Transit, oder wie Zuhörer auch Zuschauer werden

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Transit, oder wie Zuhörer auch zu Zuschauern werden

Wenn Lauchstangen zum Einsatz kommen, um einen Tanz aufzuführen, wissen wir, dass es sich um nichts anderes als zeitgenössische klassische Musik handeln kann. Addieren Sie dazu Videotechnologie, künstliche Intelligenz, alternative Instrumentierung, Minimalismus und eine Prise Genderdiskurs, und die Konturen der neuen klassischen Musik werden deutlich sichtbar. Ein Überblick über ein Transit-Wochenende in Leuven, bei dem Zuhörer auch Zuschauer wurden.

Der deutsche Komponist Michael Beil überraschte mit seiner malerischen Komposition Verbergen zum Zeigen in der ein Märchen über die paradoxalen Wurzeln der Einsamkeit erzählt wird – Kommunikationstechnologie und soziale Medien. Beils Kompositionstechnik hält sich von musikalischer Entwicklung fern. Seine Struktur besteht aus dem Durchscrollen einer nervösen Abfolge von Szenen und aus Memen, die ständig wiederholen, umformulieren, variieren, zirkulieren und mutieren. Ein Glücksfund ist die Inszenierung. Acht Musiker (vom Nadar Ensemble) sind auf einer Reihe von sechs blickdichten Umkleidekabinen verteilt. Wenn die Jalousien offen sind, sehen die Zuschauer, wie sie spielen – jeder für sich, aber dennoch in Harmonie. Und sie tanzen, verkleiden sich, drehen durch, erstarren. Wenn die Jalousien geschlossen sind, dienen sie als Projektionsflächen für Aufnahmen, die von zwei Live-Videokameras gemacht wurden. Und manchmal sind die Jalousien nur halb geschlossen, sodass sich Realität und Virtualität vermischen. Das Ergebnis heißt Hyperrealität. Die Gretchenfrage ist, was verborgen ist und was nicht. Diese ständige Verwirrung entspricht perfekt der Kommunikation in sozialen Medien, bei der ebenfalls nicht immer klar ist, mit wem oder was man es zu tun hat.

Der Reichtum von Beils Komposition liegt in einer farbenfrohen märchenhaften Kreuzbestäubung von Video und Musik. Das bedeutet, dass Zuhörer auch Zuschauer sind. Die Musik ist sowohl akustisch als auch elektronisch und auf Band, alles mit einer leichten Textur unter japanischen, russischen, amerikanischen und europäischen Einflüssen. Er macht auch funktionale Witze wie Tanzen mit frischen Lauchstangen. Die Kostüme sind mit kindlichen Mustern in leuchtenden Farben versehen. Die Perücken sind blond oder türkis. Manchmal tragen alle Musiker eine Brille, dann wieder nicht. Es ist ein Kostümfest, bei dem Erwachsene mit Hingabe in ihre Kindheit zurückhüpfen. Die Atmosphäre ist meist verspielt, manchmal clubby oder hip, und dann wieder fesselnd und sehnsüchtig wie in einem Sommernachtstraum. Das Nadar Ensemble, für das Beil dieses Stück geschrieben hat, und Verbergen zum Zeigen scheinen wie zwei Hände an einem Bauch zu sein. Sie verstehen sich perfekt. Dass eine Kombination aus Musik, Bewegung, Mimik und Gestik fast natürlich funktioniert, kommt nicht oft vor. Das kann nur nach einem intensiven Probenprozess entstehen, der dazu führt, dass aus dem Gedächtnis gespielt wird, wie Nadar zeigte. Es war ein überzeugendes Konzert, das Perspektiven für die weitere Entwicklung eines neuen Musikstils bietet, in dem Video und Technologie konkreten und ausgewogenen Mehrwert bieten. Dass diese Kombination einen Bedarf erfüllen kann, zeigte sich auch durch die Anwesenheit von Familien mit Kindern. Es gab sogar Kindergruppen, die nach dem Konzert auf einem windigen Innenhof ein paar der Tänze ausprobierten. Es gibt also Hoffnung.

Aber der Erfolg von Verbergen zum Zeigen bedeutet nicht, dass die Verwendung fester strukturierender Elemente seine beste Zeit hinter sich hat. Seit Aristoteles die Grundlage der Harmonielehre mit seiner Theorie der Planetensphären gelegt hat, hat uns das Verlangen nach Systematik niemals losgelassen. Der amerikanische Komponist Tom Johnson (*1939) beschäftigt sich seit Jahren mit mathematischen Blockdesigns, bei denen das Zählen im Mittelpunkt steht. Der Pianist Daan Vandewalle spielte seine Komposition Lösungen (9, 3, 2), eine Weltpremiere. Johnson nimmt hier 36 Systeme aus neun Noten auseinander und setzt sie wieder zusammen, allerdings mit Variationen wie absteigenden Sequenzen, offenen und geschlossenen Akkorden, kahlen Melodielinien, Notenreduktion, sehr langsamen bis etwas schnelleren Tempi, langen und kurzen Pausen, lauter und leiser, fugenhaft, spitz, gebunden oder knochentrocken. Vandewalle ist ein Meister der Nuance. Je mehr das Tempo abnimmt und je weniger Noten gespielt werden, desto mehr wird ein Schlupfer im Anschlag oder eine Mikrosekunde zu lange Pause auditiv gnadenlos bestraft. Trotz dieser Risiken ließ sich Vandewalle nicht in eine Falle locken – zumindest klang es nicht mathematisch – zum Glück nicht.

