Verbergen zum Zeigen Der Deutschen Komponist Michael Beil eröffnet das jährliche Transit-Festival in Leuven. Das Nadar Ensemble erkundet dabei die Internetkultur durch Live-Video, Isolation und die Grenzen der Hyperrealität. Ein Gespräch mit dem Komponisten über den Graubereich zwischen Musik und Theater und was vom Begriff Wirklichkeit übrigbleibt. Und: Er mag Hyperpop lieber als klassische Musik.
Michael Beil: "Ich möchte in der Orchesterbesetzung bleiben, aber so nah wie möglich zur Theaterbesetzung gehen, also zusammen mit Instrumentalisten, keine Schauspieler oder Sänger. Das gibt dem Stück Charme, aber es gibt auch einen Mangel, weil das Publikum aufgrund der Aufstellung Schauspieler und Sänger erwartet, aber die sind nicht da. Also finden das manche komisch, aber das ist meine Absicht mit diesem Stück.
2021 waren wir sehr gut vorbereitet. Wir hatten lange Proben. Wir trafen uns dreimal, zweimal fünf Tage und einmal drei Tage. Dieser Zyklus führte zu einer Art Co-Komposition mit den Musikern. Die meisten Anpassungen musste ich gar nicht aufschreiben. Ich konnte einfach so mit den Musikern arbeiten. Wir konnten unterwegs Lösungen finden. Und das war ein Traum, der sich erfüllte. Das war eine großartige Erfahrung. Danach haben wir fünf Aufführungen in Essen gemacht, auf einem Festival für spielbezogene Kunst. Also allerlei digitale und Video-Sachen, und das war eine schöne Erfahrung mit jungem Publikum, nicht das typische zeitgenössische Musikpublikum, aber sehr offene Menschen."
Komponieren Sie anders, um junge Menschen zu erreichen?
“Verbergen zum Zeigen ist wie ein Musical, also kein langes Stück. Ich folge nicht der Dramaturgie eines klassischen Komponisten, sondern der eines unterhaltenden Komponisten. Ich schreibe kurze Stücke. Vielleicht wird diese Arbeitsweise in der klassischen Welt nicht so geschätzt. Aber ich wollte es machen, weil es stark mit Internet und sozialen Medien verbunden ist. Alles, was dort vorbeikommt, ist kurz, und die Jungen sind nicht mehr gewohnt, lange Dinge zu hören. Manchmal können sie lange Drone-Musik mit etwas Rauch davor hören, aber eigentlich bevorzugen sie Musikstücke von 3 Minuten. Allerdings war dieses Projekt etwas riskant, aber ich denke, am Ende habe ich es gut gemacht."
Spielt der Probenprozess eine wichtige Rolle im Kompositionsprozess?
"In meinem Handwerk musst du viel mehr tun als Noten spielen. Bei klassischen Musikern kann das sehr peinlich sein, weil viele Musiker nicht wissen, wie sie gehen oder sich bewegen sollen. Dann schämen sie sich und das ist auch unangenehm für das Publikum. Die Musiker machen viele Bewegungen auf der Bühne, wie kommen, gehen, sitzen, aufstehen, mit ihren Instrumenten bewegen. Musiker machen natürlicherweise viele Gesten, wenn sie über Musik sprechen. Jeder tanzt und singt. Eigentlich mache ich nur Dinge, die Musiker normalerweise zu Hause oder auf der Bühne tun würden. Ich konzentriere mich auf Bewegungen, die Musiker auf der Bühne machen, nicht mehr. Sie können das, aber es ist schwer für sie, weil sie sich ein bisschen verloren fühlen, wenn sie ihre Instrumente nicht halten. Also gibt es immer die eine Hälfte, die ich ermutigen muss, und die andere Hälfte, die ich bremsen muss. Aber in diesem Fall geht es hauptsächlich um Privatsphäre. Es geht darum, was Menschen zu Hause tun, sich selbst filmen und es dann dem Publikum zeigen. Aber wenn das Publikum das sieht, sehen sie sie nicht mehr als echte Menschen, sondern als eine Repräsentation, wie das Internet, wie TikTok."
© Wynold Verweij
Zeigt das Stück Hyperrealität oder ist es selbst Hyperrealität?
