Lebendige Aufführungen ließen die schwülen Abende glänzen

Die letzte Woche des Queen Elisabeth Wettbewerbs für Cellisten 2026 war heiß – sowohl für das Publikum als auch für die Aufführenden. Während eine Hitzewelle Brüssel während des Finales heimsuchte, fächerten sich Zuschauer mit Papierfächern Luft zu, wischten Solisten sich Stirn und Instrumente ab und der Schweiß tropfte wie Regen von der Nase des Orchesterdirigenten.

So hoch die Temperatur auch stieg, es war bemerkenswert zu sehen, wie die Finalisten mit großer Gelassenheit die Bühne betraten und voller Leidenschaft auftraten, ohne zu wanken. Von Teilnehmern auf so hohem Niveau wird professionelle Haltung erwartet, aber diese Solisten gingen noch einen Schritt weiter. Auf ihren Höhepunkten zeigte der Wettbewerb Originalität der Interpretation, große technische Virtuosität und eine symbiotische Zusammenarbeit mit dem fleißigen Belgian National Orchestra.

Publikumsatmosphäre

Die Gesamtstimmung des Publikums veränderte sich an jedem Abend des Wettbewerbs. Am ersten Abend herrschte gespannte Erwartung, als die ersten beiden Performer die Herausforderung annahmen, einen guten ersten Eindruck zu hinterlassen. Wir hörten das Pflichtwerk, Fang Mans Four Odes to the Tidings of Flowers, zum ersten Mal in zwei verschiedenen Interpretationen, zusammen mit Konzerten von zwei völlig unterschiedlichen Komponisten: Maria Zaitseva führte das Publikum durch ein Stück von ähnlicher Natur wie das Pflichtwerk, Henri Dutilleux' Tout un monde lointain. Mit innovativer Phrasierung bot Lionel Martin das einzige Werk aus der Romantik der Woche, das Publikumsliebling Konzert Nr. 2 von Antonín Dvořák. Das Publikum diskutierte, wie sich die nächsten Kandidaten entwickeln könnten, während sie sich in den grotesken Außenkammern des Bozar versammelten, mit nur zwei Aufführungen zum Vergleich.

An den folgenden Tagen gab es wenig frische Luft, aber die Finalisten erfrischten die Atmosphäre mit neuen Ideen über Fang Mans Komposition und das Thema der vier Jahreszeiten, die vier Blumenarten entsprechen. Einer rief einen fast romantischen Phrasierungsstil hervor, während ein anderer die Streicher heftig spielte, um das Drama zu betonen. Einige spielten gleitende Noten mit der Trockenheit eines gefallenen Blattes, während andere die Töne rundeten. Da jeder Teilnehmer die Reihenfolge der Teile im Pflichtwerk wählen durfte, hörten wir einige Aufführungen mit der hellen Solopassage des Winterteils beginnen, während andere mit dem dramatischen Gongschlag endeten, einige begannen mit den meditativen Harmonien des Frühjahrsparts und einige endeten mit dem letzten, anhaltenden Akkord des Herbsts.

Gutes und irritierendes Verhalten

Vielleicht war die leichte Abkühlung am Dienstagabend der Grund, dass einige Publikumsmitglieder zwischen den Teilen von Sergej Prokofjeffs Symphonie Concertante während Yo Kitamuras Aufführung zu applaudieren begannen – ein Ausbruch, der schnell von einer Geste des Dirigenten Antony Hermus gestoppt wurde. Am Donnerstag gab es viel Unruhe und Husten im Saal, was zu einer zusätzlichen Ankündigung am Freitag führte, in der Besucher aufgefordert wurden, während des Konzerts nicht zu husten oder dies zumindest so diskret wie möglich zu tun.

Hier müssen wir einige andere Quellen der Irritation durch Mitbesucher ansprechen. Das Verhalten von Menschen, die ihren Mund während eines Livekonzerts nicht halten können, ist geradezu schrecklich. Obwohl diese Neigung bei Konzertbesuchern aller Altersgruppen zu sehen ist, müssen wir besonders zwei modische junge Frauen hervorheben, die fast die ganze Woche über flüsterten und kicherten und ihr Gespräch sogar während stiller Musikstücke fortsetzten. Sie reagierten nicht auf einen strengen Blick und das leise gemurrmelte "Psst!". Sie zeigten auch keine Scham, als sie in der Pause persönlich gebeten wurden, während der Musik still zu sein.

Reden während einer Aufführung zeugt von flagrantem Mangel an Respekt, nicht nur gegenüber Mitbesuchern, sondern gegenüber jedem Künstler, der hart daran arbeitet, das Publikum zu unterhalten. Niemand geht zu einem Konzert, um das Geplauder anderer zu hören. Es ist nicht erwachsen oder angemessen, sich so zu verhalten, als wäre der Konzertsaal das eigene Wohnzimmer oder ein geeigneter Ort für TikTok-ähnliche Reaktionen. Wer während des Konzerts sprechen möchte, sollte besser von einem anderen Ort aus zuschauen, wo er oder sie andere, die die Livemusik genießen möchten, nicht stört.

