Bjarte Eike: die Synergie zwischen Barock und Folk

Barokkgeiger Bjarte Eike erweitert die Grenzen der klassischen Musik, sucht ständig nach neuen Projekten im Grenzgebiet der Genres und erreicht ein neues Publikum mit seinem ansteckenden Spiel und Stil. Als künstlerischer Direktor von Barokksolistene hat er neue und innovative Konzepte geschaffen, wie The Alehouse Sessions; die Erforschung von Musik des 17. Jahrhunderts aus englischen Pubs und Tavernen. Diese Sessions wurden nun zu dem Album The Playhouse Sessions bearbeitet. Und später in diesem Monat kommen Eike und Barokksolistene nach Hasselt, wo sie eine Bearbeitung des Programms unter dem Titel The Nordic Sessions aufführen.

Die Kombination von einer historisch informierten Aufführungspraxis mit Geschichten und theatralischen Elementen ist ein einzigartiges Konzept. Wie sind Sie auf dieses Konzept gekommen?

Zunächst vielen Dank. The Playhouse Sessions ist ein Projekt, das in dem früheren Projekt The Alehouse Sessions verwurzelt ist. Dieses Projekt machte ich zum ersten Mal 2007 für ein Festival in Norwegen, wo wir ein englisches Thema hatten. Wir veranstalteten allerlei Konzerte mit dem Thema London um das Jahr 1700 und ich wollte etwas mit dem Ankerpunkt der britischen Gesellschaft machen, nämlich dem Pub. Pubs haben eine lange Geschichte und spielten sogar eine wichtige Rolle für die Musikentwicklung im 17. Jahrhundert. Während ich meine Recherchen anstellte, fand ich dieses Buch The Complete Country Dance Tunes from Playford's Dancing Master (1651). Es ist ein Katalog mit nur Melodien, abgeleitet von Tänzen. Keine Arrangements oder Harmonien aufgeschrieben, einfach ein Buch voller populärer Melodien. Und weil ich einen Hintergrund in Volksmusik habe - ich spielte zum Beispiel in einer irischen Session-Band, als ich studierte - schien es mir interessant, diese Tradition neues Leben einzublasen.

Um ein Programm rund um dieses Konzept zu konstruieren, begann ich mehr zu lesen. Nicht nur musikalische Forschung, sondern auch historisch und sozioökonomisch. So las ich unter anderem The English Alehouse: A Social History, 1200-1830 von Peter Clark und zeitgenössische Zeugnisse darüber, wie die öffentlichen Theater unter der Herrschaft von Oliver Cromwell (1599-1658) schlossen. Es entstanden unglaubliche Geschichten, denn als diese Theater schlossen, wurden Musiker gezwungen, in diesen Pubs aufzutreten, um Geld zu verdienen, um zu überleben. Pubs wurden ein Treffpunkt für die hohe und niedere Klasse, um Musik zu hören. In dieser Umgebung wurde jeder gleich.

Ich wollte diese komplexe aber interessante Geschichte des Pubs als Hintergrundgeschichte. Es ist eine Umgebung, die keine Grenzen bei der Art der Musik setzt, die man aufführen kann. Wenn man in einer Kirche ist, muss man Musik aufführen, die etwas mit Religion oder der Kirche selbst zu tun hat. Oder wenn man in einem Schloss auftritt, muss man vielleicht etwas tun, das in diesem Kontext angemessen ist. Aber hier, in den Pubs, stehen alle auf gleicher Augenhöhe und es gibt einen freien Raum zum Diskutieren, Reden, Trinken, Tratschen und gemeinsamen Musikmachen. Alles vermischt sich, was ein wunderschönes Bühnenbild für unsere informellen Experimente bildet.

