In einer vollbesetzten Carolus Borromeuskerk trat Vox Luminis unter der Leitung von Lionel Meunier mit Monteverdis Vespers auf. Das massiv erschienene Publikum freute sich deutlich auf einen fesselnden, barocken und vor allem üppigen Abend. So sind diese Vesper nun mal bekannt: Überall dort, wo sie aufgeführt werden, ist der Konzertsaal oder die Kirche garantiert voll besetzt, und bei Laus Polyphoniae ist das nicht anders.
Monteverdis Vespro della Beata Vergine ist dann auch eine Komposition, die sich zwischen der Renaissancepolyphonie und dem Frühbarock befindet. Darüber hinaus ist es allgemein bekannt, dass Monteverdi diese Vesper nicht nur für rein liturgische Zwecke schrieb, sondern auch als eine Art musikalische Eintrittskarte für eine Position in Rom. Er holte daher all sein Wissen, sein Können und sein handwerkliches Geschick heraus. Das Ergebnis ist Musik der exuberantesten Art, mit einer intensiven musikalischen Übersetzung der Psalmen und wunderschönen instrumentalen Intermezzos. Ein Abend, um auf der Stuhlkante zu sitzen.
Vox Luminis trat mit einem Ensemble von etwa achtzehn Sängern und siebzehn Instrumentalisten auf. Das Podium in der Carolus Borromeuskerk war also gut gefüllt.
Diese Musik begleitet mich schon sehr lange. Seit meiner frühen Jugend bin ich verliebt in Monteverdi, sowohl in seine prima pratica als auch in seine seconda pratica. Damals war ich bereits begeistert von der Fülle, der Großartigkeit und der Räumlichkeit seiner Musik und von der Aufführung des Monteverdi Choir (Gardiner 1990) in der San Marco in Venedig. Danach folgten viele Dutzende Aufnahmen und Konzerte. Ich kann mir daher gut vorstellen, dass es für Interpreten oft schwierig ist, ein Gleichgewicht zwischen einer eher traditionellen Aufführung und einer Interpretation, die etwas Neues hinzufügt, zu finden.
Nach meinem Empfinden wählte Meunier diesmal vor allem eine traditionelle Aufführung. Und daran ist absolut nichts auszusetzen.
Die Monteverdivesper ist ein solches Konzert, von dem du einfach weißt, dass die ersten Noten den Ton (müssen) setzen. Das ist auch logisch, denn eine Vesper beginnt mit Deus in adiutorium meum intende: Ein Text, der mit lauter Stimme die ganze Geschichte in Gang setzt. So war es auch hier. Das Ensemble klang von Anfang an überzeugend, selbstbewusst und getragen.
Typisch für Vox Luminis ist, dass es keinen Dirigenten vorne gibt. Meunier wählt, wenn Leitung notwendig ist, diese aus der hinteren Reihe zu geben. Das ist nicht immer einfach. Das bemerkte man zum Beispiel beim Theorbespieler, der sich regelmäßig in merkwürdige Ecken verrenken musste, um Meuniers Anleitung zu folgen. Trotzdem verstehe ich Meunier sehr gut: Er möchte vor allem singen. Er ist auch eindeutig eine der reifsten Stimmen des Ensembles.
Sein Dirigierstil ist sehr organisch. Mit der Partitur in den Händen verkörpert er die Musik. Seine Leitung kommt nur gelegentlich durch einen klaren Taktstrich, sondern vor allem durch die Haltung und den Ausdruck seines Körpers, den er mit seinen Mitmusikern zu teilen versucht. Kurz gesagt: Die Musik wird von innen heraus geleitet.
Vielleicht bin ich dafür besonders empfänglich, weil die beeindruckenden Psalmen Monteverdis so tief in meinem Kopf verankert sind. Ein Tempounterschied oder eine dynamische Wahl springt mir sofort ins Auge. Deshalb fiel mir auf, dass an einigen Stellen ein auffallend langsameres Tempo gewählt wurde, als ich es gewohnt bin. Zum Beispiel bei Dixit Dominus (tuos) und später bei Laudate pueri Dominum (sucitans).
