Die Pianistin Marie François bringt am Samstag, 21. und Sonntag, 22. Februar Le Carnaval des Animaux von Camille Saint-Saëns (1835-1921) im Schouwburg De Kern in Wilrijk zum Leben ("."). Zusammen mit einer ausgewählten Gruppe von Top-Musikern und Schauspieler Koen De Bouw als Erzähler lädt sie jung und alt zu einer fantasievollen Reise durch eine Welt von Tieren und Musik ein. Anlässlich dieses Konzertes sprachen wir mit ihr darüber, wie Musik bei Live-Auftritten entsteht, über Hören, Interpretation und die Begegnung zwischen Performer und Publikum.https://www.schouwburgdekern.be/voorstellingen/marie-francois-presenteert-t7zmDer Saal atmet mit

Live-Musik entsteht nicht im Vakuum. "Für mich beginnt ein Konzert mit echtem Musizieren, der Erfahrung im Raum: die Vibrationen, die Energie, die Atmosphäre, die Geschichte, das Handwerk, der Austausch zwischen Musiker, Musik, Instrument und Publikum. Das macht jeden Moment einzigartig", sagt Marie François. Sie bemerkt gleichzeitig, wie unterschiedlich das von dem ist, was wir heutzutage über soziale Medien oder Streaming hören. "Alles dort ist so bearbeitet und überarbeitet, dass es oft weit weg vom Live-Geschehen ist. Trotzdem haben sich die meisten Menschen dadurch ein Ohr für Perfektion geformt – ein Ideal, das nicht realistisch ist. Diese Spannung gehört zur Live-Musik und macht Kommunikation verletzlich und lebendig."

Während eines Konzertes erfährt François diese Kommunikation in Momenten gemeinsamer Konzentration: wenn sich die Energie im Saal spürbar verschiebt und eine subtile Abstimmung zwischen ihr, der Musik, dem Instrument und dem Publikum entsteht. "Das geschieht auf einer fast prä-verbalen Ebene", erklärt sie, "wo es weniger um Erklärung oder Interpretation geht und mehr um Resonanz – Klang, Vibrationen, Atmung und Aufmerksamkeit."

Sie verweist auf Mihály Csíkszentmihályi's

Flow : den Moment, in dem Fokus, Handlung und Wahrnehmung zusammenfallen. Manchmal ist es eine kollektive Erfahrung, manchmal ein intimer Dialog zwischen Musiker, Instrument und Musik. "Ein Saal voller Menschen, die sich nicht kennen, mit unterschiedlichen Hintergründen, die zusammen in Stille hören, ohne Ablenkung, bleibt etwas Außergewöhnliches und fast Magisches. Wo findest du heute noch Orte, an denen das möglich ist? Es ist eine fast seltene Erfahrung, in der Performer und Publikum einen gemeinsamen Fluss erreichen."Körper und Klang im Dialog

Dieser gemeinsame Fluss ist nicht nur mental, sondern auch körperlich. Musik entsteht für sie im Zusammenspiel von Ohr, Atem, Gewicht und Berührung. Der Körper fungiert als stiller Vermittler zwischen Partitur und Klang, zwischen Absicht und Realität. "Meine Hände, Ohren und mein Atem bilden ein Ganzes. Es ist ein Gespräch mit dem Instrument, das ständig reagiert", sagt sie. So wird Hören nicht nur eine mentale Übung, sondern auch eine physische Praxis, die sowohl das Spiel als auch die Interaktion mit dem Publikum vertieft.

Die Kommunikation wird durch den Dialog mit dem Publikum weiter verstärkt. Nicht als Zusatz, sondern als integraler Bestandteil ihres Musikertums. Indem sie etwas über die Werke erzählt, lädt sie Hörer in ihre Gedankenwelt und die des Komponisten ein. "Indem ich ausdrücke, was mich beschäftigt, bleibe ich scharf, bleibe ich nachdenklich und verhindere Stagnation", sagt François. "Es ermöglicht mir auch, Risiken einzugehen, ohne zu gefallen, und zeigt, wer ich hinter dem Klavier bin: neugierig, begeistert und voller Liebe für dieses Repertoire."

Repertoire als Geschichte

Ihre Repertoireauswahl geht von demselben Gedanken aus. Ein Programm ist nie bloß eine ästhetische Aufzählung, sondern ein dramaturgisches Ganzes. François vergleicht es mit einem sorgfältig zusammengestellten Menü: nicht nur die Qualität jedes einzelnen Gerichts zählt, sondern vor allem die Kohärenz, die Spannungsbögen und der Atemraum. "Ich stelle mir Fragen wie: Wie verhalten sich die Stücke in Form und Harmonie zueinander, und wie führt das eine Werk das Ohr zum nächsten? Die Palette ist nie festgelegt; sie bewegt sich mit, wer ich in diesem Moment bin." Weil das Klavierrepertoire so reichhaltig ist, fühlt sie sich verantwortlich, Wahlen zu treffen, die etwas erzählen – über eine Periode, eine Idee, eine innere Reise.

