Caché pour montrer L'ouverture du festival Transit annuel à Louvain est une création du compositeur allemand Michael Beil. L'Ensemble Nadar y explore la culture Internet par le biais de la vidéo en direct, de l'isolement et des limites de l'hyperréalité. Une conversation avec le compositeur sur la zone grise entre la musique et le théâtre et ce qu'il reste du concept de réalité. Et : il préfère l'hyperpop à la musique classique.
Michael Beil : « Je veux rester dans le contexte du concert, mais m'en éloigner autant que possible en direction du théâtre, donc en travaillant avec des instrumentistes, pas d'acteurs ni de chanteurs. Cela donne du charme à la pièce, mais il y a aussi une certaine perte parce que le public s'attend à voir des acteurs et des chanteurs selon la disposition, mais ils ne sont pas là. Donc certains trouvent ça étrange, mais c'est l'effet que je recherche avec cette pièce. »
En 2021, nous étions très bien préparés. Nous avons eu de longues répétitions. Nous nous sommes réunis trois fois, deux fois pendant cinq jours et une fois pendant trois jours. Ce cycle a abouti à une forme de co-composition avec les musiciens. Je n'ai même pas dû noter la plupart des ajustements. Je pouvais travailler ainsi avec les musiciens. Nous pouvions trouver des solutions en chemin. Et c'était un rêve devenu réalité. C'était une expérience formidable. Après cela, nous avons créé cinq représentations à Essen, dans un festival dédié à l'art lié aux jeux vidéo. Donc toutes sortes de contenu numérique et vidéo, et c'était une belle expérience avec un jeune public, pas le public de musique classique typique d'aujourd'hui, mais des gens très ouverts. »
Composez-vous différemment pour toucher les jeunes ?
“Caché pour montrer C'est comme une comédie musicale, donc pas une longue pièce. Je ne suis pas la dramaturgie d'un compositeur classique, mais celle d'un compositeur de divertissement. J'écris de courtes pièces. Cette façon de travailler n'est peut-être pas très appréciée dans le monde classique. Mais je voulais la privilégier parce qu'elle est très liée à Internet et aux réseaux sociaux. Tout ce qui passe par là est court, et les jeunes ne sont plus habitués à écouter des choses longues. Parfois, ils peuvent écouter longtemps de la musique drone avec un peu de fumée avant, mais en réalité, ils préfèrent des morceaux de musique de 3 minutes. Bien sûr, ce projet était un peu risqué, mais je pense que j'ai bien fait les choses au final. »
Le processus de répétition joue-t-il un rôle important dans le processus de composition ?
« Dans mon domaine, tu dois faire beaucoup plus que de jouer des notes. Cela peut être très gênant pour les musiciens classiques parce que beaucoup ne savent pas comment marcher ou bouger. Ils se sentent alors humiliés et c'est aussi inconfortable pour le public. Les musiciens font beaucoup de mouvements sur scène, comme entrer, sortir, s'asseoir, se lever, bouger avec leurs instruments. Les musiciens font naturellement beaucoup de gestes quand ils parlent de musique. Tout le monde danse et chante. En fait, je ne fais que des choses que les musiciens feraient normalement à la maison ou sur scène. Je me concentre sur les mouvements que les musiciens font sur scène, rien de plus. Ils peuvent le faire, mais c'est difficile pour eux parce qu'ils se sentent un peu perdus s'ils ne tiennent pas leurs instruments. Il y a donc toujours la moitié que je dois encourager et l'autre moitié que je dois retenir. Mais dans ce cas, il s'agit surtout de vie privée. Il s'agit de ce que les gens font à la maison, de se filmer eux-mêmes et de le montrer ensuite au public. Mais quand le public voit ça, il ne les voit plus comme des vraies personnes, mais comme une représentation, comme Internet, comme TikTok. »
© Wynold Verweij
La pièce montre-t-elle l'hyperréalité ou est-elle elle-même hyperréalité ?
