Vendredi 4 juillet, dans une église des Jésuites à Heverlee bien remplie malgré le beau temps, s'est déroulé un concert que l'auditeur ne considérait pas simplement comme un événement fortuit, mais plutôt comme une expérience profonde, un voyage spirituel de transcendance. Sous la direction inspirée du chef de chœur Bart Van Reyn, le Vlaams Radio Koor (VRK) a présenté deux des plus beaux chefs-d'œuvre de la musique chorale du XXe siècle : la Messe pour double choeur de Frank Martin et le Requiem de Maurice Duruflé.
Le Vlaams Radio Koor révèle l'âme de la Messe de Martin pour double chœur
Dans le monde de la musique a cappella, la Messe pour double choeur de Frank Martin figure parmi les compositions les plus intrigantes et les plus profonds jamais écrites. Cette mise en musique de la messe continue de surprendre les auditeurs par sa beauté inédite et sa puissance spirituelle, qui ne recule devant aucune profondeur de l'âme humaine. Le VRK a prouvé aujourd'hui une fois de plus pourquoi il figure parmi l'élite absolue des chœurs internationaux. Ce que nous avons entendu n'était pas une simple interprétation, mais un voyage spirituel qui nous a menés aux recoins les plus reculés de l'existence humaine.
Frank Martin (1890-1974), un compositeur qui a lutte toute sa vie avec la relation entre sa musique et ses convictions chrétiennes profondément ancrées, a gardé sa Messe pour double choeur cachée pendant des années. C'était une œuvre qui représentait pour lui quelque chose d'intime, de sacré – une expression de sa foi qui n'était pas destinée à être montrée au grand public. Ce n'est qu'en 1963 que cette œuvre a été révélée pour la première fois, et son impact a été immédiatement perceptible. Dans cette Messe, la vulnérabilité humaine et le désir du divin se rencontrent d'une manière sans précédent.
Sous la direction de Bart Van Reyn, nous avons reçu une interprétation qui mettait pleinement l'accent sur la subtilité et la profondeur de la musique de Martin. Les deux chœurs, avec leurs rôles complémentaires, s'entrelacaient dans un jeu harmonique qui reproduisait parfaitement la force sereine et les émotions intenses de l'œuvre.
Le Kyrie, qui s'ouvrait avec une mélodie alto sereine, a été porté de manière sublime par les voix du chœur. Le VRK a réussi à trouver l'équilibre délicat dans cette prière spirituelle qui résonnait tantôt comme une suppuration intense, tantôt comme un désir intense.
Dans le Gloria, une palette dynamique de sons s'est déployée, dans laquelle les merveilles de la foi se reflétaient. Le chœur a joué avec une riche expression et des rythmes complexes, dans lesquels le tension entre le calme et l'exubérance a été magnifiquement exprimée. Le VRK a abordé avec dévouement la complexité rythmique, mais a toujours gardé le contrôle, de sorte que l'auditeur n'a jamais perdu le fil conducteur.
Le Credo, le cœur battant de la composition, a été interprété avec une intensité spirituelle indéniable. Il est remarquable qu'un calviniste comme Martin ait mis en musique cette confession de foi catholique. Les mots « et incarnatus est » ont été chantés avec une tendresse qui reflétait le mystère de l'incarnation, mais aussi l'attachement profond de Martin lui-même à ce moment de la foi. Les passages poignants avec « crucifixus » et « passus » ont été présentés par le chœur avec grande force ; l'« et resurrexit » sonnait comme un écho des cloches de Pâques qui nous rappelaient la puissance de la résurrection.
Le Sanctus a révélé un univers sonore de dévotion contenue, dans lequel les lignes polyphoniques s'entrelacaient comme des prières méditatives en un tissu transparent, presque surnaturel. La structure double du chœur n'a pas été utilisée ici pour l'effet, mais pour un dialogue intérieur qui soulignait subliement le caractère festif de l'œuvre. Pendant un instant, nous avons eu l'impression de résider dans un autre monde, un meilleur monde.
Au départ, Martin a terminé sa Messe avec les sons spirituels opulents de jubilation du Sanctus, mais quatre ans plus tard, en 1926, il a ajouté une exposition de l'Agnus Dei, qui a terminé l'œuvre sur une note plus ambiguë et questionnante. C'est pourquoi ce morceau est pour moi le point culminant émotionnel de la Messe. Les deux chœurs, d'abord séparés, mais ensuite ensemble, ont créé cette harmonie sublime qui fait flotter dans l'air le désir de paix et de rédemption. L'« Dona nobis pacem » final résonnait extrêmement fragile, comme si Martin savait lors de sa composition que l'humanité n'apprenait pas de ses erreurs…
Frank Martin était convaincu que le véritable artiste remplit sa vocation la plus élevée en offrant la beauté à ses semblables. Il voyait sa tâche non pas de capturer l'esprit dominant du temps, mais plutôt d'incarner l'éternel, l'impérissable. Dans sa Messe, une œuvre qui ne se soumet pas aux caprices de la mode ou de l'impermanence, il a magistralement satisfait à cette exigence qu'il s'était imposée.
