Über Oper, Klang und eine besondere Geschichte

Die Oper Dialogues des Carmelites von F. Poulenc, inszeniert von De Munt Ende 2017, erhält von Klassiek Centraal das Goldenes Label Oper (siehe die Rezension von Veerle Deknopper) für die Saison 2017/18. Die Sopranistin Mireille Capelle, die im Dezember die Rolle der Mère Jeanne de l'Enfant in dieser Munt-Produktion unter der musikalischen Leitung von Alain Altinoglu in einer Regie von Olivier Py verkörperte.

Im Rahmen des Festivals Passages, organisiert vom renommierten Goeyvaerts Trio, interviewe ich einen oder mehrere Sänger oder Musiker. Diesmal ist es Mireille Capelle. Für Passages V brachte die Diva zusammen mit Sopranistin Esther Elisabeth Rispens eine überraschende und funkelnde eigene Kreation[1]. Der folgende Text konnte man bereits im dicken illustrierten Programmheft des Festivals lesen – zumindest wenn man dabei war.

Dieser Samstag in Antwerpen

Die Sopranistin wechselt zwischen Französisch und Niederländisch, das gibt ihren Geschichten eine besondere Färbung. Ich hole sie bei ihrem Haus in Antwerpen ab. Eigentlich hätte sie mich gerne ins Studio des HERMES-Ensembles in Wijnegem mitgenommen, aber sie schnappte sich die falschen Schlüssel in Brüssel. Sie übernachtet dort anlässlich der Munt-Produktion Dialogues des Carmelites von Francis Poulenc (1899-1963) und Georges Bernanos (1888–1948). Die Bistro um die Ecke ist zum Bersten voll. Mireille schlägt vor, trotzdem nach Wijnegem zu fahren wegen der Lage und der Bäckerei. Im Auto unterhalten wir uns wie alte Freunde, obwohl wir uns gerade eben kennengelernt haben. In Wijnegem lassen wir uns an dem langen Tisch in der Gaststube der französischen Bäckerei nieder. Wir bekommen Kaffee, Tee und frische Croissants, wie man sie selten in Belgien findet. Mireille Capelle erzählt mir die Geschichte des Brotes und seines Pariser Bäckers, der hier letztes Jahr eine Filiale eröffnete. In der Bäckerei herrscht reger Betrieb. Ich lege mein Handy zwischen uns hin. Als ich es mir jetzt wieder anhöre, wird mir bewusst, dass ich ein Gespräch aufgenommen habe, kein Interview.

Les Carmelites[2]

Am Abend zuvor genoss ich die Munt-Produktion, in der sie sang. Mireille fragt nach. So erzähle ich ihr von den zwei Dingen, die mir aufgefallen sind: die Zerbrechlichkeit von Blanche und die Relativität der »Freiheit«.

Die von Natur aus ängstliche Blanche de la Force tritt zu Beginn der Französischen Revolution in den Orden der Karmeliterinnen ein. Obwohl die strenge Klosterregel ihr ein Gefühl von Sicherheit bietet, bleiben ihre existenziellen Ängste auch innerhalb des Klosters bestehen, besonders nachdem sie das schwere Todeskampf der Priorin miterlebt hat. Als die Klosterorden während der Revolution aufgelöst wird, schwören die Schwestern, dass sie den Märtyrertod für ihren Glauben sterben wollen. Im Tumult flieht Blanche nach Hause, aber ihr Vater ist inzwischen als Opfer des Terrors auf der Guillotine gestorben. Als sie erfährt, dass ihre Mitschwestern zum Tode verurteilt wurden, überwindet Blanche ihre Todesangst: im
Moment ihrer Hinrichtung tritt sie freiwillig aus der Menge hervor, schließt sich ihren Schwestern an und betritt als Letzte das Schafott. (De Munt)