« Je dirais les deux. La pièce montre le processus d'hyperréalité. Il y a six parties et les parties se composent de 6 petits morceaux, et dans chaque partie se trouve le même petit morceau avec un aspect différent. Dans chaque partie il y a une danse, mais ce sont six danses avec différents aspects du même morceau. Et il y a une histoire qui traverse la pièce en six petites parties. C'est l'histoire de la chanson folklorique Ievan Polka, vue à travers la sensation Internet japonaise Hatsune Miku, une personne virtuelle. La situation de concert est hyperréalité. Parce qu'elle n'existe que virtuellement sur Internet, mais elle devient réelle quand un tas de vraies personnes jouissent d'un concert dans la salle de concert. Et c'est une sorte de réalité très spéciale parce que tu as les deux, tu as encore la virtualité sur scène parce que Miku n'est pas là. C'est juste de l'action holographique. Mais l'ensemble est réel et les danseurs de l'ensemble sont aussi réels. Dans le public, tout est réel, seul l'artiste n'est pas réel. C'est un très bon exemple de comment une sorte de réalité peut prendre place dans la musique. »
Les musiciens sont généralement séparés dans leurs petits espaces, ils sont isolés. Comment peut-on alors répéter l'ensemble ?
« Tu ne peux pas imaginer à quel point la situation est étrange pour eux quand tu es dans une telle boîte. Ils jouent vraiment dans leur boîte et ils ne voient ni n'entendent ce que font les autres. Le public a l'impression qu'ils sont tous connectés, mais ce n'est pas possible. Bien sûr, c'est difficile pour le rythme et l'intonation. Donc lors des répétitions, ils sortent des boîtes et s'exercent à jouer ensemble, en préservant l'intonation, puis ils retournent dans leurs boîtes. C'est ce que nous faisons toujours. Mais du point de vue du sujet, c'est très important pour moi de montrer lors de la représentation que jouer ensemble est l'exception et l'isolement est la normalité comme dans notre monde d'aujourd'hui. »
Dans certaines scènes, vous utilisez la technologie pour atteindre la perfection. N'enlevez-vous pas ainsi la personnalité du musicien ?
« Je suis une personne de contrôle. Et quand j'ai commencé par » Cacher pour montrer je me suis dit que ce serait la première pièce où j'éviterais totalement le contrôle, mais elle s'est avérée très contrôlée. C'était une erreur de ma part. Le seul contrôle que j'ai vraiment est celui que tu as dans n'importe quel concert : la bonne hauteur au bon moment. Mais j'ajoute aussi les gestes, les gestes doivent être en mesure car ils sont enregistrés et rejoués plus tard et ils doivent correspondre à la musique dans les autres parties.
Je te donne un exemple. Il y a une partie où ils sont tous dans les boîtes et ils chantent sans son, ils ouvrent la bouche, dansent un peu et il n'y a pas de chant dans cette partie. Mais il y a une autre musique. Et les mouvements de lèvres correspondent parfaitement à cette chanson. Et c'est pour moi l'une des expériences les plus intenses de tous les spectacles. Dans cette autre partie, les gens ont du mal à voir si c'est une projection ou du vrai, parce que les projecteurs sont très bons et tu dois vraiment te concentrer parfois. Mais ensuite ils réalisent que les boîtes sont fermées. C'est une vidéo en direct et ils chantent la chanson, mais : comment est-ce possible ? La technologie m'aide à apporter de la surprise dans la pièce.
Qu'est-ce que la créativité représente pour vous ?
Je vois le processus de créativité comme un processus de filtrage. Nous recevons de plus en plus d'informations du monde entier. La tâche la plus importante du compositeur est de filtrer ce flux d'une certaine manière. De quelle manière ? C'est une décision, une décision créative. Et ce qu'un compositeur doit faire alors, c'est transformer. Il y a donc un processus de transformation des choses que les gens connaissent. Je dirais que l'ancienne façon de faire de l'art est de voir ou d'entendre quelque chose de grand et d'inconnu que vous n'avez jamais expérimenté auparavant. De nos jours, nous voyons l'art comme quelque chose transformé à partir du monde réel, comme Duchamp qui met l'urinoir (qui lui est attribué) dans le musée. Et ce n'est plus un urinoir. Mais cela soulève de nombreuses questions et les gens sont très surpris de voir pourquoi cela se trouve dans le musée. Et c'est ce que j'essaie de faire avec la musique : filtrer, transformer et ensuite, si je fais un bon travail en tant que compositeur, surprendre les gens avec de nouvelles connotations pour les choses qu'ils connaissent déjà.