Weil ich jahrelang als freischaffender Musiker in Europa gearbeitet habe, traf ich allerlei interessante Menschen in verschiedenen musikalischen Umgebungen. Was alle Musiker, mit denen ich in den Alehouse-, Playhouse- und Nordic Sessions arbeite, gemeinsam haben, ist, dass sie Interessen und Fachkenntnisse haben, die über „nur" Instrumentalist oder Sänger sein hinausgehen. Steven Player zum Beispiel spielt Gitarre und tanzt mit uns - aber er ist auch ein großartiger Schauspieler und Geschichtenerzähler mit einem Hintergrund in Straßentheater. Tom Guthrie, einer unserer Leadsänger, ist auch Regisseur. Per Buhre spielt Viola, singt Leadsang, macht Apfelwein und ist ein fantastischer Fotograf. Helge A. Norbakken, Schlagzeug, ist ein erfahrener Dampflokomotivführer... es gibt lustige Fakten und wunderbare Geschichten, die mit jedem in der Band verbunden sind. Meine größte Herausforderung ist, wie ich ihnen allen die Zeit geben kann, um auf der Bühne so zu glänzen, wie sie es verdienen.

Zusammen schaffen wir Workshops, bei denen wir zum Beispiel in die Berge oder den Wald gehen. Wir verbringen unsere Zeit damit, persönliche Verbindungen aufzubauen und musikalisch aufeinander einzuspielen. Wir kochen zusammen, trinken zusammen, tanzen zusammen, haben Gesangsunterricht und viele kreative Workshops zum Thema Improvisation.

Es ist ein sicherer Raum mit vielen kreativen Beiträgen von jedem. Wir probieren einfach neue Dinge aus. Man lernt sich wirklich gut kennen, lernt die Leute privat kennen, unsere Familien lernen sich kennen und wir sind wie eine Familie geworden. Meine Rolle in der Band ist die eines Initiators und allgemeinen künstlerischen Schöpfers, der bei jedem Konzert sagen darf, was drin ist und was raus. Wenn wir auf Tournee sind, bringen wir unseren familienähnlichen sicheren Raum auf die Bühnen und halten unsere musikalische Band lebendig - etwas, das bei den meisten Zuschauern auf guten Boden fällt.

Wann begann die Idee zu reifen, dieses Programm aufzunehmen?

Ich war zunächst sehr zögerlich, The Alehouse Session aufzunehmen. Es ist sehr viel eine Live-Erfahrung. Wir dachten an zwei verschiedene Konzepte. Entweder machen wir eine Live-Aufnahme, aber dann wird es die Version von The Alehouse Session. Diese Idee wurde verworfen, weil ich es lebendig halten wollte und jedes Konzert einzigartig sein sollte. Denn vor jedem Konzert treffen wir uns eine halbe Stunde vor dem Auftritt, und ich gebe den Musikern die Setlist (welche Stücke gespielt werden und in welcher Reihenfolge). Danach lasse ich alle verschiedenen Setlists, die wir weltweit erstellt haben, in kleine schwarze Notizbücher eintragen, damit ich, wenn wir erneut zu einer Halle eingeladen werden, verschiedene Setlists erstellen kann. So halten wir den Auftritt lebendig und frisch. Aber wir mussten eine Art Aufnahme machen, und ich beschloss, die Nummern und Arrangements zu wählen, von denen ich dachte, dass sie am besten funktionieren würden, und ging ins Studio. Die Aufnahme The Alehouse Sessions war sehr erfolgreich mit Auszeichnungen (Opus-Preis in Deutschland 2018) und verschiedenen Nominierungen sowie begeisterten Rezensionen.

Die große Frage des Publikums, unseres Plattenlabels, von Agenten und Promotern war in den letzten Jahren: Wann kommt dein nächstes Album? So fing ich an, über das nachzudenken, was The Playhouse Sessions hat. Ich sehe The Alehouse als einen Raum, den ich immer wieder renovieren kann – oder als einen Baum mit Ästen, die immer wieder wachsen. The Playhouse ist einer dieser Äste. Dieser Baum hatte natürlich bereits ein paar Äste. Wir haben zum Beispiel eine Theaterproduktion von The Alehouse gemacht, die wir „the opera pub" nannten (für eine Gesellschaft in Dänemark); und zusammen mit einer Theatergesellschaft in Norwegen machten wir A midsummer night's dream, wobei wir Shakespeares Drehbuch bearbeiteten und Musik von The Alehouse, Purcell und eigenen Kompositionen integrierten. So haben wir auch andere Äste mit verschiedenen Produktionen von Purcells Dido and Aeneas geschaffen. Wir haben Dido mit Puppen aufgeführt, als Ballettproduktion (Norwegisches Nationalballett) usw. All diese verschiedenen Projekte haben gemeinsam, dass wir Musiker auf der Bühne stehen und in Rollen aktiv zur Handlung jeder Geschichte beitragen, anstatt in dem traditionellen Orchestergraben zu sitzen.

