Guitare et piano : c'est une combinaison que tu ne rencontres pas quotidiennement en salle de concert, et pour laquelle il n'existe d'ailleurs aujourd'hui encore qu'un répertoire limité. Le On The Edge Duo, formé par le guitariste Francesco Di Giandomenico et le pianiste Fabio Afrune, choisit en outre de jouer exclusivement de la musique de compositeurs encore vivants dans cette formation. Leur cd On the Edge devient ainsi non seulement une découverte d'un duo extraordinaire, mais aussi de compositeurs qui, chacun à leur manière, explorent les possibilités de la guitare et du piano. À l'occasion de la sortie du cd, nous avons parlé avec Francesco Di Giandomenico de la création de l'album, des collaborations avec les compositeurs et de l'histoire personnelle derrière le titre.
Deux instruments, un son
L'enregistrement sonne clair et transparent, avec un bon équilibre entre les deux instruments. Cet équilibre est aussi perceptible dans le jeu musical lui-même. Aucun des deux musiciens ne se place clairement au premier plan. Ils se laissent mutuellement leurs moments, mais se complètent aussi. Ainsi, il n'y a pas une relation entre soliste et accompagnateur, mais un vrai dialogue dans lequel les deux instruments se confrontent parfois et se mêlent presque imperceptiblement à d'autres moments.
Di Giandomenico et Afrune confirment que ce principe a été délibérément choisi : « Pour nous, l'équilibre commence par une idée de son : le duo a sa propre identité reconnaissable. La fusion des timbres des deux instruments crée quelque chose de nouveau, plutôt que de simplement juxtaposer guitare et piano. » Cette idée guide selon lui tout, du travail de sa propre partie à l'analyse de la partition et à la répétition ensemble : « Chacun de nous est conscient que son instrument fait partie d'un ensemble plus large avec lequel il interagit continuellement. »
Ce qui rend les deux instruments si attrayants pour le duo, c'est justement leur différence : « Nous sommes fascinés par la façon dont les deux instruments sont différents, et par la possibilité d'explorer des équilibres sonores inconnus. Ce qui semble à première vue une difficulté peut devenir une occasion de découvrir une nouvelle perspective. » Il donne comme exemple l'asymétrie acoustique : le piano a une large plage dynamique et beaucoup de projection, tandis que la guitare sonne naturellement plus retenue : « En pesant soigneusement le poids et l'intensité des deux instruments l'un contre l'autre, nous pouvons atteindre une plage dynamique considérablement plus large que ce que chaque instrument pourrait offrir seul. Il en va de même pour le timbre, l'articulation, la résonance et l'utilisation des registres. »
Un miroir du monde
Le choix du répertoire n'est pas arbitraire : le duo s'en est inspiré dans sa compilation par la pensée de Schopenhauer selon laquelle la musique peut en quelque sorte refléter le monde. Di Giandomenico voit dans ce cd une image de l'époque dans laquelle nous vivons : fragmentée et contradictoire, mais avec des connexions inattendues entre ce qui semble à première vue très éloigné. Le duo a donc délibérément cherché non pas une unité stylistique, mais un programme dans lequel différents langages musicaux peuvent se compléter et dans lequel les contrastes eux-mêmes prennent sens.
Avec Snippers d'Annette Kruisbrink, le ton est donné immédiatement. La musique ne commence pas prudemment : elle est agressive et énergique. De courtes idées musicales volent d'avant en arrière entre piano et guitare, les deux instruments se défiant continuellement. C'est une ouverture qui t'immerge immédiatement dans l'histoire de ce cd.
Di Giandomenico a connu Kruisbrink il y a quelques années au Nordhorn Guitar Festival en Allemagne : « C'est une compositrice remarquablement productive dont la musique a une qualité magnétique : elle entraîne l'auditeur et le guide à travers un territoire complexe et inattendu. C'est surtout perceptible dans Snippers. Le morceau semble se déployer en images cinématographiques qui se succèdent, parfois se chevauchent, parfois s'élargissent, créant ainsi une atmosphère à la fois rêveuse et dystopique. » Le duo a choisi délibérément le morceau comme ouverture parce que selon Di Giandomenico il « capture quelque chose d'essentiel de l'album », « avec ses contrastes et ses connexions inattendues ».