Quels types de compositions sont caractéristiques de Michael Beil ?
Ma spécialité est l'utilisation de la vidéo en direct, et bien, la vidéo en direct dans cette configuration compliquée. Je suis le seul qui puisse le faire en ce moment. Parce que j'ai beaucoup d'expérience avec cela, j'utilise cette forme de vidéo en direct. Je le fais pour jouer avec la forme musicale, c'est toujours lié à la musique. C'est toujours pour montrer quelque chose avec la musique ou les musiciens, et avec la vidéo j'essaie de mettre les gens sur la piste pour qu'ils puissent se demander ce qui se passe. Donc pour donner aux gens au début d'une pièce quelque chose jusqu'à ce qu'un certain point arrive où ils pensent, d'accord, je comprends, c'est ennuyeux. Et puis quelque chose de vraiment surprenant se produit. Donc si les gens restent surpris après avoir écouté et vu ma pièce, alors j'ai réussi. Ma musique est une musique qui remet les choses en question.
Allez-vous jamais écrire un opéra ?
Non. Tous mes morceaux sont en quelque sorte déjà des opéras. Et si je devais faire un opéra, je ferais un non-opéra ironique sans chanteurs. Oui, parce que honnêtement, je n'aime pas la musique classique. J'aime beaucoup la pop. En ce moment, j'écoute beaucoup l'hyperpop, par exemple de la productrice/chanteuse/DJ britannique Sophie.
D'ailleurs, il n'est pas possible de trouver de nouvelles façons de jouer du violon aujourd'hui. Peu importe ce que tu en fais, ça reste un violon. Et il y a actuellement aussi une stagnation dans le développement des instruments électroniques. Les contrôleurs ne trouvent plus rien. La plupart des jeunes compositeurs sont maintenant principalement occupés par les synthétiseurs et les modules. C'est une situation bizarre. Je les laisse faire. Je ne suis pas intéressé par cela. Je suis très intéressé par ce qui vient après.
Qu'est-ce qui vient après le violon et les instruments électroniques ?
Nous pourrions par exemple utiliser des implants, par exemple mettre quelque chose dans notre gorge pour pouvoir chanter comme Hatsune Miku. Blague : je mets un implant dans mon bras et je peux alors jouer du piano parfaitement. Quand même, je pense que c'est l'avenir. L'avenir c'est les lunettes virtuelles et les implants, mais les instruments classiques seront toujours là et nous avons besoin d'orchestres, peut-être un peu comme nous avons besoin de vieux tableaux au musée. C'est sympa. Nous le voulons tous. Nous allons au Louvre et nous voyons l'art ancien et nous allons à la Concertgebouw et nous écoutons Beethoven.
Toutes vos œuvres sont gratuitement disponibles en libre accès. Pourquoi êtes-vous si généreux ?
C'est un signe pour montrer que mon travail n'est pas un miracle qui vient d'un artiste divin. Je suis juste une personne normale qui a décidé de se spécialiser dans la musique. Sur mon site Web, tu peux télécharger chaque partition, tous les enregistrements. D'autres compositeurs peuvent utiliser mes enregistrements et les sampler et les utiliser dans leurs propres morceaux. Et ils l'ont déjà fait. C'est comme ça qu'on travaille. Tu vois quelque chose, on l'aime et puis on l'utilise. Et en le combinant avec d'autres choses, nous le transformons aussi et nous sommes une communauté. Pourquoi ferais-je autrement ?
QUOI : Cacher pour montrer de Michael Beil
QUI : Nadar Ensemble
OÙ : STUK, Louvain
DATE : 20 octobre 2023
BILLETS : festival2021.be