Cet après-midi, nous n'avons pas entendu une exécution ordinaire. Le VRK n'a pas seulement présenté un exploit technique (quel basses !), mais surtout a révélé le cœur de l'œuvre. C'était une interprétation qui, par sa finesse et sa pureté, capturait l'esprit de la musique de Martin dans toute sa complexité et sa beauté. L'exécution était un vrai festin pour les oreilles, un moment de transcendance dans lequel la musique transcendait en quelque sorte le temps et l'espace.
Entre les deux chefs-d'œuvre de Martin et Duruflé retentissait une touche de musique d'orgue : le « Scherzo » (Fiat Lux) de Theodore Dubois (1837-1924). L'œuvre ludique a offert un moment de détente entre les émotions profonds.
Requiem Maurice Duruflé Vlaams Radio Koor : enchantement rare
L'interprétation du Requiem de Maurice Duruflé (1902-1986) par le Vlaams Radio Koor, sous la direction de Bart Van Reyn, n'était pas seulement une interprétation musicale – c'était une expérience spirituelle qui touchait l'auditeur dans son essence même. Cette œuvre, composée en 1947, est connue pour son mélange subtil de sérénité liturgique aux tonalités du grégorien et de dramatique intense. Le VRK a réussi à atteindre cet équilibre délicat avec une sensibilité et une maîtrise sans précédent.
Pour cette interprétation, on a choisi la version intime avec orgue et solo de violoncelle (par Amy Norrington), ce qui a encore renforcé le caractère sacré de la musique de Duruflé, sans faire de concessions quant à la grandeur inhérente à la composition. Duruflé lui-même, en tant qu'organiste, avait des racines profondes dans la tradition ecclésiale, et son passé musical était partout présent dans cette œuvre.
Le chœur a apporté la musique avec une légèreté sensible, qui honorait le caractère liturgique sans compromettre la force émotionnelle. Le jeu d'orgue subtil et pénétrant d'Ignace Michiels a rempli l'espace de l'église des Jésuites de Louvain d'un son chaud, mais jamais excessif, qui offrait aux chanteurs un soutien parfait sans les éclipser.
L'interprétation du chœur était un modèle de raffinement. Les changements dynamiques entre le silence chuchoté et les grandes explosions dramatiques, comme dans le Kyrie et le Sanctus ardent, étaient parfaitement synchronisés et brillaient par une harmonie indéniable. En particulier, le lent et majestueux Pie Jesu, l'un des moments les plus poignants de l'œuvre, a pris une qualité presque éthérée grâce à la mezzo-soprano Eva Zaïck, qui a interprété le morceau avec une profondeur sereine. Avec sa voix, pleine de profondeur et de chaleur, elle m'a rappelé l'Ange Souriant tel qu'on le voit au portail de la cathédrale de Reims.
Le solo de baryton de James Newby a ajouté un élément de gravité à l'interprétation, et sa voix a donné vie à la charge émotionnelle de l'œuvre.
Bart Van Reyn a donné au chœur l'espace pour explorer les nuances les plus profondes de la composition de Duruflé. Son interprétation n'était pas purement technique, mais une quête de l'âme de la musique elle-même. Van Reyn a prouvé une fois de plus qu'il savait diriger la flexibilité du chœur sans effort : ses mains donnaient au chœur l'espace pour respirer dans les moments plus recueillis, tandis qu'elles savaient augmenter la tension au moment opportun. L'équilibre entre la sérénité sacrée et l'intensité dramatique de l'œuvre a été parfaitement atteint par Van Reyn.
Avec cette interprétation, le VRK n'a pas seulement interprété le Requiem, il l'a donné vie. Le choix d'une interprétation intime avec orgue et la sonorité puissante du solo de violoncelle, l'utilisation de l'espace architectural de l'église des Jésuites de Louvain, et la maîtrise de la dynamique musicale ont fait de cette interprétation un véritable enchantement.
En bis, on a présenté une toute autre œuvre : The Dying Soldier, un morceau traditionnel dans une arrangement de Nigel Short (Tenebrae). James Newby a brillé en tant que soliste, tandis que le chœur l'encadrait de façon évocatrice. C'était une conclusion parfaite, une réflexion critique sur la célébration du 4th of July, qui invitait à nouveau l'auditeur à la réflexion.
À une époque où la perfection technique prime souvent, le VRK a réussi non seulement à maîtriser la technique, mais surtout à capturer l'essence émotionnelle de ces œuvres. L'interprétation n'était pas seulement un moment de beauté musicale, mais un voyage spirituel, une invitation à réfléchir aux questions plus profondes de la vie. C'était un moment de transcendance, dans lequel l'auditeur se posait à lui-même, dans la tradition ignatienne, un certain nombre de questions essentielles : Qui suis-je ? D'où viens-je ? Et où vais-je ?