Die Munt-Produktion hält uns einen Spiegel vor. Liberté, auf eine der Wände gekalkt, erhält eine eigene Bedeutung. Es wird mit einem ausgelöschten »t« zu »Liberé« (en dieu). Tatsächlich tun wir im Namen unserer Freiheit und unserer Rechte seltsame Dinge. In Poulencs Oper sterben nahezu alle. Der Marquis de la Force (libre en soi), die Karmeliterinnen (liberté en dieu), der Bruder und der auf der Flucht befindliche Priester (libre en fuite) und die Novizin Blanche de la Force befreit sich von ihren Ängsten und stirbt aus Liebe zu Gott. Schließlich – wie uns die Geschichte lehrt – starb einige Zeit später die Revolution selbst. Freiheit ist nichts anderes als die freie Wahl, sich zu binden.

Sich an einen anderen zu binden (einen Menschen oder eine gute Sache) als Befreiung – das leuchtete durch die Regie auf. Auch das Bild von Blanches psychischer Verletzlichkeit fiel auf. Heute würde sie sich wahrscheinlich selbst verletzen oder hungern. Besorgte Eltern würden sie zu einem Psychologen bringen, um sie hoffentlich zu heilen oder zumindest ihrem Verhalten einen Namen zu geben. Vielleicht bringt heute die Psychiatrie Linderung. Klöster verloren ihre Magie, genau wie so viele Sinngebungen. De Munt setzte ein ziemlich genaues Bild der verletzlichen Blanche in Szene, ohne das Voyeuristische von heutigen Reality-TV-Shows.

Mireille weist mich auf das Risiko hin, dass Patricia Petibon übernahm bei der Interpretation der Rolle von Blanche: Sie wählte jenseits der klassischen 19^eten Jahrhundert Bravour und öffentlicher Erwartung, um die Fragilität der Figur auch mit ihrer Stimme zu gestalten. Die stilisierte Schönheit der Produktion im Gegensatz zu dem menschlichen Streben nach Freiheit und dem Schmerz des Mädchens schmeckte bittersüß. Bravo!

Über Oper, die Münz und deren Direktor

Wenn du in die Haut einer Figur schlüpfst und eine Situation mit anderen teilst, bekommst du eine Mischung zwischen dem wirklichen Leben und der Welt des Theaters. Die dargestellte Blanche, gerade eben, mit dem Gefühl und der Einsicht von Poulenc und Bernanos. Es ist, als würdest du das echte Leben betreten, aber es passiert im Theater.

Die Leitung des Hauses ist sehr wichtig. Peter de Caluwe braucht eine tiefe, 'profunde' Interpretation. Vielleicht empfinden manche Zuschauer den Stil des Regisseurs als extrem oder provokativ. Peter de Caluwe sucht nach dem Wesentlichen: Was erzählen wir und wie erzählen wir es? Er möchte, dass die Menschen die Musik, die Schönheit und das ganze Geschehen einer Oper genießen. Außerdem lässt er das Publikum mit einer Frage nach Hause gehen, mit einer Untersuchung von etwas. Dann kannst du immer noch sagen, ob dir das gefällt oder nicht. Das gibt der Oper mehr Niveau, etwas mehr als nur 'schön'.

Wenn wir uns treffen, beim ersten Durchlesen eines Librettos, lädt er alle ein: den Regisseur, den Generalmusikdirektor, die Sängerin, aber auch die Techniker, die Kostümbildner. Du weißt, dass wir zusammen auf etwas hinarbeiten. Das schafft gegenseitigen Respekt.

Für jeden Sänger ist die erste Begegnung immer ein wenig spannend. Du weißt nicht, was die Kollegen fühlen oder von dir denken. Hast du eine große Rolle, dann hast du eine große Verantwortung. Hast du eine kleine Rolle, dann denkst du an den Platz, den du hier einnehmen kannst. Die kleinen Rollen unterstützen die Progression, den Aufbau des Stücks. Eigentlich sind wir alle unsicher, aber wir lachen und tun groß: "Hallo! Wie geht es? Ach, ich komme aus Rom..." [Mireille spielt ein fröhliches Treffen nach]

Peter de Caluwe kommt herein und mit einem Wort sorgt er dafür, dass wir unsere Egos beiseite legen. "Ich bin so glücklich, dass ihr alle hier zusammen seid. Wir versuchen zusammen, eine Lesung von Poulenc zu machen."