Mit dieser Aufnahme haben wir also einen anderen Ast geschaffen. Anstatt das naheliegende The Alehouse Session 2 daraus zu machen, wollten wir auch Elemente aller anderen Projekte integrieren, die wir in den letzten Jahren gemacht haben. Darüber hinaus wollten wir unsere Liebe zu Purcell betonen. Er ist wie der Shakespeare der Musik, wo er Musik aus den höheren und niedrigeren Klassen der Gesellschaft verbindet. Meiner Meinung nach wird Purcell oft viel zu ernst genommen, manche Menschen versuchen, ihn mehr wie Händel oder Bach klingen zu lassen, also wollten wir uns in seine verspielte und volkstümliche Seite vertiefen. Diese drei Elemente – zusätzliches Alehouse-Material, eigene Kompositionen aus unseren Theaterdramen und die Musik von Purcell – kamen alle auf diesem Album zusammen.

Mit all diesen verschiedenen Elementen, wie hast du die Reihenfolge dieses Programms aufgebaut?

Das war meine nächste Herausforderung: eine Reihenfolge zu finden, um sie zu spielen. Anstatt die verschiedenen musikalischen Quellen abzuwechseln, beschloss ich, eine musikalische Reise zu schaffen. Es ist eine Art abstraktere Version von A midsummer night's dream / Fairy Queen, in der du die Feenkönigin Titania triffst, ihre Feendiener begegnest, wenn sie sie in den Schlaf singen, ihren Traum, und das Album endet mit dem Schlussprolog von Puck. Ohne allzu in-your-face zu sein, habe ich versucht, diese Erzähllinie zu schaffen. Als eine Art innere Erzählung.

Du hast auch einige eigene Kompositionen integriert. Waren dies Stücke, die du speziell geschrieben hast, um eine Linie in der Geschichte fortzusetzen, oder waren dies Stücke, die du früher komponiert hast und fandest, dass sie zur Erzähllinie passten?

Sie wurden speziell für dieses Album geschrieben. Ich habe Ideen von früheren Produktionen verwendet. Wie aus der Theaterproduktion von A midsummer night's dream. Zum Beispiel, You Spotted Snakes; Hush No More [track 08] ist eine Kombination aus „You spotted snakes", wo die Feen für Titania singen, dass wenn sie einschläft, in „Hush no more" übergeht, wo wir alle singen.

Das ist etwas anderes, das wir für dieses Album getan haben. Ich wollte keinen professionellen Chor engagieren, um diese Stücke zu singen. Ich wollte, dass wir sie singen würden, denn das ist, was wir live tun. Und darin werden wir immer besser. (lacht)

Du hast von Live versus Studio gesprochen. Wie hat die Veränderung der Umgebung dein Musikspiel beeinflusst? Oder hast du einige Musik angepasst?

Die Live-Version und die aufgenommene Version vertreten beide dasselbe: wer wir sind, was wir sagen und wie wir gehört werden möchten. Aber man kann die Musik nicht auf die gleiche Weise angehen. Wenn wir live spielen, kann alles passieren. Je nach Einstellung und Stimmung können wir lange Improvisationen machen. Oder wenn jemand einen Fehler macht, lachen wir auf der Bühne darüber. Plus wir haben eine Choreografie darüber, wie wir uns bewegen und so. Das sind Elemente, die für ein Publikum sehr sinnvoll sind, um sie anzuschauen, aber die auf einer Aufnahme keinen Platz haben.

Gleichzeitig versuchen wir für diese Aufnahmen die Essenz und den authentischsten Aspekt der Melodie zu finden. Das Ziel ist es, aufgenommene Tracks zu präsentieren, die so interessant sind, dass Menschen sie wiederholt hören werden. Dafür müssen wir vielleicht auf ein oder zwei wichtige Merkmale hinzoomen. Wie ist der Schlagzeugteil in diesem?; was wäre, wenn wir uns auf die Rhythmen konzentrieren, die eigenartig sind?; lassen Sie uns diese Wiederholung überspringen und es kondensierter machen.... Diese Art von Anpassungen wurde während des Aufnahmeprozesses überlegt.

