Pendant cette semaine de la musique belge (31/01 – 06/02), les compositeurs du pays sont mis sous les projecteurs.

Nous avons discuté avec le Maestro Dirk Brossé, une figure de proue du milieu artistique et membre d'un cénacle intellectuel unique. Il a récemment fêté ses 60 ans et ses 40 années de carrière musicale, une trajectoire brillante et ascendante. Il reste extraordinairement actif malgré le passage du temps. Sa vie se partage entre la composition et la direction d'orchestre. La musique est universelle. Il a transcendé les frontières belges et divise son temps entre son domicile et son lieu de travail à Destelbergen, et Philadelphie où il est depuis 2009 directeur musical du Chamber Orchestra of Philadelphia, un orchestre de premier plan. Il est également directeur musical du Festival du film de Gand et professeur de direction et composition à l'École des arts de Gand. Entre ces responsabilités, il se produit comme chef invité auprès des orchestres les plus prestigieux du moment. Un citoyen du monde. Partout où il va, il est bienvenu car il part du respect et de l'éthique, transformant cela avec son énorme maîtrise technique en concerts magnifiques et mémorables.

Dans ses compositions, Brossé fait preuve d'une polyvalence remarquable. Avec des éléments de musique classique, de musique folklorique, de jazz, de pop et de comédies musicales, il a construit une œuvre multidisciplinaire. Sa musique passionnée, à la fois érotique et dramatique, témoigne d'un talent compositionnel sans précédent. Il a écrit énormément et sa créativité continue de jaillir sans relâche. Absorbé par la musique, il a extrêmement peu de temps libre. Pour Klassiek Centraal, il en trouve quand même. Nous explorons sa personnalité et tentons de capturer quatre décennies de musique en questions et réponses dans un voyage dans le temps, le présent et un regard vers l'avenir.

-Vous avez grandi dans une famille de classe moyenne où l'art et la culture avaient peu de place. Comment votre passion pour la musique est-elle née?

Depuis l'enfance, j'ai été fasciné par les instruments et leurs sonorités particulières. J'ai grandi dans un petit village avec peu de contacts extérieurs. Nous devions nous occuper nous-mêmes. À chaque Saint-Nicolas, je demandais un instrument : j'ai eu un accordéon, une mélodica... Vers l'âge de huit ans, nous regardions à la télévision un programme néerlandais Jeunes talents en route vers la scène de concert. Il y avait un garçon de mon âge qui jouait « Il Silenzio » à la trompette. C'est là que j'ai senti : je veux faire la même chose.

‐Vous avez commencé comme instrumentiste. Était-ce immédiatement clair que vous souhaitiez devenir compositeur?

Vers l'âge de huit ou neuf ans, je suis allé à l'école de musique. J'ai très rapidement intégré l'harmonie locale. Notre chef d'orchestre était un musicien professionnel qui jouait de la flûte traversière. C'est là que j'ai eu ma première pensée consciente d'avoir la créativité nécessaire pour composer moi-même. Mes premières compositions datent de l'époque où j'avais douze ou treize ans. Bien sûr, c'était des choses très simples. L'ambition de diriger un jour mon propre orchestre était déjà présente en moi de manière souterraine.

-L'un de vos grands modèles était le compositeur, chef d'orchestre, pianiste et pédagogue américain Leonard Bernstein. Vous avez en quelque sorte suivi ses traces. Il y a beaucoup de parallèles.

Il y a effectivement des parallèles. Il a inspiré des générations entières : des mélomanes, des jeunes gens comme moi. Cet homme avait un charisme incroyable, des qualités remarquables, était si doué dans tous les aspects de la musique ! Véritablement un génie. J'avais en réalité plusieurs illustres modèles. Le premier était François Glorieux. En quelque sorte un électron libre si l'on considère l'ensemble de sa carrière. Au lycée, nous sommes allés à un concert de Jeunesse et Musique. C'était « The François Glorieux Panoramic Trio Plays Glorieux ». Il avait conçu un programme spécial pour la jeunesse et parlait de ses lointains voyages. Tout ce dont a besoin un jeune homme de treize ou quatorze ans pour transformer une petite étincelle en flamme ardente. Le premier compositeur que j'ai aussi rencontré en personne ! John Williams m'a également influencé, mais Bernstein a laissé la plus grande empreinte sur moi.