Freiheit, Treue und Interpretation

Für François gibt es keine "definitiven" Interpretationen. Jede Aufführung ist vorübergehend, gebunden an einen Moment, einen Saal, ein Publikum und an wer sie als Musikerin in diesem Augenblick ist. "Es ist eine ständige Abwägung: Treue zur Partitur, aber auch Treue zum Moment und zu mir als Performerin. Wenn Freiheit sich von Notwendigkeit trennt, fühlt es sich sinnlos an. Wenn Treue zum Dogma wird, erstickt sie die Musik." "Ich versuche immer, ein Gleichgewicht zu finden: Freiheit darf nie grundlos werden, und Treue darf nie ersticken."

Kontext als Inspiration, Freiheit als Leitfaden

Diese Sicht wurde kürzlich durch ihre Arbeit zu Frédéric Chopin (1810-1849) gestärkt. Eine Zeit in Warschau brachte sie buchstäblich und im übertragenen Sinne näher an dessen Lebenswelt heran. Sie besuchte das Chopin-Institut, studierte Faksimiles, sah sein letztes Klavier und arbeitete mit Pädagogin Ewa Pobłocka. "Ich absorbierte so viele Eindrücke und Geschichten wie möglich, wie ein Schwamm, und ließ sie musikalisch als Inspiration wirken. Es motivierte mich auch, weiter zu studieren, was manchmal eine einsame Beschäftigung ist", erzählt sie. "Gleichzeitig musst du dich als Performer von Nostalgie oder übermäßiger Verklärung befreien; historisches Wissen nährt die Vorstellungskraft, darf aber dein Spiel nicht festlegen."

Chopins Musik wird oft mit Melancholie und Introspektiv assoziiert, aber diese emotionale Ladung drängt sich François zufolge von selbst auf, sobald du wirklich auf Stimmführung und Harmonie hörst. Was sie bewusst vermeidet, ist Effekthascherei und bloße Virtuosität. "Chopins Stärke liegt weniger im Extroverierten als im Erzählenden und Vokalen seiner Musik. Es geht um Nuance, Intimität und eine Freiheit, die nie beliebig ist, sondern immer dem Dienste der Musik unterliegt. Indem man das Spektakuläre nicht erzwingt, bleibt Platz für Belcanto, Poesie und Intimität." "Die Nocturnes werden oft als 'intime Salonmusik' bezeichnet, aber ich sehe das nicht als Einschränkung an; es ist vielmehr ein Schlüssel zu ihrer Kraft."

Chopins muziek wordt vaak geassocieerd met melancholie en introspectie, maar die emotionele lading dringt zich volgens François vanzelf op zodra je echt luistert naar stemvoering en harmonie. Wat ze bewust vermijdt, is effectgerichtheid en louter virtuositeit. “Chopins kracht ligt minder in het extraverte dan in het verhalende en vocale karakter van zijn muziek. Het gaat om nuance, intimiteit en een vrijheid die nooit vrijblijvend is, maar altijd dienstbaar aan de muziek. Door het spectaculaire niet te forceren, blijft er ruimte voor belcanto, poëzie en intimiteit.” “De Nocturnes worden vaak als ‘intieme salonmuziek’ bestempeld, maar dat beschouw ik niet als beperking; het is juist een sleutel tot hun kracht.”

Leichtigkeit und Tiefe in Kammermusik

Diese Haltung prägt auch ihre Projekte außerhalb des traditionellen Rezitals. In Der Karneval der Tiere von Saint-Saëns, in einen theatralischen Kontext gebracht, sieht François keinen Widerspruch zwischen Vergnügen und Tiefe. "Zusammenarbeit mit Spitzenmusikern aus verschiedenen Familien bedeutet ständiges Zuhören, Reagieren und Atmen. Das Klavier kann Motor sein, Farbe oder Stütze – und viele Entscheidungen entstehen im Moment. Das Werk ist Kammermusik im reinsten Sinne: eine Stimme in einem bunten Ganzen, nicht hierarchisch geleitet."
Die Balance zwischen Vergnügen und Tiefe liegt darin, diese Leichtigkeit ernst zu nehmen: durch präzises, transparentes und unaffektiertes Spiel bleibt die Musik zugänglich und zugleich reich. "Die Rolle des Klaviers verschiebt sich ständig: manchmal Motor, manchmal Farbe, manchmal Stütze. Das Zusammenspiel erfordert Vertrauen und Aufmerksamkeit für Timing und Klang, und viele Entscheidungen entstehen im Moment."

Atmen, verletzlich sein, loslassen

Zur Zugänglichkeit spricht François mit Differenziertheit. Sie wehrt sich gegen die Idee, dass Klassik nur für Eingeweihte ist. "Die Schwelle liegt selten bei der Musik selbst. Ich vereinfache die Musik nicht, ich vereinfache die Schwelle. Indem ich Kontext gebe, indem ich teile, warum ein Werk mich berührt, und indem ich zeige, wo du atmen darfst und wo nicht, wird das Zuhören vertieft, nicht abgeflacht. Der Ausgangspunkt ist immer Respekt: vor der Musik und vor dem Publikum."