Comment Di Giandomenico et Afrune parviennent-ils à réaliser ces changements de caractère éclair ? « Lors du travail individuel et des répétitions, nous travaillons à un sentiment partagé de respiration. Cela prend du temps : cela ne provient pas seulement de notre sensibilité musicale, mais aussi de l'écoute de la façon dont un son naît et résonne sur chaque instrument. » Cette respiration partagée, raconte-t-il, est exactement ce qui les guide à travers les changements soudains dans Snippers, sans que la continuité du morceau ne soit perdue.
Ce qui est particulièrement frappant, c'est que cette curiosité ne s'estompe pas. Au contraire : de Snippers à la dernière note, tu continues d'écouter, ce qui n'est pas évident pour un récital exclusivement de musique contemporaine. La composition compacte de Kruisbrink fait exactement ce qu'une bonne ouverture doit faire : elle éveille la curiosité sur ce qui suit.
Commandes sur mesure
William Bland choisit dans Kindred Spirits deux caractères très différents. Dragon est rythmiquement vital et coloré, avec une forte énergie motrice, tandis que Pastorale offre une expérience presque opposée : le mouvement devient plus calme et la musique acquiert un caractère plus méditatif et lyrique. Le contraste fonctionne bien et montre à quel point les deux instruments peuvent être utilisés de manière flexible.
Ce contraste est en partie le résultat d'un dialogue intensif entre le compositeur et les interprètes : « William Bland et moi avons discuté longuement, en particulier sur Dragon, alors que nous cherchions le son violent et sauvage qu'il avait en tête. C'était un échange extrêmement stimulant et le début d'une relation artistique qui perdure jusqu'à nos jours. » Cette collaboration a en outre incité le duo à approfondir les six sonates pour guitare et piano de Bland, dédiées à David Starobin : un répertoire encore partiellement inédit dans lequel la musique atteint une telle intensité, beauté et profondeur que le cycle complet peut être considéré comme un chef-d'œuvre absolu et un tournant dans le répertoire pour cette formation.
Six danses de Transylvanie d'Adrian Andrei apporte également une atmosphère nouvelle. Les six courtes pièces partent de la tradition musicale de Transylvanie, mais reçoivent un univers sonore résolument contemporain. La musique change continuellement de ton, et les deux musiciens donnent forme de manière convaincante à ces différents caractères. Les danses plus exubérantes ont quelque chose de terrestre et d'immédiat, tandis que les Rondes révèlent un caractère plus retenu. Le piano reçoit régulièrement une fonction percussive, tandis que la guitare peut chanter, chuchoter ou fournir un contrepoids rythmique.
Curieusement, cette pièce est née presque comme une forme de télépathie : « Quand nous avons approché Adrian Andrei, nous connaissions déjà plusieurs de ses compositions et espérions qu'il écrirait quelque chose de proche de l'esprit des danses de Bartók. Nous ne lui avions pas dit cela, et pourtant, après seulement quelques jours, il nous a envoyé exactement la musique que nous avions imaginée. »
La conclusion revient à Giorgio Mirto avec Introduction & Bridge of Lights. L'introduction calme et mélodieuse constitue une belle transition vers une œuvre où les qualités du duo ressortent peut-être le plus subtilement. Le piano est léger et clair, avec des nuances lumineuses subtiles, tandis que la guitare s'y articule harmonieusement. De grands effets ne sont pas nécessaires ici : la musique se déploie graduellement et acquiert de ce fait quelque chose de contemplatif.
Ici aussi, la composition a été précédée d'une conversation intime. Bridge of Lights faisait à l'origine partie du triptyque Three Sacred Pieces, mais le duo a senti que la pièce méritait une vie propre, précédée d'une introduction : « Un soir, Giorgio m'a demandé comment je me représentais cette introduction. J'ai décrit quelque chose de rêveur, transparent, flottant, éthéré et cristallin. Quand il m'a envoyé la pièce quelque temps plus tard, j'ai entendu précisément cette image transposée en musique. C'était un moment vraiment surprenant. » Après la mobilité et l'énergie rythmique de plusieurs œuvres précédentes, cela ressemble à un retour naturel à l'intimité des deux instruments.
Apaisement
Avec Intermezzi de Steve Goss, de l'espace pour l'apaisement s'ouvre alors. Ces six courtes pièces forment un cycle subtil dans lequel le son, la résonance et la relation entre le mouvement et le silence sont au cœur. En particulier Serenade et Lament séduisent par leur intimité et leur qualité lyrique. Ballad semble justement briser cet apaisement : la pièce sonne plus rugueuse et plus terrestre et vous remet un instant, en tant qu'auditeur, les deux pieds sur terre. Ces contrastes donnent au cycle une belle tension.
Goss puise pour ce cycle dans les lieder de Schubert, en extrayant des fragments ou des atmosphères qu'il développe ensuite, selon ses propres termes, « de manières inattendues ». Pour le duo, cela demande une façon de jouer sobre, parfois presque évanescente, où chaque élément doit recevoir son plein poids : « Nous travaillons avec des décalages subtils du timing et avec les moyens expressifs des deux instruments – timbre, résonance et legato – pour mettre en avant les différents caractères. » S'il faut en désigner une partie, Di Giandomenico et Afrune choisissent justement Ballad : « Avec très peu de notes, Goss crée un univers sonore étendu et multicouche. Cette dualité – la simplicité comme fondement de la complexité – nous fascine énormément. »
Un titre à charge personnelle
On the Edge est le nom à la fois du duo et du disque, et selon Di Giandomenico et Afrune, ce titre porte en lui une double signification : « Le titre reflète notre conviction que différentes perspectives peuvent révéler différentes possibilités. En ce sens, une frontière a une double signification : c'est une limitation, mais c'est aussi un point de départ à partir duquel on peut imaginer de nouvelles perspectives et de nouveaux horizons. Le titre porte donc une idée de dépassement – d'aller au-delà de ce qui est déjà établi. »
Derrière l'album se cache également une histoire personnelle. Le disque est dédié à Giovanni Di Giandomenico, le père du guitariste, qui en 2025 est tombé soudainement malade et est décédé un peu plus d'un mois plus tard. Cela s'est produit précisément pendant la période où Francesco et Fabio Afrune travaillaient intensément à la révision des pièces et à la préparation de l'enregistrement : « Pour moi, la perte de mon père et la musique de cet album se sont entrelacées. » Quand Doberman Musique a proposé février comme mois de sortie – le mois où son père était né – cela a semblé presque comme une confirmation de ce lien. L'album a finalement été publié le 20 février, l'anniversaire de son père : « Quand je repense à la façon dont ces événements se sont alignés, je peux presque sentir ce que Sartre appelle 'la chaîne stricte des circonstances'. »
Ce que le duo espère que les auditeurs retiendront de l'album est finalement double : « Un sentiment de la beauté et de la fascination de la musique que nous avons eu la chance d'enregistrer, et en outre un sentiment double : la découverte de quelque chose de nouveau, grâce aux créations mondiales, et la reconnaissance de quelque chose de familier. Malgré leurs différents langages musicaux, ces œuvres sont d'une certaine manière un reflet de l'époque et de la vie que nous menons. »
À la limite du familier
Ce qui rend finalement cet enregistrement particulier, c'est qu'il ne présente pas une combinaison instrumentale inhabituelle comme une curiosité, mais comme un univers sonore à part entière. La guitare et le piano ne font pas seulement preuve de pouvoir se compléter, mais aussi d'évoquer continuellement de nouveaux rapports. Les compositeurs ont chacun leur propre voix et les œuvres une personnalité bien définie. Ce ne sont pas des épigones et ce ne sont pas non plus des compositions qui veulent être intéressantes surtout parce qu'elles sonnent délibérément étrangement ou difficiles – la diversité et la richesse sonore retiennent l'attention sans que l'album ne puisse être réduit à un style ou une esthétique unique et reconnaissable.
De l'ouverture tumultueuse avec Snippers aux moments plus apaisés chez Goss et Mirto, il y a toujours quelque chose à découvrir, sans que la cohérence du programme ne soit perdue. Ainsi, le disque réalise vraiment le miroir avec lequel cette histoire a commencé : fragmenté et varié, et précisément pour cette raison une image authentique de l'époque dans laquelle nous vivons. Que vous ayez envie de continuer à écouter d'une seule traite après Snippers, c'est peut-être le meilleur compliment que ce disque puisse recevoir.