‐Vous êtes actif dans de nombreux domaines, est-ce dû à une forte dose d'indépendance d'esprit ou d'entrepreneuriat?

Un mélange des deux, je pense. Mes parents étaient petits entrepreneurs. De la maison, on m'a appris à ne pas miser sur un seul cheval. Si quelque chose disparaît, on peut se rabattre sur le reste. Mais j'exerce les différents éléments de mon métier avec autant d'amour et de passion. La direction et la composition dans différents genres. Je suis passionné par l'art et la musique ethniques. La littérature m'attire aussi. Ce n'est pas que j'écris moi-même, mais j'utilise la littérature.

‐Comme source d'inspiration?

Exactement. Ce qui nous attire ou nous parle varie d'une personne à l'autre.

-Un état d'esprit. L'art, en tant que forme d'expression, est largement une dynamique de développement. L'art fait réfléchir. L'art montre ce qui n'est pas vu ou perçu autrement.

Un état d'esprit en effet. Nous parcourons ce monde et voulons profiter de tout. L'expérience est une chose extrêmement personnelle. Demandez à cinq personnes de regarder un tableau ou une sculpture, ou posez des questions à des témoins d'un accident. Vous obtiendrez cinq histoires différentes !

-Quels ont été les moments clés de votre carrière ?

Il y a eu plusieurs moments clés, tant intérieurs qu'extérieurs. Les personnes qui croisent votre chemin dans la vie sont souvent déterminantes pour votre développement. Ce ne sont pas des jalons, mais ils vous marquent. J'ai autrefois assisté à des cours donnés par Bernstein. Quand cet homme entrait quelque part, je vous l'assure, ça faisait des étincelles ! Ce sont des moments qui vous restent. Maintenant que je vieillis, je réalise aussi que cela a beaucoup à voir avec la perception. Les carrières sont bien sûr basées sur une motivation interne, sur le talent, mais aussi sur les médias. Sur la façon dont on parle ou non d'une certaine personne. C'est une addition. Il y a aussi la rencontre avec mon idole de jeunesse, le compositeur de musique de film John Williams. Quand vous rencontrez une telle personne et que vous lui parlez en face à face. Ce sont des moments que vous chérissez. Plus tard, nous sommes devenus très amis. Vous finissez par vous habituer à de telles rencontres, parce que ce ne sont que des gens après tout. D'autres moments importants sont quand vous composez une œuvre et que vous l'exécutez pour la première fois. Vous la lâchez pour la première fois, c'est un moment presque indicible.

-Après une création, quel sentiment monte : la satisfaction ou le chemin parcouru est-il plus important ?

Ce dernier, tout le chemin parcouru. La première pensée, de la première à la dernière note que vous posez sur le papier. Le plus important est tout le processus de création et le processus de réflexion qui l'a précédé. L'exécution est une autre phase. Après tout ce que j'ai déjà fait : diriger des milliers de concerts, composer des centaines d'œuvres, parcourir le monde deux fois par an... la plus grande satisfaction que je retire, c'est de diriger mes propres œuvres. Cela me donne un coup fantastique.

- « La pensée compositionnelle », comment pouvez-vous l'expliquer un tant soit peu pour un profane ?

Composer, c'est concevoir des structures sonores dans des structures temporelles. C'est un processus de pensée logique, souvent ingénieux, que vous pouvez comparer à la construction d'une fusée avec laquelle vous vous envolez vers la lune... sauf que la musique n'est pas une science exacte. C'est une combinaison de savoir, de connaissance, mais aussi beaucoup de spontanéité, d'intuition et de sentiment. L'inspiration que vous recevez et que vous retenez. Chez un poète, cela peut être un mot, une pensée, un regard... Chez un compositeur, c'est en fait la même chose.

