Quand des poireaux entrent en jeu pour exécuter une petite danse, on sait que nous ne parlons que de musique classique contemporaine. Ajoutez à cela la vidéotechnologie, l'intelligence artificielle, l'instrumentation alternative, le minimalisme et une pincée de problématiques de genre, et les contours de la nouvelle musique classique deviennent limpides. Un aperçu d'un week-end Transit à Louvain, où les auditeurs sont aussi devenus spectateurs.
Le compositeur allemand Michael Beil a surpris avec sa composition pittoresque Caché pour montrer qui raconte un conte de fées sur les racines paradoxales de la solitude – la technologie de la communication et les réseaux sociaux. La technique de composition de Beil s'éloigne délibérément du développement musical traditionnel. Sa structure consiste à faire défiler une succession nerveuse de scènes et des mèmes qui ne cessent de se répéter, se reformuler, varier, circuler et muter. Une trouvaille d'or est la mise en scène. Huit musiciens (de l'Ensemble Nadar) sont répartis sur une rangée de six cabines (de vestiaire) aveugles. Quand les jalousies sont ouvertes, les spectateurs voient comment ils jouent – chacun de son côté, mais néanmoins en harmonie. Et ils dansent, se déguisent, se déchaînent, se figent. Quand les jalousies sont fermées, elles servent d'écrans de projection pour des enregistrements réalisés par deux caméras vidéo (en direct). Et parfois les jalousies sont à moitié fermées, ce qui permet à la réalité et à la virtualité de se mélanger. Le résultat s'appelle hyperréalité. La grande question est ce qui est caché ou non. Cette confusion perpétuelle correspond parfaitement à la communication sur les réseaux sociaux, où il n'est pas toujours clair non plus avec qui ou quoi l'on a affaire.
La richesse de la composition de Beil réside dans un croisement pittoresque et féerique de la vidéo et de la musique. Cela signifie que les auditeurs sont aussi des spectateurs. La musique est à la fois acoustique et électronique, avec des bandes sonores, le tout avec une texture légère, sous des influences japonaises, russes, américaines et européennes. Il fait également des blagues fonctionnelles comme danser avec des poireaux frais. Les costumes sont ornés de motifs enfantins dans des couleurs vives. Les perruques sont blondes ou turquoise. Parfois tous les musiciens portent des lunettes, parfois non. C'est un défilé costumé dans lequel les adultes sautillent avec dévouement vers leur enfance. L'ambiance est généralement taquine, parfois branchée ou cool, et puis de nouveau provoquante et languissante comme dans un "A Midsummer Night's Dream". L'Ensemble Nadar, pour qui Beil a écrit ce morceau, et Caché pour montrer semblent être deux mains sur un seul ventre. Ils se sentent parfaitement. Le fait qu'une combinaison de musique, de mouvement, de mimique et de gestuelle s'avère presque naturellement cohérente n'arrive pas souvent. Cela ne peut venir à bout de la difficulté qu'après un parcours de répétition intensif qui conduit à jouer de mémoire, comme l'a montré Nadar. C'était un concert convaincant, qui offre une perspective sur le développement ultérieur d'un nouveau style musical dans lequel la vidéo et la technologie offrent une valeur ajoutée concrète et équilibrée. Le fait que cette combinaison puisse combler un besoin a également été confirmé par la présence de familles avec enfants. Il y avait même des groupes d'enfants qui ont essayé quelques-unes des petites danses dans la cour, après le concert, par temps venteux. Il y a donc de l'espoir.
© Evy Ottermans
Mais le succès de Caché pour montrer ne signifie pas que l'utilisation d'éléments structurants fixes a eu ses beaux jours. Anciens comme le monde et toujours jeunes sont les efforts pour capturer la musique dans des modèles mathématiques. Depuis qu'Aristote a jeté les bases de la théorie de l'harmonie avec sa théorie des sphères planétaires, le désir de systématique ne nous a jamais quittés. Le compositeur américain Tom Johnson (né vers 1939) travaille depuis des années avec des conceptions de blocs mathématiques où le comptage est central. Le pianiste Daan Vandewalle a joué sa composition Solutions (9, 3, 2), une première mondiale. Johnson décompose ici 36 systèmes de neuf notes et les remonte, bien qu'avec des variations comme les séquences descendantes, les accords ouverts et fermés, les lignes mélodiques épurées, la réduction des notes, les tempi très lents à un peu plus rapides, les repos longs et courts, plus fort et plus doux, fugué, pointu, lié ou très sec. Vandewalle est un maître de la nuance. À mesure que le tempo baisse et que de moins en moins de notes sont jouées, un léger défaut d'attaque ou un repos une microseconde trop long est impitoyablement puni à l'oreille. Malgré ces risques, Vandewalle s'est montré fiable, et cela n'a certainement pas sonné mathématiquement – heureusement.
