Gitarre und Klavier: Es ist eine Kombination, die man im Konzertsaal nicht täglich antrifft, und für die auch heute noch kein Überfluss an Repertoire existiert. Das On The Edge Duo, gebildet von Gitarrist Francesco Di Giandomenico und Pianist Fabio Afrune, entscheidet sich darüber hinaus dafür, innerhalb dieser Besetzung ausschließlich Musik von noch lebenden Komponisten zu spielen. Ihre CD On the Edge wird so nicht nur eine Einführung in ein besonderes Duo, sondern auch in Komponisten, die jeweils auf ihre eigene Weise die Möglichkeiten von Gitarre und Klavier erkunden. Anlässlich der CD sprachen wir mit Francesco Di Giandomenico über die Entstehung des Albums, die Zusammenarbeit mit den Komponisten und die persönliche Geschichte hinter dem Titel.
Zwei Instrumente, ein Klang
Die Aufnahme klingt hell und transparent, mit einem guten Gleichgewicht zwischen beiden Instrumenten. Diese Balance ist auch im Musizieren selbst hörbar. Keiner der beiden Musiker stellt sich auffällig in den Vordergrund. Sie gönnen sich gegenseitig ihre Momente, füllen sich aber auch gegenseitig aus. So entsteht keine Beziehung zwischen Solist und Begleiter, sondern ein echter Dialog, in dem die beiden Instrumente manchmal gegeneinander treten und sich in anderen Momenten fast unmerklich miteinander vermischen.
Di Giandomenico und Afrune bestätigen, dass dieser Ausgangspunkt bewusst gewählt wurde: „Für uns beginnt Balance mit einer Idee von Klang: Das Duo hat eine eigene, erkennbare Identität. Die Verschmelzung der Klangfarben der beiden Instrumente schafft etwas Neues, anstatt Gitarre und Klavier einfach nebeneinander zu stellen." Diese Idee lenkt seiner Aussage nach alles, vom Einstudieren der eigenen Stimme bis zur Analyse der Partitur und zum gemeinsamen Probieren: „Jeder von uns ist sich bewusst, dass sein Instrument Teil eines größeren Ganzen ist, mit dem es ständig interagiert."
Was die beiden Instrumente für das Duo so attraktiv macht, ist gerade ihr Unterschied: „Wir sind fasziniert von der Unterschiedlichkeit der beiden Instrumente und von der Möglichkeit, unbekannte Klangbilanzen zu erkunden. Was auf den ersten Blick wie eine Schwierigkeit wirkt, kann eine Chance werden, um eine neue Perspektive zu entdecken." Als Beispiel nennt er die akustische Asymmetrie: Das Klavier hat einen breiten Dynamikbereich und viel Projektion, während die Gitarre von Natur aus introvertierter klingt: „Durch sorgfältiges Ausbalancieren des Gewichts und der Intensität beider Instrumente können wir einen Dynamikbereich erreichen, der erheblich breiter ist als das, was jedes Instrument allein bieten könnte. Dasselbe gilt für Klangfarbe, Artikulation, Resonanz und Registergebrauch."
Ein Spiegel der Welt
Die Wahl des Repertoires ist nicht willkürlich: Das Duo ließ sich bei der Zusammenstellung von Schopenhauers Gedanke inspirieren, dass Musik in gewisser Weise die Welt widerspiegeln kann. Di Giandomenico sieht in dieser CD ein Bild der Zeit, in der wir leben: fragmentiert und widersprüchlich, aber mit unerwarteten Berührungspunkten zwischen dem, das auf den ersten Blick weit voneinander entfernt zu sein scheint. Das Duo suchte daher bewusst nicht nach stilistischer Einheit, sondern nach einem Programm, in dem verschiedene musikalische Sprachen sich ergänzen können und in dem gerade die Kontraste Bedeutung erhalten.
Mit Snippers von Annette Kruisbrink wird gleich der Ton gesetzt. Die Musik beginnt nicht vorsichtig: Sie ist aggressiv und energiegeladen. Kurze musikalische Ideen schießen hin und her zwischen Klavier und Gitarre, wobei sich beide Instrumente ständig herausfordern. Es ist eine Eröffnung, die dich sofort in die Geschichte dieser CD zieht.
Di Giandomenico lernte Kruisbrink vor einigen Jahren auf dem Nordhorn Guitar Festival in Deutschland kennen: „Sie ist eine bemerkenswert produktive Komponistin, deren Musik eine magnetische Qualität hat: Sie zieht den Hörer mit und führt ihn durch komplexe, unerwartete Bereiche. Das ist besonders in Snippers spürbar. Das Stück scheint sich in filmischen Bildern zu entfalten, die sich ablösen, manchmal überlappen, manchmal auseinandergehen, und so eine Atmosphäre schaffen, die sowohl träumerisch als auch dystopisch ist." Das Duo wählte das Stück bewusst als Eröffnung, weil es nach Di Giandomenico „etwas Wesentliches des Albums" erfasst, „mit seinen Kontrasten und unerwarteten Verbindungen".