-Les mathématiques et la musique ont-elles un lien ? Pythagore parlait déjà de mathématiques comme base de l'harmonie au VIe siècle avant Jésus-Christ.^e C'est exact, sa théorie des harmoniques. Pythagore a été le premier à montrer que chaque note fondamentale, qu'elle provienne d'une corde vibrante ou d'une gamme sonore chantante, possède une série de partiels naturels. Quand vous jouez une note fondamentale, tous ces partiels sont présents dans l'espace, même si vous ne les entendez pas toujours. Les petits enfants y sont plus réceptifs ; l'ouïe des adultes n'est plus si parfaite. C'est la base de l'harmonie classique sur laquelle repose la musique occidentale. Pour être clair, pas toutes les cultures musicales ont basé leurs théories sur Pythagore.

-La polygamie stylistique est devenue votre signature. Vous composez de la musique du monde, des symphonies, des oratorios, des lieder, de la musique de chambre, de la musique de film et de la musique pour comédies musicales.

Au fond, je fais toujours la même chose, ce sont juste les genres qui diffèrent. La musique, c'est transmettre une émotion. La musique n'est jamais abstraite. Il y a des compositeurs qui peuvent écrire de manière abstraite. Bach en est un très bel exemple. Chez moi, il y a toujours une histoire. Une ligne rouge qui traverse la composition. Que ce soit une comédie musicale, un oratorio ou une symphonie instrumentale. Cela ne change rien vraiment. La structure varie bien sûr d'une œuvre à l'autre. Je me laisse inspirer par quelque chose et le travail et le talent font le reste.

-Je vous ai entendu une fois dans un reportage dire que composer de la musique de film est l'une des choses les plus difficiles.

C'est tellement difficile parce que vous devez tenir compte de tant d'aspects qui sont en dehors de la musique. D'abord, la musique de film est un art appliqué en ce sens que vous êtes asservie au matériel visuel. Parfois, vous avez beaucoup de liberté, d'autres fois peu. Mais vous devez toujours vous adapter sur le plan technique. Le film est le médium dans lequel l'image est centrale. Parfois, la musique doit aussi tenir compte du dialogue. Vous êtes en réalité une petite partie d'un ensemble plus grand. C'est parfois difficile de s'oublier soi-même et de vous plonger dans chaque nouvelle histoire. La musique de film est en fait de date très récente. Il y a cent ans, cette langue n'existait pas encore. Il y avait bien de la musique narrative qui a été utilisée plus tard dans les films. Pensez au film « La Mort à Venise » avec la musique de Mahler. Mahler n'aurait jamais pu imaginer en rêve que sa musique serait utilisée pour créer l'atmosphère d'une œuvre d'art audiovisuelle ! La musique de film est un nouveau langage qui s'est développé au cours des douze ou treize dernières décennies. Pendant ce temps, la culture entre l'image et le son a incroyablement changé. Il y a beaucoup plus d'espace pour l'interprétation personnelle du spectateur. Il y a des paysages sonores qui vous mettent dans un état d'âme et vous donnent l'espace pour interpréter ce que vous voulez ou non ressentir. Cela signifie que le compositeur d'aujourd'hui doit aussi avoir une très grande perspicacité dramaturgique/psychologique. Sa fonction n'est pas seulement de composer de la musique, mais il doit aussi être un gardien silencieux de la ligne dramaturgique qui traverse le film.

© Lara Herbinia -Où se situe votre grand amour : pouvoir faire complètement votre truc de manière indépendante ou composer de la musique sur commande ? Eh bien. Composer de la musique sur commande a l'avantage de vous être payé. Au-delà de l'aspect financier, vous êtes aussi assuré que votre musique sera jouée. Si elle est jouée, la musique peut aussi être enregistrée et transmise aux générations futures. Si vous concevez vous-même une pièce musicale, il y a du papier sur votre bureau et vous devez vous battre un peu pour que votre musique soit jouée. C'est pourquoi je préfère recevoir des commandes.