Er hat für jeden Sänger ein schönes Wort zur Einführung: "Mireille kenne ich aus Amsterdam. Dort hat sie auch Poulenc gesungen". Von jedem kennt er so eine Geschichte. Es bringt uns zusammen, c'est extraordinaire!

Er kennt diese Welt schon von der Zeit, als er junger Assistent von Gérard Mortier war. Er hat Ruhe und kennt sein Handwerk. Er verfolgt sein Ziel, bleibt aber spontan und lustig. Ich habe einmal mit ihm Offenbach gesungen.

Wie dem auch sei: In der Oper sitzt eine Seele, die du anderswo nicht findest. Jeder überwindet sich selbst: der Komponist, der Librettist, die Leitung, die Ausführenden. Ich denke, dass du das auch als Hörer erfährst.

Von Monteverdi bis Strauss

Musik erlebst du; es ist ein anderes Verstehen. Eines meiner Enkelkinder, fünf Jahre alt, verändert sich, wenn es klassische Musik oder Gesang hört: es sitzt anders. Es hört zu, als würde ihm jemand etwas erzählen. Es versteht den Text nicht, aber es fühlt das. Unglaublich, nicht wahr.

Viele Musik ist nicht mehr als schön, aber dann fehlt die Essenz. Dann ziehe ich die Rauhheit und Ehrlichkeit von Metal oder Punk vor. Das ist auch eine Form zeitgenössischer Kunst mit Ausdruck und Gefühl – äußerst interessant. Es lohnt sich! Heavy Metal ist oft rhythmisch sehr interessant. Und was für eine Energie! Ich bin mir sicher, dass Mozart in unserer Zeit auch damit gespielt hätte. Der heftige Ausdruck scheint mir auch ein Teil dessen zu sein, wer wir manchmal sind. Denk nur an Wut oder Ohnmacht.

Im Laufe der Jahre habe ich mich entwickelt. Barockmusik habe ich über Jos von Immerseelentdeckt. Er war mein Mentor und Monteverdi mein Idol. Ich sang Lamenti und reiste damit um die Welt.

Danach erweiterte sich mein Repertoire. Ich sang viel romantische Musik: Kundry aus Wagners Parsifal und Salome aus der gleichnamigen Oper von Richard Strauss. Es sind stückweise Figuren, die 'reißen': Rollen, die dich auch als Sänger emotional dehnen; eine fantastische Welt fand ich das.

Dazwischen interpretierte ich die Klassiker mit u.a. Mozart. Normalerweise gestaltete ich die komischeren Figuren. Das war lustig, aber nach einer Weile merkte ich, dass diese Ästhetik Einschränkungen auferlegt. Es ist entweder Barock oder Romantik. Du musst innerhalb einer bestimmten Technik singen und deine Stimme auf diese Weise nutzen. Als Sänger musst du damit gehorsam umgehen, obwohl du darin mit dem Ausdruck frei färben kannst. Das Vibrato bei Mozart resoniert anders als bei Monteverdi. In der Romantik hingegen öffnest du alles und lässt dich in der Klangqualität gehen. Du schließt sozusagen dein Gehirn ab, um den Klang in deinem Körper resonieren zu lassen, als reine Emotion.

Begegnung mit zeitgenössischer Musik

Nach 30 Jahren fragte ich mich, wie ich klinge und wie Klang zusammenhängt. Ich erinnere mich an die Begegnung mit John Cage (1912-1992). Er sagte mir, dass ich gut zu dem passte, was er erforschte und empfand. Er wollte weg von der Musik, die in ein ‚Korsett' der Notation gezwängt wurde. Er wollte denen, die die Komposition interpretieren, Verantwortung geben. Also komponierte er ein Minimum, damit der Ausführende etwas damit tun kann, das für ihn oder sie Sinn macht: Das ist meine Idee in deiner Version. Höre auf das, was zwischen den Noten klingt.

Ich begann, Musik aus der ganzen Welt zu hören. Wie singen die Indianer? Wie klingt ein persisches Lied? So traf ich Komponisten aus unserer westlichen Tradition, die ebenfalls über diese Tradition hinaus horchten. Einer der wichtigsten war der kürzlich verstorbene Klaus Huber (1924 - 2. Oktober 2017). Ihm verdanke ich viel. Er hat mich viel gelehrt.

"Mireille", so begann er, "Wenn du vom ‚Korsett' der klassischen Musik, wie wir sie in unserer Zeit und Sprache verstehen, ausgehen willst, musst du verstehen, dass der Tonabstand, zum Beispiel zwischen do und re, nur ein Konzept ist." "Wenn du arabische Musik hörst, dann hörst du, dass der Ton [Mireille singt, während ihre Stimme nach unten gleitet] aus tausenden kleinen Verschiebungen besteht. Das hören wir nicht, Mireille", erklärte er, "weil wir das nicht erkennen können. Aber sie, die Menschen aus der arabischen Tradition, hören das. Genau wie wir do und re erkennen. Sie hören also, wenn ein Halb- oder Vierteltön zu hoch oder zu tief gesungen wird. Für uns klingt das ungewöhnlich oder sogar falsch. Das musst du lernen." Als ich stundenlang mit ihm arbeitete, war er bereits ein alter Mann. Aber welch eine Vision! Er schrieb Musik mit zwei Kommas über den Halbtönen auf; ein Vierteltön wurde ein Vierteltön plus 1 oder ein Halbtön plus 1, plus 2, plus 3... Und ich musste das singen... So eine Partitur zu lesen und zu interpretieren war harte Arbeit. Ich verlor mich darin. Ich spürte die Abstände zwischen den Tönen, den Ausdruck und die Farbe. Das befreite mich von meiner musikalischen Erziehung. Für mich färbte sich die Welt der Stimme und Vibration nicht mehr nur westlich, sondern ‚menschlich'. Dadurch wurde ich interessiert an Klangarchitektur. Nicht nur Musik fasziniert mich, sondern auch Geräusche von Regen, eines Objekts, einer Stimme, einer Masse... nennt es auf. Wenn du horchst, rührt es dich.

Karel Goeyvaerts

(1923-1993) habe ich als junge Sängerin kennengelernt. Er war außergewöhnlich und hatte eine verstörende Vision. Goeyvaerts bat mich, in sein Zentrum zu kommen und arbeitete dann spektral – avant la lettre – mit meiner Stimme. Leider habe ich die Aufnahme nie wiedergefunden, aber sie befindet sich wahrscheinlich in der Aufnahmebibliothek.

Und jetzt treffe ich durch meine ‚Klangbesessenheit' neben Musikern auch Physiker, Ingenieure und Philosophen. Ich lese ständig und liebe Metaphysik und Zahlen. Die Ingenieure und ihre Elektronik setzen deine Idee um. Das kannst du selbst nicht. Pierre Boulez

(1925-2016) versuchte das auch nicht selbst. Ein Computer kann diesen Klang "metamorphosieren", verändern. Er kann ihn öffnen, ausziehen oder die Schwingungen visualisieren und mir hören und sehen lassen, was darin steckt. Der Computer lässt mich alles hören, was meine zweidimensionalen Ohren nicht wahrnehmen können. Meine neue CD ist so eine Zusammenarbeit, bei der das Endergebnis von uns allen ist. Durch das gemeinsame Suchen mit Musikern aus verschiedenen Traditionen und Ingenieuren entsteht eine neue Klangwelt. Diese Musikform ist derzeit noch embryonal, aber ich bin sicher, dass in 50 Jahren jeder diese Sprache verstehen wird. Das geht noch weiter als meine erste Befreiung.