"Ich würde sagen beides. Das Stück zeigt den Prozess der Hyperrealität. Es gibt sechs Teile und die Teile bestehen aus 6 kleinen Stücken, und in jedem Teil gibt es dasselbe Stück mit einem anderen Aspekt. In jedem Teil gibt es einen Tanz, aber es sind sechs Tänze mit verschiedenen Aspekten desselben Stücks. Und es gibt eine Geschichte, die mit sechs kleinen Teilen durch das Stück läuft. Das ist über das Volkslied Ievan Polka, gesehen durch die japanische Internet-Sensation Hatsune Miku, eine virtuelle Person. Die Konzertsituation ist Hyperrealität. Denn sie existiert nur virtuell im Internet, aber sie wird real, wenn eine Menge echter Menschen in der Konzerthalle ein Konzert genießen. Also und es ist eine ganz besondere Art von Realität, weil du beides hast, du hast die Virtualität immer noch auf der Bühne, weil Miku nicht da ist. Es ist einfach holografische Aktion. Aber die Band ist echt und die Tänzer der Band sind auch echt. Im Publikum ist alles echt, nur der Künstler ist nicht echt. Das ist ein sehr klares Beispiel dafür, wie eine Art Realität in der Musik stattfinden kann."
Die Musiker sitzen normalerweise getrennt in ihren Kabinen, sie sind isoliert. Wie kann dann Zusammenspiel geprobt werden?
"Man kann sich nicht vorstellen, wie seltsam die Situation für sie ist, wenn man in so einer Box sitzt. Sie spielen wirklich in ihrer Box und sie sehen und hören nicht, was die anderen tun. Das Publikum hat den Eindruck, dass sie alle verbunden sind, aber das kann nicht sein. Es ist natürlich schwierig für den Rhythmus und die Intonation. Also kommen sie bei den Proben aus den Boxen heraus und üben das Zusammenspiel, wobei sie die Intonation bewahren, und dann gehen sie wieder in ihre Boxen zurück. Das ist das, was wir immer tun. Aber vom Thema her ist es für mich sehr wichtig, dass ich während der Aufführung zeige, dass Zusammensein die Ausnahme ist und Alleinsein die Normalität, wie sie in unserer heutigen Welt ist."
In einigen Szenen nutzen Sie Technologie, um Perfektion zu erreichen. Nehmen Sie dem Musiker dabei nicht seine Persönlichkeit?
"Ich bin eine kontrollierende Person. Und als ich mit Verbergen zum Zeigen, anfing, sagte ich mir, dass dies das erste Stück sein würde, in dem ich die Kontrolle vollständig vermeiden würde, aber am Ende gab es viel Kontrolle. Das war ein Fehler meinerseits. Die einzige Kontrolle, die ich eigentlich habe, ist das, was du in jedem Konzert hast: die richtige Tonhöhe zum richtigen Zeitpunkt. Aber ich füge auch die Gesten hinzu, die Gesten müssen im Takt sein, weil sie aufgenommen und später abgespielt werden und sie müssen zur Musik in anderen Teilen passen.”
Ich gebe dir ein Beispiel. Es gibt einen Abschnitt, in dem alle in den Boxen sitzen und singen ohne Ton, sie öffnen ihren Mund, tanzen ein wenig und in diesem Abschnitt wird nicht gesungen. Aber es gibt andere Musik. Und die Mundbewegungen passen perfekt zu diesem Lied. Und das ist für mich eine der intensivsten Erfahrungen aller Auftritte. In diesem anderen Teil haben die Menschen Schwierigkeiten zu sehen, ob es eine Projektion ist oder echt, weil die Projektoren sehr gut sind und man sich manchmal wirklich konzentrieren muss. Aber dann merken sie, dass die Boxen geschlossen sind. Es ist ein Live-Video und sie singen das Lied, aber: Wie kann das sein? Technologie hilft mir, Überraschung in das Stück zu bringen."
Was bedeutet Kreativität für Sie?
"Der Prozess der Kreativität ist für mich ein Filterprozess. Wir erhalten immer mehr Informationen aus der ganzen Welt. Die wichtigste Aufgabe des Komponisten ist es, diesen Strom auf eine bestimmte Weise zu filtern. Auf welche Weise? Das ist eine Entscheidung, eine kreative Entscheidung. Und was ein Komponist dann tun muss, ist zu transformieren. Es gibt also einen Transformationsprozess von Dingen, die Menschen kennen." Ich würde sagen, dass die alte Art, Kunst zu machen, darin besteht, etwas Großes und Unbekanntes zu sehen oder zu hören, das man noch nie zuvor erlebt hat. Heutzutage sehen wir Kunst mehr als etwas, das aus der realen Welt transformiert wurde, wie Duchamp, der das Urinal ins Museum stellt. Und dann ist es kein Urinal mehr. Aber es wirft viele Fragen auf und die Menschen sind sehr überrascht zu sehen, warum das im Museum steht. Und das versuche ich mit Musik zu tun: Filtern, transformieren und dann, wenn ich gute Arbeit als Komponist abliefere, Menschen mit neuen Bedeutungen für Dinge überraschen, die sie bereits kennen".