Was sich wie ein roter Faden durch das ganze Konzert zog, war der volle Klang. Ich mag das eigentlich. Eine Aufführung der Vesper mit einem Chor, der nur herummurmelt, ist not done. In diesem Fall war dieser volle, reiche Klang in den Chorteilen von Anfang bis Ende vorhanden.
Aber manchmal führte diese Fülle auch zu einer leichten Form von Klangermüdung. Die Psalmen Monteverdis sind natürlich von Anfang bis Ende Spektakel. Aber ich denke, dass das Spektakel auch dadurch entstehen kann, dass man innerhalb eines Psalms nicht nur Dynamik in der Lautstärke sucht, sondern auch einen konsequenten interpretativen Umgang mit dem Text. Und da muss ich ehrlich sein: Durch die so starke Betonung der Vollheit des Klangs ging meiner Meinung nach hin und wieder wirklich Nuance verloren. Wenn diese Nuance stärker ausgeprägt wäre, hätte sie dem Konzert eine noch reichere Palette an Emotionen geben können.
An sich sind das vielleicht Nadelstiche, denn der Gesang war natürlich von hohem Niveau. Und ich will auch nicht behaupten, dass es keine Momente der Stille gab. In Dixit Dominus (de torrente) zum Beispiel hatte ich wirklich das Gefühl, dass die Betonung auf einer weicheren, interpretativer angelegten Herangehensweise lag.
Ein erstes Highlight für mich war Nigra sum, das Solowerk, das Monteverdi deutlich mit seinem opera-brain geschrieben hat. Der Tenor, der es sang, tat dies mit einer vollen, getragenen Stimme. Du sahst und merktest, dass er die Musik besaß, und gleichzeitig, dass die Musik ihn besaß. Er lebte sich vollständig in das Stück ein und zeigte ständig eine gewisse Virtuosität.
Es ist kein einfaches Stück zu spielen, aber gleichzeitig strahlte es auch große Menschlichkeit aus. Der Tenor strebte nicht so sehr nach der Perfektion der Aufführung, sondern auch nach der Interpretation für das Publikum. Und das funktionierte vollständig. Seine Virtuosität kam in surge et propera vollständig zum Ausdruck, aber seine Menschlichkeit kam vielleicht am meisten in dem letzten Satz zum Vorschein, in dem er eine gewisse Zerbrechlichkeit beim Text über das Anbrechender Zeit zum Schneiden zeigte. Mächtig!
Der Psalm, der darauf folgte, Laudate pueri, brachte erneut diese venezianische Pracht. Aber auch hier gab es einen Moment, in dem die Stille oder Versammlung ihre Wirkung tat. In dem Augenblick, in dem die Dissonanzen, die Monteverdi in seiner Musik verarbeitet hat, stark nach oben kamen, hörte man plötzlich eine andere Seite der Sänger.
Die Sopransolos überzeugten hingegen nicht immer. Pulchra es begann eher schwach. Vielleicht hatte der Sopran einfach nicht seinen besten Tag. Man sah es nicht unbedingt, denn die Verbindung zum Publikum war absolut vorhanden, aber mir fehlte das Funkeln in der Stimme.
In Laetatus sum fehlte mir die basso ostinato am Anfang für meine Begriffe etwas an Definition. Und vielleicht liegt das an der fehlenden Leitung vorne: Es dauert manchmal ein paar Sekunden, bis alles ineinander passt. Es sind gerade diese paar Sekunden, die für den Anfang von Laetatus sum entscheidend sein können.
Zwischen all diesen Chorurteilen war Duo Seraphim ein zweiter Höhepunkt. Die drei Tenöre sangen hervorragend. Es war nicht die beste Aufführung, die ich je von Duo Seraphim gehört habe, aber eine sehr durchlebte. Der Psalm Nisi Dominus, der darauf folgte, brachte erneut den ausgesprochenen vollen Klang, aber mit einem gewissen tänzerischen Aspekt in Sicut sagittae. Und so sah ich eigentlich in jedem Teil etwas, von dem du denkst: ah, das ist anders, das ist schön. Das bestätigte dann auch meine Idee: wenn man das, was konsequenter angewendet worden wäre, als roten Faden durch das ganze Werk hätte, hätte das Konzert noch mehr vokalen Reichtum und Überraschung bekommen.
Der absolute Höhepunkt des Abends folgte für mich dann mit Audi coelum. Ich habe dort in meiner Notiz wörtlich „Bravo" geschrieben.
