On Sunday, 15 November, the Requiem by composer and conductor Lucas Van Vlierberghe will receive its premiere – a work that not only forms the culmination of a years-long artistic quest, but also carries a deeply personal significance. Klassiek Centraal spoke with Van Vlierberghe about his musical training, the interplay between composing and conducting, and the path that led to this new work for choir and strings.
From cello to composition
Van Vlierberghe's musical journey began not at the music stand, but with the cello, which he played at the Kunsthumaniora in Antwerp. However, it soon became clear that his true fascination lay in creating music itself. That drive brought him to the Royal Conservatory Antwerp, where he studied composition with Wim Henderickx and Bram Van Camp, supplemented by lessons from Luc Van Hove and Alain Craens.
A decisive period in his development was his master's studies at the Estonian Academy of Music and Theatre in Tallinn, where he studied composition with Helena Tulve and Tõnu Kõrvits, and choral conducting with Hirvo Surva. Estonian musical culture, with its natural connection between nature, silence and spirituality, left a lasting mark on his way of listening and composing. Singing in the academy choir under the direction of Tõnu Kaljuste, and masterclasses with composers such as Pēteris Vasks, Thomas Adès and Toshio Hosokawa, further enriched his musical outlook.
Today, Van Vlierberghe considers himself first and foremost a composer. "That is where my artistic identity lies and where my musical ideas originate," he says. Conducting and building ensembles he experiences as a natural extension of that – a way of experiencing music, both that of others and his own work, from the inside.
Ex Cathedra and the Antwerp String Ensemble
This relationship between composing and conducting takes concrete shape in two ensembles that are close to Van Vlierberghe's heart: the chamber choir Ex Cathedra Antwerpen and the Antwerp String Ensemble. For him, both are more than performance platforms; they are artistic projects in which he can develop his own musical vision.
Ex Cathedra, born from a shared passion among former members of the Antwerp Cathedral Choir, devotes itself to a refined choral sound and a repertoire in which spirituality, textual expression and musical depth are central. The Antwerp String Ensemble, in turn, arose from the wish to bring young musicians together at a high artistic level, while also giving Van Vlierberghe the space to perform his own compositions.
For the premiere of the Requiem, both ensembles complement each other seamlessly: the work was, after all, written for precisely this combination of choir and strings. "It feels like a natural culmination of the path we have travelled together in recent years," says Van Vlierberghe.
Composer and conductor: two sides of the same coin
Van Vlierberghe's experience as a singer, choral conductor and composer forms a cohesive whole: each role feeds into the others. His years in the Antwerp Cathedral Choir, first as a singer and later as assistant conductor, taught him the importance of a clear rehearsal method, attention to text, and carefully considered sonic construction.
As a composer, he feels strongly related to Arvo Pärt, Pēteris Vasks, John Tavener and Henryk Górecki – composers whose music shows how simplicity, silence and timbre can often say more than technical complexity. In addition, the musicians and teachers with whom he has worked over the years have also played an important role in his musical formation: they taught him to listen critically and to remain faithful to his own artistic convictions.
That kinship and those formative collaborations also colour his approach to conducting: "In my view, a conductor must bridge the gap between the composer's intention and the experience of the performers and the audience." Both disciplines, composing and conducting, continually nourish each other, he believes.
A musical language of simplicity and stillness
Van Vlierberghe's music generally does not start from a melody, but from a mood or emotion. He works quite intuitively in this respect: the original idea often itself determines the direction in which the composition unfolds, rather than everything being fixed in advance. He believes that a work must retain a certain inevitability. Experimenting and reworking are, naturally, part of this process: he regularly cuts or rewrites passages when they do not contribute to the larger whole – not to constantly seek out something new, but to let the music speak as clearly and convincingly as possible.
He describes his musical language as modal or tonal, with timbre, stillness and a natural musical breath at its core – not complexity for its own sake, but music that can touch directly.
This aesthetic crystallised especially during his time in Tallinn, where he discovered that simplicity and silence can carry great expressive power. "I used to be much more in search of complexity," he admits, "but today I believe that music often moves us most when it succeeds in expressing something essential with relatively simple means."
Während des Kompositionsprozesses behält Van Vlierberghe stets den Zuhörer im Blick. Er hofft, einen musikalischen Raum zu schaffen, in dem jeder sein eigenes Erleben finden kann – Stille, Besinnung, Ergriffenheit. Sein Hintergrund als ausübender Musiker hilft ihm dabei: Da er weiß, wie Sänger und Instrumentalisten atmen und phrasieren, schreibt er Musik, die sich natürlich anfühlt, wenn sie gespielt wird.
Der Weg zum Requiem
Das Thema des Todes fasziniert Van Vlierberghe schon lange, nicht aus Schwermut, sondern aus Fragen nach Vergänglichkeit, Erinnerung, Trost und Hoffnung. Schon länger trug er den Plan in sich, einmal ein Requiem zu schreiben. Der Tod seines Großvaters und später seiner Großmutter gab schließlich den Ausschlag, frühere Skizzen weiterzuentwickeln und das Werk zu vollenden – wodurch das Requiem auch eine persönliche Bedeutung erhielt.