Trotz täglicher Warnungen, Mobiltelefone vor jeder Aufführung auszuschalten, war am Freitagabend während Leland Kos ansonsten bezaubernder Aufführung deutlich ein Klingelton zwischen den Teilen des Pflichtwerks zu hören. Obwohl der Solist sich durch die Unterbrechung nicht gestört zu fühlen schien, war es eine traurige Erinnerung daran, dass einige Zuschauer ihr Mobiltelefon nicht loslassen können. Warum ist es so schwer, einer klaren Bitte nachzukommen?

Die Brillanz des Spiels überschattete diese Ablenkungen jedoch. Obwohl es wahr ist, dass eine trockene oder weniger abwechslungsreiche Interpretation dazu führen kann, dass die Gedanken während langer Konzertteile abschweifen, gab es einen so großen Unterschied im Stil zwischen den Finalisten, sowohl in ihrer physischen Bewegung als auch in ihrer musikalischen Expression, dass jede Form von Ablenkung mehr als überflüssig war.

Weniger Variation in ausgewählten Konzerten ermöglicht einerseits bessere Vergleiche, andererseits Originalität

Jede Aufführung weckte neue Neugier. Obwohl beide am Donnerstag Schostakowitschs Erstes Konzert spielten, kontrastierte die zurückhaltende, introspektive Aufführung von Dilshod Narzjillaev scharf mit dem klaren, energischen Stil von Álvaro Lozano Cames. Ganze vier Finalisten entschieden sich dafür, dasselbe Konzert von Schostakowitch zu spielen, während drei andere Prokofjews Symphonisches Konzert Op. 125 aufführten. Zwei Finalisten spielten Henri Dutilleux. Das ermöglichte direkte Vergleiche zwischen den Kandidaten, führte aber auch dazu, dass die anderen Stücke hervorgehoben wurden: Konzerte von Dvořák, Samuel Barber und Witold Lutosławski wurden jeweils nur einmal aufgeführt und hielten die Aufmerksamkeit des Publikums mit ihrer Originalität fest.

Während der Pausen strömte das Publikum in die Gänge, um sich ein Getränk zu nehmen und den Fernsehmoderatorenzu zusehen, die in ihren offenen Studios inmitten des Trubels Interviews führten, um ihre Meinung zu besprechen. Obwohl eine Jury anspruchsvoll sein muss und sich an die Regeln halten muss, um über triviale Überlegungen hinauszugehen, ist jedes Detail für den Zuschauer interessant. Die kraftvollen Verbeugungen von Andrew Ilhoon Byun wurden bemerkt, ebenso wie das Auf und Ab seines üppigen Haares. Auch die Mode kam zur Sprache: Lozano schien die Hitze trotz seines samtig weichen Samtsakkos und seiner Lackschuhe nicht zu spüren, während Clara Dietlins scharlachrotes Ensemble und Tae-Yeon Kims rosa Outfit hell auf einer Bühne leuchteten, auf der die meisten Künstler dunkle Farben trugen.

Der eine pries Ettore Paganos leidenschaftlichen Stil, während ein anderer Kims Ansatz deutlich überlegen fand. Es gab Uneinigkeit darüber, ob Kos überschwängliche physische Bewegungen reines Showmanship waren oder vollkommen natürliche musikalische Expression. Als Kim die beeindruckenden Schlussnoten von Lutosławskis Konzert spielte, kochte die Spannung im Konzertsaal über.

An diesem Punkt endeten unsere direkten Beobachtungen in der Henry Le Boeuf Halle selbst, da das Erreichen des Zuges Vorrang vor dem Warten auf das Urteil der Jury hatte. Der Name "Ettore Pagano" erklang zu Hause wie eine vertraute Begrüßung, und anschließend wurden die Namen der übrigen Preisträger im Fernsehen bekannt gegeben und die Diskussion über die Verdienste der Kandidaten setzte sich fort. Diese jungen Künstler haben uns eine sehr ermutigende Vision für die Zukunft des Cellospiel gegeben.

Gibt es noch eine Zukunft?

Es ist wichtig zu erwähnen, dass die Zukunft keineswegs garantiert ist. An jedem Abend des Finales gaben Studierende des Königlichen Konservatoriums Brüssel eine Reihe von Aufführungen außerhalb des Bozar, in dem, was sie ein Requiem für die Kultur nannten. Damit wollten sie die Aufmerksamkeit auf die erhebliche Erhöhung der Studiengebühren für Studierende von außerhalb des Europäischen Wirtschaftsraums lenken, von 9.000 auf 17.500 Euro mit sofortiger Wirkung, also auch für jene Studierenden, deren Studienjahr diesen Juni endet, was es für internationale Studierende viel schwieriger machen wird, die Schule zu besuchen.

Die beeindruckenden Talente, die diese Studierenden zeigten, waren eine kraftvolle Erinnerung an die Bedeutung der Unterstützung von Musikunterricht, auch während deren Ergebnisse im Konzertsaal gefeiert wurden. Die glänzenden Beispiele von Technik und Interpretation in einem hochrangigen Wettbewerb sind nur möglich, wenn junge Menschen die Chance haben zu lernen und sich weiterzuentwickeln. Die Ausbildung zukünftiger Generationen von Musikern kann dafür sorgen, dass das Publikum zukünftige Ausgaben des Königin-Elisabeth-Wettbewerbs genauso genießt wie die beeindruckende Besetzung dieses Jahres.