Welche Art von Kompositionen sind typisch für Michael Beil?
"Meine Spezialität ist die Verwendung von Live-Video, und zwar Live-Video in dieser komplizierten Anordnung. Ich bin derzeit der Einzige, der das kann. Weil ich viel Erfahrung damit habe, nutze ich diese Form von Live-Video. Ich mache das, um mit der musikalischen Form zu spielen, es ist immer auf Musik bezogen. Es geht immer darum, etwas mit Musik oder den Musikern zu zeigen, und mit dem Video versuche ich, die Menschen auf die richtige Spur zu bringen, damit sie sich fragen können, was los ist. Also, um Menschen am Anfang eines Stücks etwas zu geben, bis zu einem bestimmten Punkt, an dem sie denken: OK, ich verstehe es, es ist langweilig. Und dann passiert etwas, das wirklich überraschend ist. Also, wenn Menschen nach meinem Stück überrascht bleiben, dann habe ich es geschafft. Meine Musik ist Musik, die Dinge in Frage stellt."
Werden Sie jemals eine Oper schreiben?
"Nein. Alle meine Stücke sind in gewisser Weise bereits Opern. Und wenn ich eine Oper machen müsste, würde ich eine ironische Nicht-Oper ohne Sänger machen. Ja, weil ich ehrlich gesagt keine klassische Musik mag. Ich mag Pop sehr gerne. Im Moment höre ich viel Hyperpop, zum Beispiel von der britischen Produzentin/Sängerin/DJ Sophie."
Übrigens ist es heutzutage unmöglich, neue Wege zu finden, um Violine zu spielen. Was du auch damit machst, es bleibt eine Violine. Und derzeit gibt es auch eine Stagnation in der Entwicklung elektronischer Instrumente. Controller erfinden nichts mehr. Die meisten jungen Komponisten beschäftigen sich derzeit hauptsächlich mit Synthesizern und Modulen. Das ist eine seltsame Situation. Ich lasse sie gewähren. Ich bin daran nicht interessiert. Ich bin sehr daran interessiert, was danach kommt."
Was kommt nach der Violine und elektronischen Instrumenten?
"Wir könnten zum Beispiel Implantate verwenden, etwa etwas in unseren Hals einsetzen, um wie Hatsune Miku singen zu können. Spaß beiseite: Ich setze mir ein Implantat in den Arm und kann dann perfekt Klavier spielen. Ich denke trotzdem, dass das die Zukunft ist. Die Zukunft ist die Virtual-Reality-Brille und Implantate, aber die klassischen Instrumente wird es immer geben und wir brauchen Orchester, vielleicht ein bisschen so, wie wir alte Gemälde im Museum brauchen. Das ist schön. Das wollen wir alle. Wir gehen ins Louvre und sehen die alte Kunst und wir gehen ins Concertgebouw und hören Beethoven."
Alle Ihre Werke sind kostenlos in Open Source verfügbar. Warum sind Sie so großzügig?
"Das ist ein Zeichen dafür, dass mein Werk kein Wunder ist, das von einem göttlichen Künstler kommt. Ich bin nur eine normale Person, die sich dazu entschloss, sich auf Musik zu spezialisieren. Auf meiner Website kannst du jeden Partitur herunterladen, alle Tonbänder. Andere Komponisten können meine Tonbänder verwenden und sie samplen und in ihren eigenen Stücken verwenden. Und das haben sie bereits getan. So arbeiten wir. Du siehst etwas, es gefällt uns und dann verwenden wir es. Und zusammen mit anderen Dingen transformieren wir es auch und sind wir eine Gemeinschaft. Warum sollte ich es anders machen?"
WAS: Verbergen zum Zeigen von Michael Beil
LABEL: Nadar Ensemble
ORT: STUK, Leuven
DATUM: 20. Oktober 2023
TICKETS: festival2021.be
