB: https://www.stgeorgequintet.com/
- PHOTOS: © Lars Konings | Filip Verpoest
- LIEN VERS LE TEXTE ORIGINAL (EN)