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Sur le plan instrumental, le cuivriste néerlandais Marco Blaauw a apporté un renouvellement rafraîchissant. Dans la composition O.M. Rising du compositeur/violoncelliste/activiste britannique Ayanna Witter Johnson, il a utilisé une trompette de poche rouge écarlate avec un mégaphone de poche assorti, capable à la fois d'atténuer et d'amplifier. Une pièce saisissante dans laquelle une seule voix s'élève contre les inégalités raciales et de genre – sobre, stimulante et donc efficace. Les questions de genre ont également été abordées lors de la première de Contreforces du compositeur flamand Frederik Croene. Sur un texte de Dominique De Groen, Amina Osmanu, Lore Binon et IKRAAAN ont chanté sur la force terrestre et sociale des femmes, en miroir du rôle douteux que l'homme a joué dans les changements du monde. L'arrière-plan a été fourni par des interventions répétitives du compositeur Frederik Croene au piano et avec une bande sonore (motos monotones et meuleuses). Sur le plan instrumental, il ne s'est pas passé grand-chose Contreforces. Ce n'était pas nécessaire non plus, d'autant plus que la pièce est portée par le texte. Mais l'équilibre entre les parties chantées et instrumentales était en grande partie déséquilibré, ce qui a fait perdre une grande partie du texte. De plus, il n'y avait pas de sous-titres.
Une autre ligne est la continuation de la réhabilitation de l'écriture tonale. À Transit, il y avait deux exemples de jeunes compositeurs qui écrivent en tonalité (élargie). Depuis plusieurs années, la tonalité n'est plus un tabou. L'époque où un étudiant en composition n'osait plus sortir dans la rue parce qu'il travaillait sur une pièce tonale est révolue depuis au moins une décennie. L'Ensemble Klang, un groupe de six musiciens qui joue sans chef d'orchestre, s'est essayé à deux nouvelles pièces de Maya Verlaak et Jesse Broekman. De Verlaak, Conditions a été jouée, une composition d'harmonies flottantes, où les musiciens étaient dispersés aux extrémités de la salle. Cela a déplacé la perspective du trafic unidirectionnel statique traditionnel depuis la scène vers une expérience spatiale, comparable à un voyage à travers le cosmos. Avec cela, Verlaak semble avoir ouvert une nouvelle voie. Elle est connue pour des compositions ludiques dans lesquelles la technologie et l'humour auditif jouent un rôle majeur. Avec Conditions elle ajoute maintenant un élément contemplatif à son œuvre.
Klang a également joué « sera-ce ainsi longtemps ? » as-tu demandé, une création remarquable de Jesse Broekman. Dans cette pièce méditative, le rôle principal a été joué par le percussionniste Joey Marijs. Avec son traitement tendre de plaques d'aluminium spécialement sciées, il a apporté une force silencieuse de parfums et de textures asiatiques à la salle. Parfois, ses plaques sonnaient comme un gamelan, parfois comme des cloches. La pianiste Saskia Lankhoorn a fait référence avec son piano préparé à John Cage, qui a écrit beaucoup de ce genre autour de 1940. Elle caressait les bâtons d'encens placés entre les cordes si fluidement que cela s'approchait d'une drone . Avec leurs nouvelles compositions, Verlaak et Broekman ont trouvé un langage tonal qui, comme il s'est avéré, se sent très à l'aise via des saxophones et une guitare électrique dans une formation non-classique.
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Que les auditeurs doivent adopter un double rôle de spectateurs pour beaucoup de nouvelles musiques est apparu dans la composition Non sono Dei quelli fatti con le mani pour six voix et six musiciens du duo italien Mauro Lanza et Claudio Panariello. Il y avait beaucoup à voir lors de l'exécution par Spectra Ensemble et HYOID Voices. Après un long tissage d'ouverture de drones, les vocalistes se montrent polyvalents, en sifflant avec des goulots, en jouant de la flûte à bec et en utilisant des harmonica à bouche. Le titre (« Ceux qui sont faits de mains ne sont pas des dieux ») fait référence à des œuvres d'art créées par l'intelligence artificielle – donc pas par les mains humaines. Cette composition a utilisé des passages d'une des messes emblématiques de Guillaume Dufay (1397-1474), dont dix versions différentes ont été utilisées pour créer des algorithmes qui ont produit du nouveau matériel. Tout cela a conduit à une histoire vocale et musicale solidement construite, sous laquelle était tissé un tapis virtuosement noué d'art basé sur l'IA.
Disiecta Membra (« membres dispersés ») de Mauro Lanza pour six voix, fait référence par des citations au catalogue des membres dans les sept cantates de Dietrich Buxtehude (1637-1705) mais est maintenant mis en rapport avec une parodie sur l'abattage d'un porc. Ici aussi, les vocalistes ont régulièrement débordé des lignes : un tissage de voyelles a été alterné avec des coups de harmonica à bouche ou avec des cris d'un jouet en plastique en forme de cochon. Des petites mélodies sifflées ont déplacé le spectateur vers la routine de l'abattoir. Les amples et élégants gestes des bras du chef d'orchestre Filip Rathé et la manière expressive dont les chanteurs ont tourné les pages de leurs partitions ont complété le spectacle.
OÙ: Transit – esprit ouvert, oreilles ouvertes
OÙ: STUK, Louvain
VU: 20-22 octobre 2023