J'ai en effet fait cela avec la symphonie « Artesia » et une deuxième symphonie « The Birth of Music ». Après cela, je ne l'ai jamais refait pour la simple raison que la façon dont les orchestres programmaient leur répertoire a changé. La plus grande difficulté était, et reste toujours, de trouver les musiciens qui peuvent jouer de tous ces instruments ethniques ! Mais je travaille actuellement sur un « Opus Magnum » dans lequel je reviens à ce que j'ai fait dans les années quatre-vingt-dix. Nous avons maintenant fait des progrès. Sur le plan technologique, il y a eu beaucoup d'évolution. Il n'est plus nécessaire que vous ayez toutes ces personnes sur scène pour jouer de ces instruments. Il y a d'autres façons d'apporter des sources sonores au public. Je ne peux pas en dire beaucoup plus pour l'instant, mais c'est

-La musique belge a-t-elle une forte identité ?

Qu'est-ce que la musique belge ? Je trouve que c'est une bonne question et en même temps une question difficile. Je pense que de tous les genres, c'est peut-être la musique pop qui a la plus grande identité. Nous avons toujours été bons pour innover dans la musique pop, je pense à des gens comme Ozark Henry alias Piet Godard, dEUS qui ont produit de nouveaux sons, Hooverphonic, Joost Zweger, Stromae. Je pense aussi à Jasper Steverlinck, Vaya Con Dios il y a quelques décennies. Le genre qui a eu le plus d'impact sur nos pays voisins et peut-être sur le monde entier est la musique pop belge. Nous avons bien sûr aussi des compositeurs fantastiques dans le genre classique, Frederik Devreese en est un. Mais pas de figures comme un Philip Glass qui a vraiment changé l'orientation de la musique classique contemporaine. Pas à ma connaissance. Peut-être que nous en avons, mais leur musique n'a pas réussi à être révolutionnaire.

-Vous composez des œuvres dans différents styles, de la baroque précoce aux créations contemporaines, ce qui implique de la polyvalence et de la flexibilité. un travail en cours.

-La musique belge a-t-elle une forte identité ?

Qu'est-ce que la musique belge ? Je trouve que c'est une bonne question, mais aussi une question difficile. Je pense que parmi tous les genres, c'est peut-être la musique pop qui a la plus grande identité. Nous avons toujours été doués pour innover dans la musique pop, je pense à des artistes comme Ozark Henry alias Piet Godard, dEUS qui ont produit de nouveaux sons, Hooverphonic, Joost Zweger, Stromae. Je pense aussi à Jasper Steverlinck, Vaya Con Dios il y a quelques décennies. Le genre qui a eu le plus d'impact sur nos pays voisins et peut-être sur le monde entier est la musique pop belge. Nous avons bien sûr aussi d'excellents compositeurs dans le genre classique, Frederik Devreese en est un. Mais nous n'avons pas de figures comme Philip Glass qui ont vraiment révolutionné la musique classique contemporaine. Pas à ma connaissance. Peut-être que nous en avons, mais leur musique n'a pas réussi à être novatrice.

-Vous composez des œuvres dans différents styles, du baroque précoce aux créations contemporaines, ce qui implique une grande polyvalence et une flexibilité remarquable.

La polyvalence, c'est vrai. En composant une valse viennoise aujourd'hui et une tango argentine demain, puis quelque chose de polyphonique ou de style Renaissance pour le prochain film, on développe une flexibilité. Cela a un grand avantage, mais il y a aussi un inconvénient.

-En quel sens ?

Parce qu'on s'éloigne progressivement de sa propre identité artistique. On peut préparer tous les plats possibles du monde. Aujourd'hui tu fais une pizza et demain des sushis, mais qui es-tu vraiment en tant que cuisinier ? Suis-je le gars qui peut imiter n'importe quoi avec habileté ou qu'est-ce qui vient vraiment de mes tripes ?