Von Anfang an hörte er das Werk als Komposition für Chor und Streicher. Ein Meisterkurs bei Pēteris Vasks, der Chor und Streicher nicht als Gegenpole, sondern als eine atmende Einheit betrachtet, hinterließ dabei einen bleibenden Eindruck. In Van Vlierberghes Requiem bewegen sich die Streicher daher oft colla parte mit den Gesangslinien: Sie begleiten den Chor nicht, sondern verlängern und vertiefen den vokalen Klang. Diese organische Einheit bestimmte sowohl die Besetzung als auch Form und Dauer des Werkes. „Ich wollte kein großartiges oder monumentales Requiem schreiben“, erklärt er, „sondern eine verstummte musikalische Meditation, in der jeder Ton einen bedeutungsvollen Platz erhält.“
Innerhalb der reichen Requiem-Tradition bildet vor allem Maurice Duruflés Requiem eine bleibende Inspirationsquelle, wegen der Selbstverständlichkeit, mit der sich Gregorianik und eine persönliche harmonische Sprache darin verbinden. Auch Vasks und Tavener beeinflussten seine Sicht auf sakrale Musik – nicht als Stilvorbilder zum Nachahmen, sondern als Beleg dafür, dass Schlichtheit, Klangfarbe und Stille große emotionale Kraft entfalten können.
Den Kern des Werkes verortet Van Vlierberghe nicht in einem bestimmten Moment der Partitur, sondern in der durchgehenden Stimmung: einem musikalischen Raum, in dem Abschied, Erinnerung und Hoffnung nebeneinander bestehen können. „Wenn die Zuhörer am Ende das Gefühl haben, eine innere Reise erlebt zu haben“, sagt er, „dann hat das Requiem erreicht, was ich damit sagen wollte.“
Eine durchgehende musikalische Reise
Für das Konzertprogramm rund um die Uraufführung wählte Van Vlierberghe bewusst Werke von John Tavener – Funeral Canticle, Mother of God, Here I Stand, Funeral Ikos und Song for Athene –, die dieselbe Stille und Spiritualität atmen wie seine eigene Sprache. Samuel Barbers Adagio for Strings eröffnet das Konzert als universelle Reflexion über Verlust und Erinnerung. Zusammen bilden diese Werke kein lose aneinandergereihtes Programm, sondern eine durchgehende musikalische Reise, die das Requiem in eine breitere Tradition zeitgenössischer sakraler Musik stellt.
Als Komponist schreibt man die Noten, doch erst während der Proben beginnt eine Partitur laut Van Vlierberghe wirklich ein eigenes Leben. Musiker bringen dann ihre eigene Persönlichkeit, ihren Klang und ihre Interpretation mit, und das färbt das Werk auf Weisen, die beim Schreiben noch nicht sichtbar waren. „Gerade dieses Wechselspiel macht eine Premiere so besonders“, so Van Vlierberghe, „in diesem Moment wird die Partitur zum ersten Mal wirklich Musik.“
Über die Premiere hinaus
Wenn das Requiem am 15. November zum ersten Mal erklingt, markiert dies für Van Vlierberghe einen Übergang: Das Werk gehört nicht mehr nur ihm. „Solange ich daran arbeite, ist es meine Musik. Doch sobald der erste Ton erklingt, gehört sie auch den Musikern, die sie aufführen, und den Zuhörern, die darin ihre eigene Bedeutung finden.“ Diese geteilte Erfahrung ist für ihn letztlich das, worum es in der Musik geht.
Auch für künftige Aufführungen durch andere Dirigenten und Ensembles ist Van Vlierberghe offen für neue Interpretationen. Solange das Wesen des Werkes erhalten bleibt, findet er es gerade spannend, wenn andere Akzente setzen oder Nuancen entdecken, an die er selbst nicht gedacht hatte – so bleibt eine Komposition lebendig.
Mit dem Requiem als jüngstem Höhepunkt blickt Van Vlierberghe bereits nach vorn. In den kommenden Jahren möchte er seine eigene musikalische Sprache weiter ausbauen, mit einer besonderen Anziehungskraft auf größere vokale und orchestrale Formen. Neue Werke für Chor und Orchester stehen auf seiner Wunschliste, ebenso andere konzertante und sinfonische Kompositionen – jeweils mit demselben Anspruch: dass jedes neue Werk etwas Wesentliches zu sagen hat und eine eigene künstlerische Notwendigkeit spürbar macht.
Tickets erhalten Sie hier: https://www.eventbrite.com/e/tickets-requiem-lucas-van-vlierberghe-1986533457046
Und entdecken Sie hier schon einige weitere Werke: