Mit seinem neuen Concerto für Posaune und Orchester fügt Komponist Frederik Neyrinck (°1985) ein Werk zum zeitgenössischen Repertoire hinzu. Anlässlich der Uraufführung beim Antwerp Spring Festival am Donnerstag, 23. April (https://www.antwerpspringfestival.be/programma/the-planets) sprach er mit Werner De Smet für Klassiek Centraal über seine musikalische Sprache, seine Arbeitsweise und die Rolle der Posaune in diesem neuen Werk, das sich als persönliche und gleichzeitig experimentelle Reise entfaltet. Dass er in seiner Jugend selbst Posaune spielte, bildet eine wichtige Grundlage für seine Affinität zum Instrument. Als junger Musiker lernte er durch Harmoniemusik und Bigband, was Zusammenspiel bedeutet – eine Erfahrung, die seinen musikalischen Horizont stark erweiterte. Gleichzeitig bewegt sich seine Praxis bewusst zwischen verschiedenen Bereichen: von Solo bis Kammermusik und Orchester, und von der Zusammenarbeit mit anderen Künstlern bis zu Projekten, die vom bestehenden Repertoire ausgehen, mit Erfahrungen auch im Musiktheater und in der Oper.
Eine Musiksprache in Bewegung
Frederik Neyrinck beschreibt sich selbst als Komponist, der sich zwischen verschiedenen Besetzungen bewegt und bewusst die Vielseitigkeit wählt. Dabei geht er gerne den Dialog mit anderen Künstlern ein und betrachtet seine Kompositionen als eine Art Baum mit Verzweigungen, „deren Äste sich manchmal berühren, um so zu neuen Richtungen zu kommen." Diese Denkweise entspricht seiner Vision von Musik als ständig entwickelnder Organismus, in dem Parameter wie Tonhöhe, Rhythmus, Klangfarbe und Dynamik allmählich evoluieren, ohne abrupte Brüche.
Identische Wiederholungen vermeidet er dabei bewusst. Stattdessen arbeitet er mit dem, was er „transformierte Wiederholung" nennt – ein Ansatz, mit dem er während der Analysestunden bei Jan Van Landeghem in Kontakt kam, unter anderem durch die Werke von Karel Goeyvaerts und das Konzept der „evolutiven Repetitivität". Diese Arbeitsweise bildet auch dann, wenn sie nicht ausdrücklich hörbar ist, eine Grundschicht in seinem Denken und Schreiben.
Sein Aufenthalt in Österreich bedeutete eine wichtige Vertiefung, sowohl musikalisch als auch in seinem Verständnis für die Funktionsweise des Kultursektors. Gleichzeitig liegen seine Wurzeln in seiner Jugend in Wevelgem, wo er aktiv in der Harmoniemusik Eigen Schoon war und später in einer Bigband; diese Erfahrungen wirken bis heute in seiner Praxis als Ausführender nach. Auch im Platynus Ensemble, dem er als Pianist bis 2018 angehörte, konnte er sich weiterentwickeln, indem er eng an der Schaffung neuer Werke beteiligt war. In diesem Kontext wuchs sein Verständnis für die Beziehung zwischen Komponist und Ausführendem, mit Aufmerksamkeit für Notation und praktische Machbarkeit, aber auch für den physischen Charakter der Musik: Atmung, Phrasierung und Körperlichkeit, die auch beim Komponieren eine Rolle spielen.
Klang, Raum und die Posaune
Dieser physische und greifbare Aspekt kommt in seinem Werk für Posaune stark zum Ausdruck. Das Instrument ermöglicht es ihm, Tonhöhen durch Glissandi gleiten zu lassen und die Klangfarbe mit Dämpfern zu manipulieren, während er mit Tonzentren arbeitet, die sich allmählich verschieben und so Bewegung erzeugen.
Das Concerto schrieb er für Posaunist Bram Fournier, mit dem er eng im Ensemble I SOLISTI zusammenarbeitet. Das Werk ist explizit auf die Solistin zugeschnitten. Während des Komponierens behielt er dessen Klang und Spielweise ständig im Auge, wodurch das Concerto in gewisser Weise für diesen spezifischen Musiker geschrieben ist.
Die Solopartie ist virtuos und anspruchsvoll, mit Passagen, die auf der Grenze der Machbarkeit balancieren und auch physisch anstrengend sind. Durch die Länge des durchcomponierten Werkes und die Verwendung der hohen Lage wird das Stück zudem eine Ausdauerprobe. Gleichzeitig spielen technische Elemente wie Dämpfer, darunter eine Wah-Wah-Dämpfer mit ausgeschriebenen Handbewegungen, eine wichtige Rolle in der Klangpalette.
Eine zentrale Rolle spielt die Beziehung zwischen Solist, Orchester und Raum, von Neyrinck als die „Physiognomie" der Besetzung beschrieben: die Art und Weise, wie Instrumente sich zueinander und zum Raum verhalten. Im Concerto werden zwei Posaunen im Saal platziert, wodurch sich das Publikum mitten im Klangfeld befindet und Klänge von verschiedenen Seiten zu kommen scheinen. So entsteht ein Spannungsfeld zwischen intimen räumlichen Momenten und mehr frontalen Orchester-Passagen. Die drei Posaunen funktionieren als Stimmen, die im Raum miteinander kommunizieren und ineinander fließen innerhalb eines durchcomponierten Ganzen, ohne Unterbrechungen zwischen einzelnen Teilen.
Inspiration und strukturelles Denken
Eine wichtige Inspirationsquelle für das Werk ist das Okapi, das nicht als Erzählstrang verwendet wird, sondern als Klang- und Strukturausgangspunkt. Die sogenannten „Okapi Calls" beziehen sich auf niedrige Frequenzen und werden unter anderem in Passagen im tiefen Register übersetzt, in denen der Klang der Posaunen fast physisch spürbar wird. Dies drückt sich unter anderem in der Verwendung sehr tiefer Pedaltöne aus, die auf Frequenzen verweisen, die für Menschen kaum hörbar sind.
Gleichzeitig nutzt Neyrinck Merkmale des Tieres, um die Gesamtstruktur des Werkes zu gestalten, ohne dabei ein narratives oder wissenschaftliches Gerüst zu schaffen. Darüber hinaus lässt er sich von bildender Kunst inspirieren, insbesondere von den Werken von Wassily Kandinsky und Paul Klee, sowie von Igor Stravinsky, der über verschiedene Stile hinweg seine eigene Stimme beibehielt.
Der Kompositionsprozess geht normalerweise von einer Skizze aus, die als Orientierungshilfe dient, wird aber während des Schreibens ständig angepasst und verfeinert. Neyrinck schreibt alles von Hand aus und arbeitet die Partitur dann am Computer aus, um sie fertigzustellen. Oft entsteht das Werk im Dialog mit Ausführenden, wobei durch Gespräche und Ideen ein erster Ansatz weitere Form erhält. Er bleibt während des Prozesses in Kontakt mit dem Solisten, was auch bestimmt, wie sich das Werk entwickelt.
Zweifel spielen dabei eine Rolle, ebenso wie die Bedeutung von Material, das am Ende verschwindet. Dieses Material kann neue Richtungen eröffnen und so zur weiteren Entwicklung des Werkes beitragen. Auch wenn der Schreibprozess mühsam verläuft, arbeitet er bewusst weiter, auch an Material, das später gestrichen wird, weil dies neue Erkenntnisse liefert.
Neue Musik als Bewegung
Für Frederik Neyrinck soll der Hörer das Werk frei angehen können. Das Okapi kann einen Zugang bieten, aber verpflichtet zu nichts. Er betont, dass jeder anders hört und dass es keine richtige oder falsche Interpretation gibt. Der abstrakte Charakter der Instrumentalmusik lässt Raum für persönliche Auslegung, und diese Offenheit ist Teil seiner musikalischen Sprache.
Neue Musik sieht er als notwendigen Bestandteil eines lebendigen musikalischen Geflechts, in dem Kreativität das Repertoire in Bewegung hält. Bezeichnungen und Kategorien sind für ihn weniger relevant als die Tatsache, dass Musik existiert und klingt. Die Spannung zwischen Tradition und Erneuerung betrachtet er nicht als leitend, sondern als etwas, das von anderen gefüllt wird.
Komponieren ist für ihn kein Endpunkt, sondern ein Prozess in Bewegung. Er legt dabei den Schwerpunkt auf die Gegenwart: Musik muss heute Bedeutung haben und zum musikalischen Feld beitragen, eher als auf dauerhafte Anerkennung auf lange Sicht ausgerichtet zu sein.
Ausblick
Mit der Welturauffführung im Blick freut sich Frederik Neyrinck auf die erste Aufführung und die Proben, die er als eine Phase betrachtet, in der sich das Werk weiter entwickelt. In Zusammenarbeit mit Dirigent Martijn Dendievel und den Ausführenden werden noch Anpassungen vorgenommen, während klare Notation Raum für Interpretation lässt. Die erste Aufführung wird seiner Meinung nach neue Erkenntnisse liefern, mit sowohl Bestätigungen als auch Überraschungen.
Festivals bieten ihm zufolge einen wichtigen Kontext für neue Musik, da sie dem Publikum die Möglichkeit geben, sich in kurzer Zeit in verschiedene Werke zu vertiefen. Innerhalb der Programmation sieht er zudem eine bildende Dimension, bei der Titel und Assoziationen die Vorstellung des Hörers anregen können. Neben diesem Werk freut er sich auf andere Projekte, darunter Adem De Stad mit I SOLISTI. Was ihn weiter antreibt, ist die Suche nach neuen Klangwelten und Zusammenarbeit.
Für Neyrinck bleibt Komponieren eine Bewegung – ein Prozess, in dem sich Musik ständig entwickelt und Form erhält in der Begegnung zwischen Komponist, Ausführender und Hörer.
Klassik Zentral freut sich schon auf die Welturauffführung seines Concerto für Posaune und Orchester und wird darüber berichten. Wer als Vorgeschmack gerne einige andere Werke anhört, kann hier vorbeischauen: https://soundcloud.com/frederik-neyrinck und https://open.spotify.com/artist/1OksC50mLm7lB2q3kCt4GV?si=j1bWaEJLS0yzl1pkRbMJEA&nd=1&dlsi=344d1370a3f040c3