Le dimanche 15 novembre, le Requiem du compositeur et chef d'orchestre Lucas Van Vlierberghe sera créé – une œuvre qui constitue non seulement l'aboutissement d'une longue quête artistique, mais qui revêt également une signification profondément personnelle. Klassiek Centraal s'est entretenu avec Van Vlierberghe sur sa formation musicale, l'interaction entre composition et direction, et le chemin qui a mené à cette nouvelle œuvre pour chœur et cordes.
Du violoncelle à la composition
Le parcours musical de Van Vlierberghe ne commence pas devant un pupitre, mais avec le violoncelle, qu'il pratiquait à la Kunsthumaniora d'Anvers. Il ne tarda cependant pas à se révéler que sa véritable fascination résidait dans la création musicale elle-même. Cette impulsion l'amena au Conservatoire royal d'Anvers, où il étudia la composition avec Wim Henderickx et Bram Van Camp, complétée par des cours de Luc Van Hove et Alain Craens.
Une période décisive de son développement fut son master à l'Académie estonienne de musique et de théâtre de Tallinn, où il étudia la composition avec Helena Tulve et Tõnu Kõrvits, et la direction de chœur avec Hirvo Surva. La culture musicale estonienne, avec son lien naturel entre nature, silence et spiritualité, a laissé une empreinte durable sur sa manière d'écouter et de composer. Le chant dans le chœur de l'académie sous la direction de Tõnu Kaljuste, ainsi que des master classes auprès de compositeurs tels que Pēteris Vasks, Thomas Adès et Toshio Hosokawa, ont enrichi sa vision musicale.
Aujourd'hui, Van Vlierberghe se considère avant tout comme compositeur. « C'est là que se situe mon identité artistique et que naissent mes idées musicales », explique-t-il. Il perçoit la direction d'orchestre et la constitution d'ensembles comme un prolongement naturel de cette activité – une façon de vivre la musique, qu'il s'agisse de celle d'autres compositeurs ou de la sienne, de l'intérieur.
Ex Cathedra et l'Antwerp String Ensemble
Cette relation entre composition et direction prend forme concrète à travers deux ensembles qui tiennent particulièrement à cœur à Van Vlierberghe : le Kamerkoor Ex Cathedra Antwerpen et l'Antwerp String Ensemble. Pour lui, ces deux formations sont bien plus que des plateformes d'interprétation ; ce sont des projets artistiques dans lesquels il peut développer une vision musicale personnelle.
Ex Cathedra, né d'une passion partagée d'anciens membres du chœur de la cathédrale d'Anvers, se consacre à une sonorité chorale raffinée et à un répertoire où la spiritualité, l'expression du texte et la profondeur musicale occupent une place centrale. L'Antwerp String Ensemble est quant à lui né du désir de réunir de jeunes musiciens à un haut niveau artistique, tout en offrant à Van Vlierberghe l'espace nécessaire pour faire interpréter ses propres compositions.
Pour la création du Requiem, les deux ensembles se complètent parfaitement : l'œuvre a en effet été écrite précisément pour cette combinaison de chœur et de cordes. « Cela ressemble à l'aboutissement naturel du chemin que nous avons parcouru ensemble ces dernières années », affirme Van Vlierberghe.
Compositeur et chef d'orchestre : deux facettes d'une même médaille
L'expérience de Van Vlierberghe en tant que chanteur, chef de chœur et compositeur forme un ensemble cohérent : chaque rôle influence les autres. Ses années au sein du chœur de la cathédrale d'Anvers, d'abord comme chanteur puis comme assistant-chef, lui ont appris l'importance d'une méthode de répétition claire, d'une attention au texte et d'une construction sonore réfléchie.
En tant que compositeur, il se sent profondément proche d'Arvo Pärt, Pēteris Vasks, John Tavener et Henryk Górecki – des compositeurs dont la musique montre comment la simplicité, le silence et la couleur sonore peuvent souvent dire davantage que la complexité technique. Par ailleurs, les musiciens et enseignants avec lesquels il a collaboré au fil des années ont également joué un rôle important dans sa formation musicale : ils lui ont appris à écouter avec esprit critique et à rester fidèle à ses propres convictions artistiques.
Cette affinité et ces collaborations formatrices colorent aussi sa manière de diriger : « Selon moi, un chef d'orchestre doit servir de pont entre l'intention du compositeur et l'expérience des interprètes et du public. » Pour lui, composition et direction se nourrissent constamment l'une l'autre.
Un langage musical de simplicité et de recueillement
La musique de Van Vlierberghe ne part généralement pas d'une mélodie, mais d'une atmosphère ou d'une émotion. Il travaille de manière assez intuitive : l'idée initiale détermine souvent elle-même la direction dans laquelle l'œuvre se déploie, plutôt que tout être fixé à l'avance. Il croit qu'une œuvre doit conserver une certaine évidence. L'expérimentation et le remaniement en font naturellement partie : il supprime régulièrement des passages ou les réécrit lorsqu'ils ne contribuent pas à l'ensemble – non pas pour chercher sans cesse du nouveau, mais pour faire parler la musique de la manière la plus claire et convaincante possible.
Il décrit son langage musical comme modal ou tonal, avec au cœur la couleur sonore, le recueillement et un souffle musical naturel – non pas une complexité pour elle-même, mais une musique qui peut toucher directement.
Cette esthétique s'est surtout cristallisée pendant ses années d'études à Tallinn, où il a découvert que la simplicité et le silence peuvent porter une grande force expressive. « Auparavant, je cherchais bien davantage la complexité », admet-il, « mais aujourd'hui je crois que la musique touche le plus souvent lorsqu'elle parvient à exprimer quelque chose d'essentiel avec des moyens relativement simples. »
Pendant le processus de composition, Van Vlierberghe garde toujours l'auditeur à l'esprit. Il espère créer un espace musical dans lequel chacun puisse trouver sa propre expérience – apaisement, réflexion, émotion. Son parcours de musicien interprète l'y aide : parce qu'il sait comment les chanteurs et les instrumentistes respirent et phrasent, il écrit une musique qui semble naturelle à interpréter.
Le chemin vers le Requiem
Le thème de la mort fascine Van Vlierberghe depuis longtemps, non pas dans une perspective morbide, mais à travers des questions sur la fragilité de la vie, le souvenir, la consolation et l'espérance. Il nourrissait depuis longtemps le projet d'écrire un jour un requiem. Le décès de son grand-père, puis plus tard celui de sa grand-mère, l'ont finalement décidé à reprendre des esquisses antérieures et à achever l'œuvre – si bien que le Requiem a aussi acquis une signification personnelle.
Dès le début, il a envisagé cette composition pour chœur et cordes. Une masterclass avec Pēteris Vasks, qui aborde le chœur et les cordes non comme des pôles opposés mais comme un ensemble unique et vivant, lui a laissé une impression durable. Dans le Requiem de Van Vlierberghe, les cordes évoluent donc souvent colla parte avec les lignes vocales : elles n'accompagnent pas le chœur, mais prolongent et approfondissent le son vocal. Cette unité organique a déterminé à la fois l'effectif, la forme et la durée de l'œuvre. « Je ne voulais pas écrire un requiem grandiose ou monumental, précise-t-il, mais une méditation musicale apaisée dans laquelle chaque note occupe une place significative. »
Au sein de la riche tradition du requiem, c'est surtout le Requiem de Maurice Duruflé qui constitue une source d'inspiration durable, par la manière naturelle dont le grégorien et un langage harmonique personnel s'y fondent. Vasks et Tavener ont également influencé sa conception de la musique sacrée, non comme modèles stylistiques à suivre, mais comme preuves que la simplicité, la couleur sonore et le silence peuvent porter une grande force émotionnelle.
Van Vlierberghe situe le cœur de l'œuvre non pas dans un moment précis de la partition, mais dans l'atmosphère qui la traverse : un espace musical où l'adieu, le souvenir et l'espoir peuvent coexister. « Si, à la fin, les auditeurs ont le sentiment d'avoir vécu un voyage intérieur, dit-il, alors le Requiem aura atteint ce que je voulais exprimer. »
Un voyage musical continu
Pour le programme du concert autour de la création, Van Vlierberghe a délibérément choisi des œuvres de John Tavener – Funeral Canticle, Mother of God, Here I Stand, Funeral Ikos et Song for Athene – qui partagent la même sérénité et la même spiritualité que son propre langage. L'Adagio for Strings de Samuel Barber ouvre le concert comme une réflexion universelle sur la perte et le souvenir. Ensemble, ces œuvres ne forment pas un programme juxtaposé au hasard, mais un seul voyage musical continu, qui place le Requiem dans une tradition plus large de la musique sacrée contemporaine.
En tant que compositeur, on écrit les notes, mais selon Van Vlierberghe, ce n'est qu'au cours des répétitions qu'une partition prend véritablement vie. Les musiciens apportent alors leur propre personnalité, leur sonorité et leur interprétation, ce qui colore l'œuvre de manières qui n'étaient pas encore visibles au moment de l'écriture. « C'est précisément cette interaction qui rend une création si particulière, déclare Van Vlierberghe : à ce moment-là, la partition devient réellement de la musique pour la première fois. »
Au-delà de la création
Lorsque le Requiem résonnera pour la première fois le 15 novembre, cela marquera pour Van Vlierberghe un tournant : l'œuvre cessera d'être uniquement la sienne. « Tant que je travaille dessus, c'est ma musique. Mais dès que la première note retentit, elle appartient aussi aux musiciens qui l'interprètent et aux auditeurs qui y trouvent leur propre signification. » Cette expérience partagée est, en fin de compte, ce qui donne tout son sens à la musique.
Pour les futures exécutions, par d'autres chefs et d'autres ensembles, Van Vlierberghe reste ouvert à de nouvelles interprétations. Tant que l'essence de l'œuvre demeure, il trouve passionnant que d'autres mettent l'accent sur des aspects différents ou découvrent des nuances auxquelles il n'avait pas pensé – une composition reste ainsi vivante.
Avec le Requiem comme récent sommet, Van Vlierberghe se tourne déjà vers l'avenir. Dans les années à venir, il souhaite continuer à développer son propre langage musical, avec une attirance particulière pour les grandes formes vocales et orchestrales. De nouvelles œuvres pour chœur et orchestre, ainsi que d'autres compositions concertantes et symphoniques, figurent sur sa liste de projets – toujours avec la même ambition : que chaque nouvelle œuvre ait quelque chose d'essentiel à dire et réponde à une nécessité artistique propre.
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