Angelo Gilardino (1941-2022) gilt allgemein als einer der wichtigsten Komponisten für Gitarre.
Trotz eines umfangreichen Oeuvres mit Solo-, Kammer- und Orchesterwerken bildet dieses Duo für Cello und Gitarre ein wahres Unikum in seinem Katalog. Es scheint mir oberflächlich, diese Besonderheit dem reinen Zufall zuzuschreiben (Gilardino konnte während seiner Karriere sicherlich keinen Mangel an Kontakt mit fähigen Cellisten haben), ebenso wie es irreführend ist, es als eine Art Zurückhaltung zu erklären, die durch die inhärente Schwierigkeit der Kombination oder durch eine vermeintliche Distanz zur poetischen Welt des Cellos verursacht wird. Das Gegenteil wird durch die Tatsache bewiesen, dass das Cello in zwei anderen Werken vorkommt: das Doppelkonzert von 2004, Star of the Morning, und das Quartett für Flöte, Klarinette, Cello und Gitarre (2010).
Ich bin daher der Ansicht, dass die Gründe für diese späte Reduktion des Dialogs auf die wesentlichsten Elemente in biografischen Umständen zu suchen sind. Es ist sicherlich kein Zufall, dass das einzige Instrument, das Gilardino neben der Gitarre systematisch studierte, gerade das Cello war. Er hatte dadurch eine besondere Verbindung zum Idiom und zum Klangcharakter des Instruments; und die Kombination der beiden Instrumente kann kaum anders interpretiert werden als ein Konflikt innerhalb seiner eigenen poetischen Sensibilität. Daraus entsteht ein Werk, das er selbst als "zweiseitig" beschrieb und das das Thema der Gespaltenheit sogar im Titel trägt: Lieder in der Dämmerung.
Hier erfüllt die Gitarre ihre Rolle als suggestives, rätselhaftes, schattenreiches Instrument. Das Cello bildet den komplementären Pol: eine Stimme, die danach verlangt, in den Vordergrund zu treten, die gerne laut und dramatisch klingen würde, aber die innerhalb dieser spezifischen Konstellation – in den Worten des Komponisten selbst – in der Dämmerung bleiben muss.
Der zweigeteilte Charakter des Werkes spiegelt sich auch in der Musiksprache wider: wir befinden uns zwischen dem Chromatismus des frühen Gilardino und der neueren Dominanz von modalen und diatonischen Kompositionen.
Der erste Teil ist vollständig um eine viertönige Zelle aufgebaut, die von der Gitarre innerhalb eines unfassbaren, desorientierenden Kontrapunkts gespielt wird. Aus diesem Thema schöpft das Cello wiederholt Impulse für melodische Entwicklungen, die unvollendet bleiben, und erreicht neue Konsonanzgebiete, von denen sich die Gitarre abweigt, arpeggiiert und Fragmente anbietet. Diese bilden kein echtes zweites Thema, sondern eher eine Erwartung einer erneuerten Überlegung des ursprünglichen Motivs.
Der zweite Teil ist lyrischer Natur und hat eine A-B-A-Form. Die Eröffnung verstärkt die mehrdeutige, suggestive Qualität der Gitarre, indem sie ein Motivfragment präsentiert, das aus einer aufsteigenden Triole ohne Endpunkt gebildet ist, schwebend in seinem aufwühlenden Höhepunkt. Das Cello tritt dann mit anderer Bestimmtheit auf, übernimmt diese rätselhafte Zelle und repositioniert sie innerhalb des Taktes, so dass jedes Mal ein stabilisierender Endpunkt entsteht – bis das Cello diesen allmählich auslöscht und seine eigene natürliche Gesangneigung die Oberhand gewinnt.
Der B-Teil folgt – "leicht und flüchtig" – mit ganz anderem Charakter. Vom Cello eingeleitet, ist er vollständig aus wiederholten Noten aufgebaut, wobei das melodische Element als Figuren geformt wird, die wie Mosaiksteine entstehen. Die Gitarre gesellt sich schnell zu einem imitativen Dialog hinzu und präsentiert erneut nachdrücklich eine ungelöste aufsteigende Bewegung am Ende des Taktes. Nach Erreichen des Höhepunkts führt eine allmähliche Verzögerung zurück zur ersten Episode, "langsam".
Der dritte Teil hat eine verschachtelte Struktur. Oberflächlich betrachtet nimmt er erneut die Form einer A-B-A an, aber der B-Teil ist seinerseits in drei Teile artikuliert, B′-C-B′, wobei C eine Entwicklung von A darstellt. Es ist eine geschickte formale Variation über die zwei Kerne, die das Werk bislang beseelt haben: einerseits die fragmentarische Gitarrenpartie, die den Eröffnungsteil durchdringt, gegen die das Cello zwischen Pizzicato und Staccato oszilliert; andererseits die Beredsamkeit des Liedes, die hier – wenn auch vorübergehend – ihre größte Entfaltung in den beiden B′-Teilen erreicht.
Der vierte Teil, in dem das diatonische Element überwiegt, kann mit Gilardinos reichem Strom "aquatischer" Musik assoziiert werden, und genauer mit einem Regen von Manzoni'schem Klang, der kommt, um die Konflikte zu heilen, die den Diskurs bislang gekennzeichnet haben. Das zentrale lyrische Element bietet ebenfalls eine Form der Auflösung, indem es die Triole aus dem zweiten Teil aufgreift: hier wird sie zu einer absteigenden Linie umgekehrt und fest auf dem ersten Schlag des nächsten Taktes verankert. Cello und Gitarre verabschieden sich vom Hörer mit einem unhastigen Lied, das sich über eine Landschaft entfaltet, die von einem feinen, reinigenden Regen berührt wird.