Viele Jahre später, beim französischen Bäcker, dachte Sopranistin Mireille Capelle an diesen längst vergangenen Nachmittag, als ihr Vater sie mitnahm, um die Note kennenzulernen.[3] Bevor ich schreiben konnte, hatte ich bereits gelernt, Musik zu lesen... Das ist auch eine sehr schöne Geschichte.

Ich weiß nicht, woher die Idee kam, Musik zu lernen. Als ich 5 Jahre alt war, sagte ich meinem Papa: ‚Ich möchte zur Musikschule gehen'. "Das ist zu früh", sagte Papa, "du bist noch zu jung". Ich quengelte, weil ich das unbedingt tun wollte. Er brachte mich zur Akademie, wo der Direktor zu mir sagte: "Mädchen, du bist viel zu klein. Du musst, wie du weißt, erst Notenlehre lernen, um ein Instrument zu spielen. Das ist noch zu schwer für dich. Du kannst noch nicht lesen. Erst musst du lesen lernen." Ich habe so viel geweint, dass der Direktor beschloss: "Lass sie doch kommen. Nach zwei, drei Lektionen wird sie verstehen, dass es zu schwer ist."[4]

Aber es kam anders; ich verstand die Musik. Solfège fand ich magisch. Ich konnte die Noten, die ich hörte, lernen und genoss die Abstraktion der Theorie. Später nahm mich der Direktor in sein Büro, um mir Beethoven anzuhören. Die Sinfonien gingen eine nach der anderen an mir vorbei. Ich weinte und wollte nochmal hören! Er erzählte mir, wer das war. Du weißt, damals war Beethoven DER Komponist.

Eigentlich wurde Musik für mich zur Rettung. Es wurde ein Weg, um in einer Welt, die nicht immer freundlich war, überleben zu können. Ich komme aus einer halb italienischen, halb belgischen Familie, die in Charleroi deportiert war – viele waren im Arbeitermilieu. Meine Mutter migrierte wegen des Krieges nach Belgien. Sie kam aus Venetien, zwischen Verona und Venedig. Mein Vater, ein Namurois, studierte bei den Jesuiten und sollte Priester werden. Aber vom Sozialismus gebissen, wie so viele Intellektuelle jener Zeit, kam es anders. Sein Idealismus, die beklagenswerten Bedingungen der Arbeiter zu verbessern, führte ihn nach Charleroi. Wir lebten in einem grauen Viertel neben der Metallurgie in einem Haus mit einem schönen sonnigen und farbenfrohen Garten.

Mein Großvater war ein begabter Musiker, ein Organist. Er hatte die ganze Welt bereist. Weil wir neben der Fabrik wohnten, haben wir viel miterlebt. Ich sehe noch vor mir, wie die Polizei gegen die Arbeiter anritt – all diese Pferde. Und ich erinnere mich an die Nacht, als mein Vater zur Fabrik musste, weil ein Mann seine Beine verloren hatte: in einer Maschine erfasst. Ein anderes Mal mussten wir mitten in der Nacht unsere Häuser verlassen. Man fürchtete eine Explosion in der Metallurgie. Ich erinnere mich an die Arme meiner Mutter, die mich hielt, als wir draußen warteten. Du siehst, das Besondere dieses Moments fühle ich noch. All diese italienischen Familien, die Viertel von Charleroi waren Teil meiner Familie. Auch die Unterirdischen, der Bergbau, war eine lange Tragödie.

Bei uns zu Hause stand ein Klavier und viele Gitarren. Jeden Abend verlangte mein Großvater, dass wir uns wuschen. Wir hatten keine Dusche. Wir zogen uns schön an, bevor wir zu Tisch gingen und dann: Musik. Meine Onkel spielten alle Gitarre und mein Papa Klavier. Auf diese Weise dachte unsere Familie, dass wir reich waren und dass alles gut ging. Wir würden ein schönes Leben haben. Und ich spürte das sehr, sehr, sehr stark: Ich verstand es, als wäre ich wirklich reich und schön und hätte alles. Ich durfte nach dem Essen auf dem Tisch tanzen! Ich wähnte mich als Prinzessin. Als Jugendliche bekam ich einen großen Schock. Plötzlich durchschaute ich die Situation. Wir waren arm und hatten nichts. Ich realisierte, dass jeder um mich herum viel schöner war... Naja, ich hatte dieses Gefühl.