Verletzlichkeit spielt auch eine Rolle in ihrer Vision von Perfektion. Den größten Druck empfindet sie vor allem von sich selbst. Zweifel und Suchen gehören zum ernsten Musizieren dazu. "Horowitz sagte einmal: ‚When I practice, I practice for perfection. When I perform, I let it go.' Perfektion als Vorbereitung ist wesentlich; auf der Bühne lasse ich sie los. Diese Spannung zwischen Vorbereitung und Loslassen ist das Herzstück des Musizierens." "Die Angst, stehenzubleiben oder mich zu wiederholen, ist täglich präsent, aber ich betrachte sie als Teil des Prozesses."

In einer Welt der Beschleunigung und Polarisierung sieht François klassische Musik als mehr als Ästhetik. Ein Konzert fordert nachhaltige Aufmerksamkeit und bietet eine andere Zeiterfahrung. "Der Moment nach der letzten Note, bevor der Applaus beginnt, ist für mich auch Teil der Musik. Es ist ein subtiler Übergang, ein Atemraum, ein kollektives Bewusstsein." "Ich hoffe, dass die Zuhörer nach einem Konzert etwas von ihrem eigenen Atem, ihrer Aufmerksamkeit und ihrer Fähigkeit zur Nuance mitnehmen – nicht nur die Noten."

Die Frage, die sie seit Jahren begleitet, ist radikal einfach: Ist es die Mühe wert, weiterzumachen? Weitermachen bedeutet für sie nicht, weiter zu rennen, sondern langsamer, ehrlicher und selektiver zu wählen. "Diese Frage habe ich immer gestellt, und meine Antwort ist dieselbe geblieben, doch ich bin jetzt milder zu mir selbst und strenger zu allem, das nicht wesentlich ist. Weitermachen bedeutet selektiv zu wählen, weniger im Rauschen mitzumachen und Projekte in den Mittelpunkt zu stellen, die die Musik wirklich nähren."

Neues Projekt: Die Jahreszeiten

Marie François arbeitet derzeit an einem ehrgeizigen Projekt namens Die Jahreszeiten, in dem Musik von Peter Tschaikowski (1840–1893), Zeit und Vorstellung auf besondere Weise zusammenkommen. Anstatt eines traditionellen, abgeschlossenen Rezitals entfaltet sich dieses Werk Monat für Monat, wodurch das Publikum eine rhythmische, zyklische Erfahrung erlebt. François erklärt, wie diese Struktur ihre Art zu üben, zu spielen und zu hören beeinflusst: "Weil sich Die Jahreszeiten Schritt für Schritt entfaltet, bereite ich nicht auf einen Höhepunkt zu, sondern auf einen Rhythmus. Jeder Monat erfordert eine andere Konzentration und Farbe, und was ich im ersten Monat entdecke, hallt später wieder nach. Dieses Zyklische macht es intimer und weniger ‚fertig' als ein traditionelles Rezital."

Das Projekt (https://www.eprclassic.eu/de-seizoenen) passt nahtlos zu ihrer Überzeugung, selektiv Werke zu wählen, die die Musik wirklich nähren. Über die Wahl von Die Jahreszeiten sagt sie: "Es fühlte sich wie ein Projekt an, das die Musik wirklich nährt, weil es nicht um ‚mehr' geht, sondern um Tiefe. Es verbindet Repertoire mit Bedeutung, mit Zeit, mit anderen Stimmen – und mit dem Publikum. Ich spürte: Das ist genau das, was ich jetzt aufbauen will. Und das ist vor allem ein Bauchgefühl. Sobald ich etwas wirklich fühle, gehe ich dafür ein."

Freiheit zwischen den Noten

"Jedes Konzert ist ein neuer Anfang," sagt sie. "Die Noten verschwinden, aber der Atem, die Aufmerksamkeit und die Präsenz bleiben erhalten. Das ist das schönste Geschenk: ein geteilter Raum, in dem alle gleich fühlen, zuhören und mit der Musik atmen."

In diesen Momenten wird klassische Musik zu einer Übung in Verletzlichkeit und Freiheit. Nicht als Flucht, sondern als Ort, um zur Nuance zurückzukehren, zum Atem, zur Spannung zwischen Vorbereitung und Loslassen. In der Stille nach der letzten Note liegt das Versprechen, immer wieder von neuem zu beginnen – ein geteilter Strom, zerbrechlich und kostbar, der niemals aufhört zu existieren. "Freiheit und Treue, Verletzlichkeit, Zeit, Stille und das Teilen meines Prozesses: Das sind die Kernpunkte, die ich vermitteln möchte."

Musik beginnt und endet niemals bei den Noten selbst. Für François ist sie ein Strom, der sich immer wieder entfaltet, ein Raum, in dem Ausführender und Publikum sich begegnen, in dem Klang sich in Erlebnis verwandelt und Stille in Bedeutung.