Auf instrumentaler Ebene brachte der niederländische Blechbläser Marco Blaauw eine erfrischende Erneuerung. In der Komposition O.M. Rising der britischen Komponistin/Cellistin/Aktivistin Ayanna Witter Johnson verwendete er eine knallrote Taschenposaune , um sowohl zu dämpfen als auch zu verstärken. Ein packender Titel, in dem eine einzelne Stimme gegen rassische und geschlechtliche Ungleichheit spricht – nüchtern, provokativ und daher wirksam. Genderfragen kamen auch in der Uraufführung von Gegenkräfte des flämischen Komponisten Frederik Croene zur Sprache. Auf einen Text von Dominique De Groen sangen Amina Osmanu, Lore Binon und IKRAAAN über die irdische und soziale Kraft von Frauen, gespiegelt an der fragwürdigen Rolle, die der Mann bei Veränderungen in der Welt gespielt hat. Der Hintergrund wurde mit repetitiven Interventionen des Komponisten Frederik Croene am Klavier und mit Tonband (monotone Motorräder und Schleifscheiben) belebt. Instrumental geschah nicht viel Gegenkräfte. Das ist auch nicht nötig, zumal das Stück vom Text getragen wird. Aber das Verhältnis zwischen den gesungenen und den instrumentalen Teilen war weitgehend aus dem Gleichgewicht, wodurch viel vom Text verloren ging. Außerdem gab es keine Übertitelung.

Eine andere Linie ist die Fortsetzung der Rehabilitierung des tonalen Schreibens. Auf Transit gab es zwei Beispiele junger Komponisten, die in (erweiterter) Tonalität schreiben. Seit einigen Jahren ist Tonalität kein Tabu mehr. Die Zeit, in der sich ein Kompositionsstudent nicht mehr auf die Straße traute, weil er an einem tonalen Stück arbeitete, liegt mindestens ein Jahrzehnt hinter uns. Das Ensemble Klang, ein sechsköpfiges Ensemble ohne Dirigent, wagte sich an zwei neue Stücke von Maya Verlaak und Jesse Broekman. Von Verlaak wurde Bedingungen aufgeführt, eine Komposition mit schwebenden Harmonien, wobei die Musiker über die Enden des Saals verteilt waren. Dies verschob die Perspektive vom traditionellen statischen Einbahnverkehr von der Bühne zu einem räumlichen Erlebnis, vergleichbar mit einer Reise durch den Kosmos. Verlaak scheint damit einen neuen Weg eingeschlagen zu haben. Sie ist bekannt für verspielte Kompositionen, in denen Technologie und auditive Ironie eine Hauptrolle spielen. Mit Bedingungen fügt sie nun ein kontemplatives Element zu ihrem Werk hinzu.

Klang spielte auch wird es lange so bleiben, fragtest du, eine bemerkenswerte Kreation von Jesse Broekman. In diesem meditativen Stück spielte Schlagzeuger Joey Marijs die Hauptrolle. Mit seiner zarten Behandlung speziell gesägter Aluminiumplatten brachte er eine stille Kraft aus asiatischen Düften und Texturen in den Saal. Manchmal klangen seine Platten wie ein Gamelan, dann wieder wie Glocken. Pianistin Saskia Lankhoorn bezog sich mit ihrer präpariertes Klavier auf John Cage, der um 1940 viel aus diesem Genre schrieb. Sie streichelte die zwischen den Saiten platzierten Räucherstäbchen so fließend, dass es nahe an einer Drohne kam. Verlaak und Broekman haben mit ihren neuen Kompositionen eine tonale Ausdrucksweise gefunden, die sich, wie sich zeigte, über Saxophone und E-Gitarre gut in einer nicht-klassischen Besetzung zu Hause fühlt.

Dass sich Zuhörer bei viel neuer Musik in eine Doppelrolle als Zuschauer begeben müssen, zeigte sich in der Komposition Das sind keine Götter, die mit Händen gemacht sind für sechs Stimmen und sechs Musiker des italienischen Duos Mauro Lanza und Claudio Panariello. Es gab viel zu sehen bei der Aufführung von Spectra Ensemble und HYOID Voices. Nach einem langen eröffnenden Geflecht von Drohnen zeigen sich die Sänger als vielseitig einsetzbar, indem sie durch Flaschenöffnungen pfeifen, Blockflöte spielen und Mundharmonikas einsetzen. Der Titel ("Die, die mit Händen gemacht sind, sind keine Götter") bezieht sich auf Kunstwerke, die durch künstliche Intelligenz – also nicht durch Menschenhände – hergestellt wurden. In dieser Komposition wurden Passagen aus einer der ikonischen Messen von Guillaume Dufay (1397-1474) verwendet, von denen zehn verschiedene Versionen verwendet wurden, um Algorithmen zu erstellen, die neues Material lieferten. All dies führte zu einer solide konstruierten vokalen und musikalischen Geschichte, unter der ein virtuos geknüpfter Teppich aus KI-Kunst lag.

Disiecta Membra ("zerstreute Gliedmaßen") von Mauro Lanza für sechs Stimmen verweist durch Zitate auf den Katalog von Gliedmaßen in den sieben Kantaten von Dietrich Buxtehude (1637-1705), wird aber nun mit einer Parodie auf das Schlachten eines Schweins verbunden. Auch hier färbten die Sänger regelmäßig außerhalb der Linien: Ein Geflecht von Vokalen wurde abgewechselt mit Stößen in die Mundharmonika oder mit dem Quieken eines Kunststoff-Spielzeugschweins. Gepfiffene Melodien versetzten den Zuschauer in die Routine des Schlachthofs. Die weiten und eleganten Armbewegungen von Dirigent Filip Rathé und die ausdrucksstarke Art, wie die Sänger die Blätter ihrer Partituren umschlugen, machten das Seherlebnis komplett.

WAS: Transit – offener Geist, offene Ohren

WO: STUK, Leuven

GESEHEN: 20.-22. Oktober 2023