Der Tenor, der Audi coelum sang, beginnt buchstäblich, quasi visuell, mit einer Bitte zum Himmel. Ein wunderschöner Anfang, mit einem Tenor, der die übererzeugende Klangfarbe besitzt, um dieses Stück zu singen und darüber hinaus sehr genau weiß, was er singt. Er gab das auf eine sehr durchlebte, zugängliche und zerbrechliche Weise an das Publikum weiter.
Und dann ist da natürlich, was Monteverdi mit diesem Stück macht: Text und Echo. Erhaben. Das Echo, von dem du anfangs denkst, dass es nur wiederholt, bekommt eigentlich einen eigenen Text und eine eigene Botschaft. Und dann der meisterhafte Moment, in dem der Chor wieder in voller Kraft einfällt „Omnes!".
Lauda Jerusalem wurde beherrscht eingesetzt. Es ist klar, dass man hier nicht nach übermäßiger Spektakel suchte. Schön gesungen, flott vorgetragen.
In Sonata sopra Sancta Maria bekam das Instrumentalensemble Carte Blanche, um seine Fähigkeiten zu beweisen. Und das tat es vollständig. Das gesamte Farbspektrum, das Monteverdi vorgesehen hatte, wurde von den Instrumentalisten aufgegriffen, während der Sopran auf besonders überzeugende und sanfte Weise den Cantus firmus sang.
Und dann dachte ich: das klingt so schön. Denn während der Sopran in dem vorherigen Stück manchmal etwas scharf klang, war hier plötzlich eine völlig andere Klangfarbe vorhanden.
Ave maris stella ist für mich einer der polyphonsten Teile des ganzen Vespro. Es wurde hervorragend gebracht und die verschiedenen Strophen wurden jedes Mal auf andere Weise interpretiert. Es war ein Stück, das schön war und damit eine ausgezeichnete Einleitung zur Magnificat gab.
Das Magnificat von Monteverdi ist ein Stück, in dem viele Kombinationen von Stimmen verwendet werden. Das sorgte auch für ziemlich viel Bewegung auf der Bühne. Das ist an sich nicht störend, kann aber vielleicht etwas seltsam wirken für Hörer, die das Konzert zu Hause verfolgten, denn das Programm wurde live übertragen.
Bei beatam me dicent tauschten die Cornetti ihre Instrumente gegen Blockflöten ein. Es gab wieder diese andere Farbe und diesen anderen Ansatz. Auch die Intimität mit Ecce enim ex hoc kam herein. Und da kann ich eigentlich nur meine Botschaft wiederholen: das war so schön… gerne mehr davon.
Bei dem letzten Gloria Patri et Filio holt Monteverdi noch einmal alles aus der Kiste, unter anderem wieder seinen Echo-Effekt. Und da konnte und durfte das Ensemble zu Recht wieder diesen vollen Klang als letzte Noten erklingen lassen.
Die letzte Note wogte durch die Carolus Borromeuskerk, zweifellos bis hinaus auf den Platz. Und dann herrschte mehrere lange Sekunden lang Stille, als müsste sich das Publikum gerade von diesem musikalischen Höhepunkt, von diesem Klangbad, von diesen wunderschönen Noten aus der San Marco erholen!
Um dann in tosenden Applaus auszubrechen, der sich zu einer stehenden Ovation entwickelte. Ich kann die Begeisterung des Publikums verstehen. Und ich teile sie auch.
Was Meunier und Vox Luminis an diesem Abend brachten, war eine Aufführung, die am Ort der Entstehung selbst, in der San Marco in Venedig, nicht fehl am Platz wäre. Meunier wählte einen direkten, kraftvollen Ansatz und eine Aufführung der Vesper, die auf der Fülle des Klangs basiert. Das funktionierte sehr überzeugend und sorgte für eine sehr schöne Aufführung, die mir lange in Erinnerung bleiben wird als monumental und Klangbad, aber nicht unbedingt als die differenzierteste.
WANN? WO? WAS?
Freitag, 28. August 2026 / Laus Polyphoniae 2026
20 Uhr Carolus Borromeuskerk / Vox Luminis
Fotos: Leslie Artamonow, Johan Jacobs, AMUZ