Als ich klein war, gab es Cafés für die Italiener. Bei den anderen hing ein Schild "Italienern verboten". In jenem einen Café, an dem mein Großvater und ich immer vorbeigingen, hing ein großer Kristallleuchter. Eines Tages bat ich, hineinzugehen, aber er sagte: "Nein, nein, nein!" Ich wollte irgendwann so etwas Schönes haben. Ich erzähle dir das, weil es eine Form der Sehnsucht ist. Doch ich spürte, dass mein Reichtum viel größer war als der dieser Familie: die Wärme, die Musik, der Glaube, der große Garten mit den Hühnern darin... Die Welt der Oper ist ein wenig dieser Leuchter des verbotenen Cafés. Und in diesem Glanz setzen wir dann den Geist von Poulenc: Das ist genial. Man kann diese zwei Universen zusammenbringen: die größte Pracht, die Eleganz und die intime Zartheit eines Mädchens wie Blanche.

Bei uns zu Hause stand ein Klavier und viele Gitarren. Jeden Abend verlangte mein Großvater, dass wir uns wuschen. Wir hatten keine Dusche. Wir zogen uns schön an, bevor wir uns zum Essen setzten und dann: Musik. Meine Onkel spielten alle Gitarre und mein Vater Klavier. Auf diese Weise dachte unsere Familie, dass wir reich waren und dass alles gut lief. Wir sollten ein schönes Leben haben. Et moi, j'ai senti ça très très très fort: Ich verstand das so, als wäre ich wirklich reich und schön und hätte alles. Ich durfte nach dem Essen auf dem Tisch tanzen! Ich bildete mir ein, eine Prinzessin zu sein. Als Jugendliche bekam ich dann einen großen Schlag. Plötzlich durchschaute ich die Situation. Wir waren arm und hatten nichts. Ich realisierte, dass alle um mich herum viel schöner waren… Enfin, ich hatte dieses Gefühl.

Als ich klein war, gab es Cafés für die Italiener. Bei den anderen hing ein Schild "Eintritt für Italiener verboten". In jenem einen Café, an dem mein Großvater und ich immer vorbeigingen, hing ein riesiger Kristalllüster. Eines Tages bat ich, hineinzugehen, aber er sagte: "Nein, nein, nein!" Ich wollte irgendwann etwas so Schönes haben. Ich erzähle dir das, weil es eine Form der Sehnsucht ist. Doch ich spürte, dass mein Reichtum viel größer war als das, was die Familie mir gab: die Wärme, die Musik, der Glaube, der große Garten mit den Hühnern darin… Die Welt der Oper ist ein bisschen dieser Lüster des verbotenen Cafés. Und in diesem Glanz setzen wir dann den Geist von Poulenc: Das ist genial. Man kann diese zwei Welten zusammenbringen: die größte Pracht, die Eleganz und die intime Zartheit eines Mädchens wie Blanche.

Karriere beginnt im Konservatorium

Auch im Konservatorium spürte ich meine Arbeiterherkunft. Man akzeptierte mich, weil ich Talent hatte, aber ich musste ständig hören: "Ach, woher du kommst." "Wenn du aus so einem Milieu kommst, sind deine Chancen sehr klein. Wie sollen wir das Wesentliche aus dir herausholen? Deine Natur stört. Du wirst nie eine große Bühnenfigur oder Opernsängerin sein."

Du musst dich in die 1960er Jahre versetzen. Im Konservatorium gab es nur reiche Menschen. Du hattest keine Chance, wenn du aus Charleroi kamst, aus einem vulgären Milieu 'wie das'. "Wie sollen wir deine Vulgarität ablegen? Das wird nie funktionieren". Du kannst mir glauben!