Wie schaffen es Di Giandomenico und Afrune, diese rasanten Charakterwechsel zu bewältigen? „Während des individuellen Übens und der Proben arbeiten wir an einem gemeinsamen Atembewusstsein. Das kostet Zeit: Es wächst nicht nur aus unserer musikalischen Sensibilität, sondern auch aus dem Hören, wie ein Klang auf jedem Instrument entsteht und resoniert." Dieser gemeinsame Atem, so erzählt er, ist genau das, das sie durch die plötzlichen Umschläge in Snippers führt, ohne dass die Kontinuität des Stücks verloren geht.
Besonders auffallend ist, dass diese Neugier nicht nachlässt. Im Gegenteil: von Snippers bis zur letzten Note bleibst du am Hören dran, was bei einem Konzert ausschließlich zeitgenössischer Musik nicht selbstverständlich ist. Kruisbrinks kompaktes Werk tut genau das, was eine gute Eröffnung tun sollte: Es macht neugierig auf das, das folgt.
Maßgeschneiderte Aufträge
William Bland wählt in Kindred Spirits zwei völlig unterschiedliche Charaktere. Dragon ist rhythmisch vital und farbenreich, mit starker motorischer Energie, während Pastorale eine fast gegensätzliche Erfahrung bietet: Die Bewegung wird ruhiger und die Musik erhält einen meditativeren und lyrischeren Charakter. Der Kontrast wirkt gut und zeigt, wie flexibel beide Instrumente eingesetzt werden können.
Dieser Kontrast ist teilweise das Ergebnis eines intensiven Dialogs zwischen Komponist und Interpreten: „William Bland und ich haben ausführlich gesprochen, besonders über Dragon, während wir nach dem gewalttätigen, wilden Klang suchten, den er vor Augen hatte. Es war ein enorm anregender Austausch und der Beginn einer künstlerischen Beziehung, die bis heute andauert." Diese Zusammenarbeit führte das Duo zudem dazu, sich eingehender mit Blands sechs Sonaten für Gitarre und Klavier auseinanderzusetzen, die David Starobin gewidmet sind: ein Repertoire, das teilweise noch unveröffentlicht ist und in dem die Musik eine solche Intensität, Schönheit und Tiefe erreicht, dass der vollständige Zyklus als absolutes Meisterwerk und Meilenstein im Repertoire dieser Besetzung betrachtet werden kann.
Auch Adrian Andreis Six danses de Transylvanie bringt eine neue Atmosphäre. Die sechs kurzen Teile basieren auf der musikalischen Tradition Siebenbürgens, erhalten aber eine ausgesprochen zeitgenössische Klangwelt. Die Musik wechselt ständig die Stimmung, und beide Musiker geben diesen verschiedenen Charakteren überzeugend Form. Die ausgelasseneren Tänze haben etwas Erdiges und Unmittelbares, während die Rondes einen gedämpfteren Charakter aufweisen. Das Klavier erhält regelmäßig eine perkussive Funktion, während die Gitarre singen, flüstern oder rhythmisches Gegengewicht bieten kann.
Bemerkenswerterweise entstand dieses Stück fast wie eine Form von Gedankenlesen: „Als wir Adrian Andrei ansprachen, kannten wir bereits einige seiner Kompositionen und hofften, dass er etwas schreiben würde, das dem Geist von Bartóks Tänzen nahekäme. Wir hatten ihm das nicht gesagt, und doch schickte er uns bereits nach wenigen Tagen genau die Musik, die wir uns vorgestellt hatten."
Den Abschluss bildet Giorgio Mirto mit Introduction & Bridge of Lights. Die ruhige, melodische Einleitung bildet einen schönen Übergang zu einem Werk, in dem die Qualitäten des Duos vielleicht am subtilsten hervortreten. Das Klavier ist hell und klar, mit subtilen Lichtschattierungen, während die Gitarre darauf geschmeidig anschließt. Große Effekte sind hier nicht nötig: Die Musik entfaltet sich allmählich und erhält dadurch etwas Kontemplatives.
Auch hier ging der Komposition ein inniges Gespräch voraus. Bridge of Lights war ursprünglich Teil des Triptychons Three Sacred Pieces, aber das Duo spürte, dass das Stück ein Eigenleben verdiente, vorangegangen von einer Einleitung: „Eines Abends fragte mich Giorgio, wie ich mir diese Einleitung vorstellte. Ich beschrieb etwas Träumerisches, Transparentes, Schwebendes, Ätherisches und Kristallklares. Als er mir das Stück einige Zeit später schickte, hörte ich genau dieses Bild zurück, in Musik umgesetzt. Es war wirklich ein überraschender Moment." Nach der Beweglichkeit und rhythmischen Energie einer Reihe von vorherigen Werken wirkt dies wie eine natürliche Rückkehr zur Intimität der beiden Instrumente.