Das Album ist jetzt auf CD und bald auch auf Vinyl erhältlich. Aber ich schaue, ob ich eine Dolby Atmos-Version davon machen kann, um das Gefühl des auditiven Raums, den ein Live-Auftritt bietet, nachzubilden. Die Arrangements unserer Musik können ziemlich dicht sein, mit vielen verschiedenen Instrumenten, die relativ einfache Melodien spielen. Mit dieser Technologie können Sie mehr Raum in die Musik schaffen, indem Sie beispielsweise die Instrumente digital durch den Raum verteilen, was zu einem immersiven Klangerlebnis zu Hause oder in den Kopfhörern der Menschen führt.

Bei Klassiek Centraal haben wir eine Playlist namens Selectie van de redactie, in der wir für unsere Leser Tracks aus besprochenen CDs zusammenstellen. Jedes Mal wählen wir nur einen Track. Also meine letzte Frage an Sie: Wenn Sie einen Track wählen müssten, um diese Playlist hinzuzufügen, welche Nummer würden Sie wählen und warum?

Oh, das ist sehr schwierig. Besonders wenn man so lange mit einem Programm arbeitet. Ich werde es schon leid. Nein, Spaß. (lacht) Nein, das ist schwierig, weil ich finde, dass es repräsentativ für das Projekt sein sollte. Es könnte The Three Ravens [track 06] sein, weil es eine alte, traditionelle englische Melodie ist mit einem unserer charakteristischen Arrangements. Plus sie hat Per Buhre als Leadsänger, der auch der Leadsänger für The Nordic Sessions in Hasselt sein wird. Oder anders You Spotted Snakes; Hush No More [track 08], weil es die theatralische Flair hat. Plus es legt die Verbindung zu Shakespeare und Purcell. Es hat diesen wunderschönen Flow von einem abstrakteren Intro in "You Spotted Snakes", und geht dann in das verführerische Refrain von "Hush No More" über.

Am 26. Oktober spielst du The Nordic Sessions im Kulturraumzentrum Hasselt. Ich konnte keine Informationen über dieses Programm finden. Stimmt es, dass es eine Version von Alehouse ist, aber dann mit norwegischen Melodien? Was dürfen wir während der Aufführung erwarten?

The Nordic Sessions ist ein anderer Zweig des Alehouse-Booms. Ein ziemlich neuer, eigentlich. Deshalb gibt es noch nicht viel aufgeschriebene Informationen. Offiziell haben wir es nur ein oder zwei Mal gespielt.

Es hat die Alehouse-Elemente in sich. Das heißt, es sind einige der gleichen Spieler, aber der Fokus liegt auf der skandinavischen Szene und Melodien aus dem 17. und 18. Jahrhundert. Wenn du ein skandinavisches Volksprogramm in einem historischen Kontext machst, muss der Konflikt zwischen Land- und Stadtmusik behandelt werden. In den Städten hast du die Bourgeoisie, die gute, deutsche Musik hört. Es ist sehr schick und verfeinert. Andererseits hast du Musik vom Land, wo sie Instrumente wie die Hardangervedel spielen. Also, neben meiner normalen Violine, werde ich dieses achtsaitige Instrument in The Nordic Sessions verwenden. Die Melodien werden eine Mischung aus alten, ländlichen Melodien und diesen Stadtmelodien sein. Einige der Texte und Geschichten, die wir verwenden, sind vom schwedischen Dichter Carl Michael Bellman (1740-1795), der unglaublich lustige Texte über das Betrunken sein schrieb. Seine Texte werden mit Geschichten aus Norwegen, Dänemark und Schweden kombiniert. Es wird also viel gesungen und getanzt - wahrscheinlich auch ein bisschen getrunken - und das alles mit einem Fokus auf die skandinavische Szene.

Video von The Nordic sessions, mit Bellmann

• WER: Barokksolistene u.L.v. Bjarte Eike
• WAS: The Playhouse Sessions
• AUSGABE: RUBICON RCD1096
• BESTELLEN: JPC

The Nordic Sessions in Hasselt

• WANN: 26. Oktober 2022
• WO: Cultuurcentrum Hasselt

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