Ich hatte auch Glück. Bei meinem ersten wichtigen Konzert im Konservatorium saß ein Kritiker im Publikum. Er schrieb darüber, wer gut war, Talent hatte oder es nie weit bringen würde. Ich sang auch mein Stück. Später las man in der Zeitung von der einen Person, die gut war oder nicht, aber... da sang jemand, der uns aus unseren Sitzen riss: Mireille Capelle. Von diesem Moment an begannen die Professoren an mich zu glauben.

Ich habe die Träume meiner Familie erfüllt. Diese italienische Arbeiterfamilie, in der einer besser sang als der andere und alle Opern auswendig konnten. Und siehst du, aus dieser Entwicklung entstand ein Bedürfnis nach Freiheit.

Wenn ich in der Oper bin wie jetzt, genießen wir es und ich liebe sie alle. Aber ich bin auch sehr glücklich, dass ich auch in dieser anderen Welt, die meine Forschung und mein Ausdruck ist, meine Sprache finde.

Es ist etwas von mir, es ist eine Idee, eine Inspiration, die sie weitergeben.

Du weißt nicht wirklich, was du einander gibst, aber du tust es.

Wie die Liebe, sage ich.

Ja! Du sagst es perfekt; genau das ist es.

Postskriptum

Herbst und Winter wechseln unterdessen zu einem frühen, warmen Sommer. Die Verleihung der Goldenen Plaketten findet in Kürze in Geel statt. Hoffentlich erhält die Opernproduktion Dialogues des Carmelites das verdiente Plakette und entsprechend einen Rückblick.

Hoffentlich denkt man an die Geschichte und die Art, wie sie erzählt, interpretiert wurde. Festgelegt auf unsere eigene Freiheit vergessen wir manchmal, woran wir uns so gerne binden...

Mireille, danke für das Interview und deine schöne spontane Darbietung auf Passages.

"Der Klang wird sich wie eine Lotusblüte entfalten...", sagte sie noch, als ich dich fragte, was du zeigen würdest. Der (Wieder-)Klang deiner Geschichte und die Münzproduktion auch.

Siehst du...

• WER: Mireille Capelle; De Munt; Passages V Festival organisiert von Goeyvaerts Strijktrio und CC Sint-Niklaas
• WAS: Interview
• WO: Wijnegem, Brüssel De Munt, Sint-Niklaas STIMME
• WANN: Interview 16. Dezember 2017; Dialogues des Carmelites Dezember 2018; Passages V 18. Februar 2018

[1] Vorjahre: Tenor Guy de Mey (2017, zu lesen auf Klassiek Centraal), Saxophonist Robin Verheyen (2017), Mezzosopranistin Euredike De Beul (2016), Countertenor Leandro Marziotte (2015) und Pianist Thomas Nobels (2015).

[2]DIALOGUES DER KARMELITINNEN von Francis Poulenc, Oper in 3 Akten und 12 Bildern, Text von Georges Bernanos, nach einer Novelle von Gertrude von le Fort; Szenario von Philippe Agostini und RP Brückberger.

Diese Produktion der Munt stand unter der musikalischen Leitung von Alain Altinoglu in einer Regie von Olivier Py, mit Patricia Petibon als Blanche de la Force; Guy De Mey als L'Aumônier und Mireille Capelle als Mère Jeanne de l'Enfant Jésus.

Aus dem Pressedossier: Die Mezzosopranistin Mireille Capelle hat bereits zahllose Rollen in der Munt gesungen. Von ihrem Debüt als Clorinda (La Cenerentola) über ihre Interpretation der Rychtarcka (Jenůfa) bis zu ihrem jüngsten Auftritt als Pani Páskova in Fuchs, du Hast die Gans gestohlen!: Mireille Capelle verleiht jedem ihrer Charaktere eine unverkennbare Authentizität, die auch ihrer Interpretation der Mère Jeanne de l'Enfant passt.

[3]Mireille Capelle with HERMESensemble – DO'UN صوت; AudioMER. – audioMER.019.CD; 2017

[4]Nach dem Eröffnungssatz aus Hundert Jahre Einsamkeit (1967) von Gabriel García Márquez.