Stille
Mit Steve Goss' Intermezzi folgt dann Raum für Stille. Diese sechs kurzen Stücke bilden einen feinsinnigen Zyklus, in dem Klang, Resonanz und das Verhältnis zwischen Bewegung und Stille zentral sind. Besonders Serenade und Lament sprechen durch ihre Intimität und lyrische Qualität an. Ballad scheint diese Stille geradezu zu unterbrechen: Das Stück klingt rauer und erdiger und setzt dich als Hörer wieder mit beiden Füßen auf den Boden. Diese Kontraste geben dem Zyklus eine schöne Spannung.
Goss schöpft für diesen Zyklus aus Schuberts Liedern, wobei er Fragmente oder Atmosphären daraus extrahiert und diese, in seinen eigenen Worten, „auf unerwartete Weise" weiterentwickelt. Für das Duo erfordert das eine nüchterne, manchmal fast spärliche Spielweise, in der jedes Element sein volles Gewicht bekommen muss: „Wir arbeiten mit subtilen Verschiebungen im Timing und mit den ausdrucksvollen Mitteln beider Instrumente – Timbre, Resonanz und Legato – um die verschiedenen Charaktere hervorzubringen." Wenn ein Teil hervorgehoben werden muss, wählen Di Giandomenico und Afrune ausgerechnet Ballad: „Mit sehr wenigen Noten schafft Goss eine ausgedehnte und geschichtete Klangwelt. Diese Dualität – Einfachheit als Grundlage der Komplexität – fasziniert uns enorm."
Ein Titel mit persönlichem Gewicht
On the Edge ist der Name sowohl des Duos als auch der CD, und dieser Titel trägt nach Di Giandomenico und Afrune eine doppelte Bedeutung in sich: "Der Titel spiegelt unsere Überzeugung wider, dass verschiedene Perspektiven verschiedene Möglichkeiten offenbaren können. In diesem Sinne hat eine Grenze eine doppelte Bedeutung: Sie ist eine Begrenzung, aber sie kann auch ein Ausgangspunkt sein, von dem aus man neue Perspektiven und Horizonte sich vorstellen kann. Der Titel trägt also eine Idee der Überwindung in sich – vom Hinausreichen über das bereits Festgelegte."
Hinter dem Album steckt zudem eine persönliche Geschichte. Die CD ist Giovanni Di Giandomenico, dem Vater des Gitarristen, gewidmet, der 2025 plötzlich erkrankte und etwas mehr als einen Monat später starb. Das geschah genau in der Zeit, in der Francesco und Fabio Afrune intensiv damit beschäftigt waren, die Stücke zu überarbeiten und die Aufnahme vorzubereiten: "Für mich waren der Verlust meines Vaters und die Musik auf diesem Album miteinander verwoben." Als Doberman Musique Februar als Veröffentlichungsmonat vorschlug – den Monat, in dem sein Vater geboren wurde – fühlte sich dieser Zufall fast wie eine Bestätigung dieser Verbundenheit an. Das Album erschien schließlich am 20. Februar, dem Geburtstag seines Vaters: "Wenn ich zurückblicke, wie diese Ereignisse zusammenkamen, kann ich fast spüren, was Sartre 'die strenge Kette der Umstände' nennt."
Was das Duo hofft, dass Hörer aus dem Album mitnehmen, ist letztendlich zweierlei: "Ein Gefühl für die Schönheit und die Faszination der Musik, die wir das Glück hatten aufzunehmen, und daneben ein doppeltes Gefühl: die Entdeckung von etwas Neuem über die Weltpremieren und die Erkennung von etwas Vertrautem. Trotz ihrer unterschiedlichen musikalischen Sprachen sind diese Werke auf irgendeine Weise eine Spiegelung der Zeit und des Lebens, das wir führen."
An der Grenze des Vertrauten
Was diese Aufnahme letztendlich besonders macht, ist, dass sie eine ungewöhnliche Instrumentalkombination nicht als Kuriosität präsentiert, sondern als eine gleichberechtigte Klangwelt. Gitarre und Klavier erweisen sich nicht nur als Ergänzung füreinander, sondern rufen auch ständig neue Verhältnisse auf. Die Komponisten haben jeder eine eigene Stimme und die Werke eine klare Persönlichkeit. Das sind keine Epigonen und auch keine Kompositionen, die vor allem deshalb interessant sein wollen, weil sie bewusst fremd oder schwierig klingen – die Vielfalt und Klangfülle halten die Aufmerksamkeit fest, ohne dass sich das Album auf einen erkennbaren Stil oder eine Ästhetik reduzieren lässt.
Von der stürmischen Eröffnung mit Snippers bis zu den ruhigeren Momenten bei Goss und Mirto bleibt es etwas zu entdecken, ohne dass der Zusammenhang des Programms verloren geht. So erfüllt die CD den Spiegel, mit dem diese Geschichte begann, auch wirklich: fragmentiert und vielfältig, und gerade dadurch ein echtes Bild der Zeit, in der wir leben. Dass man nach Snippers auch wirklich in einem Stück weiterhören möchte, ist vielleicht das beste Kompliment, das diese CD bekommen kann.