-Il faut préserver votre authenticité et la mettre en avant ?

Exactement, préserver son authenticité est d'une importance primordiale.

-Quelle est votre composition la plus ambitieuse jusqu'à présent ?

Les compositions les plus ambitieuses sont sans doute les symphonies que j'ai écrites dans les années quatre-vingt-dix. « La Soledad de América Latina » écrite en collaboration avec le Prix Nobel Gabriel García Márquez et « Artesia », une symphonie universelle pour orchestre et instruments ethniques. À l'époque, c'était très novateur. Personne n'avait jamais fait cela auparavant. Pas même au niveau international. En termes de langage musical, le concerto pour violon « Sophia » que j'ai composé en l'an 2000 - j'ai maintenant environ 400 compositions à mon actif - peut rivaliser avec l'histoire de la musique. Je me suis toujours fixé comme objectif que si je composais une seule œuvre, elle soit d'une telle qualité qu'elle puisse concurrencer les grandes œuvres classiques, alors mon projet aurait réussi. Je ne peux pas en juger. Le temps en sera le juge. Si tu m'en poses vraiment la question, je pense que le concerto pour violon « Sophia » est vraiment une œuvre très forte.

-Votre épouse Claire Tillekaerts, directrice générale de Flanders Investment and Trade, dirige des missions commerciales dans le monde entier. Un métier régi par la raison. Un monde totalement différent de la scène artistique. Formez-vous un couple complémentaire ?

Nous formons un couple parfaitement complémentaire. Adolescente, Claire avait l'ambition de suivre une orientation artistique. Son grand-père était peintre et violoniste. Son père était magistrat. C'était écrit dans les étoiles qu'elle se retrouverait dans l'avocature ou la magistrature. Il n'y avait pas beaucoup de choix ! Elle aurait vraiment voulu suivre les traces de son grand-père. Claire a absolument une âme artistique. Elle s'intéresse beaucoup à l'art. Elle aime aller aux musées, elle s'intéresse beaucoup à la littérature. Elle dévore des livres à un rythme dingue ! Cela a à voir avec l'esprit de l'avocat qui doit examiner beaucoup de dossiers en très peu de temps. Il y a beaucoup plus de points communs qu'on ne pourrait le penser à première vue. J'ai aussi un grand instinct commercial en moi. Je me bats pour mon art. En tant qu'aîné d'une famille de cinq enfants et petits commerçants, je n'ai rien reçu gratuitement. J'ai tout réalisé moi-même. Je n'ai jamais reçu de subventions, je n'ai jamais été dépendant, mais j'ai tout réalisé par mes propres forces.

-Quel est votre plus grand don : votre talent pour la composition ou votre aptitude à la synthèse, à la détermination et à l'originalité ?

Je pense que c'est ce dernier. C'est aussi une somme de tout cela. Mon succès vient du fait que je sais ce que je peux faire et ce que je ne peux pas faire. Je me suis perfectionnné dans ce domaine où j'excelle et où je suis numéro un, c'est en tant que chef d'orchestre et compositeur. La combinaison de ces talents avec mon instinct commercial m'a permis d'être où je suis. Maintenant, après quarante ans de carrière, je peux dire : « Merci à tous ceux, en Belgique et à l'étranger, qui m'ont continuellement mis des bâtons dans les roues. Qui ont fermé des portes. » Ils m'ont façonné pour devenir qui je suis aujourd'hui, intérieurement et extérieurement.

-Puis-je terminer avec une citation de l'écrivain britannique Aldous Huxley : « Après le silence, la musique est ce qui exprime le mieux l'inexprimable. » En tant qu'artiste, j'essaie d'y contribuer. Comme chef d'orchestre, j'émeuts le public avec l'héritage musical et la richesse de mes prédécesseurs, et comme compositeur avec mon propre travail.