Niccolò Paganini (1782-1840) hat ein Problem. Oder besser gesagt: sein Ruf hat eines. Sobald sein Name fällt, erscheint fast automatisch das Bild des dämonischen Geigenvirtuosen, des Mannes, der sein Publikum zu Beginn des neunzehnten Jahrhunderts mit seinen technischen Möglichkeiten in Verblüffung versetzte. Der Komponist, der hinter diesem Image steckt, bleibt dadurch leicht aus dem Blick geraten. Und genau da beginnt die Attraktivität dieser CD.
Paganini – His Music, His Instruments ist viel mehr als eine Sammlung von Werken eines berühmten Geigers. Das Album möchte den Komponisten Paganini neu betrachten, ausgehend von seiner Liebe zur Kammermusik und besonders zur Gitarre. Carlotta Dalia und das Goldmund Quartett – Florian Schötz, Pinchas Adt, Christoph Vandory und Raphael Paratore – tun dies mit einem besonderen Ansatz: Sie spielen auf Instrumenten, die einst Paganini selbst gehörten. Die vier historischen Stradivari-Instrumente des sogenannten Paganini-Quartetts befinden sich seit 2019 beim Goldmund Quartett; die Gitarre, die Carlotta Dalia spielt, wird heute im Palazzo Tursi in Genua aufbewahrt und hat sogar Paganinis Initialen „N.P." in Elfenbein in die Kopfplatte eingearbeitet.
Dass die fünf Instrumente einst von demselben Eigentümer gespielt wurden, hätte leicht eine Marketinggeschichte bleiben können. Das ist hier nicht der Fall. Die historischen Instrumente sind kein Selbstzweck, sondern ein Mittel, um eine Seite von Paganini hörbar zu machen, die normalerweise weniger Aufmerksamkeit erhält: der Komponist, der sich nicht ausschließlich für die virtuosen Möglichkeiten der Violine interessierte, sondern tief mit der Gitarre, der Bratsche und dem Cello verbunden war. Paganini spielte kein Klavier, und so griff er beim Schreiben seiner Musik konsequent zur Gitarre; wer seine Kammermusikpartien verstehen will, muss also eigentlich auf dieses Instrument schauen. Nicht weniger als fünfzehn Quartette für Gitarre und Streicher gehören zu seinem Nachlass – eine überraschend reiche Ernte für jemanden, der im kollektiven Gedächtnis doch vor allem als Violinkomponist haften geblieben ist.
Die Hierarchie umgekehrt
Das Programm öffnet sich mit dem Gitarrenquartett Nr. 15 in a-Moll, MS 42, und sofort wird deutlich, dass sich Paganini nicht an die Konventionen seiner Zeit gebunden fühlte. Während normalerweise die erste Violine die Ehren übernimmt, ist es hier der Bratscher, der die Initiative ergreift: das Stück beginnt gleich kräftig mit einer umfangreichen, technisch anspruchsvollen Solopassage für dieses Instrument, während der Rest des Ensembles unterstützend mitbewegt. Das ist kein Gimmick: die Musik bewegt sich ständig zwischen individueller Virtuosität und Ensembleklang, zwischen Fragen und Antworten. Das eröffnende Maestoso klingt dabei weniger feierlich als die Bezeichnung vermuten lässt – eher suchend und flehend, als wolle Paganini erst ein Gespräch beginnen, bevor sich das Quartett wirklich entfaltet. Die Musiker des Goldmund Quartetts fühlen sich dabei hörbarer zu Hause.
Carlotta Dalias Gitarre – gebaut von Ory-Koelliker in Paris 1797 – passt hier wunderbar dazu: das Instrument hat eine warme, etwas gedämpfte Klangfarbe, die lange nachklingt, ohne jemals hart oder scharf zu werden. Es wurde bewusst mit Tremoli und Pizzicati experimentiert, um den Gitarrensound zu ergänzen, und das funktioniert: die Stimmen ergänzen sich und lösen sich stellenweise fast völlig ineinander auf.
Das Minuetto a canone zeigt eine ganz andere Seite: spielerisch und leicht, mit einem schönen Solomoment für die Gitarre, das anschließend elegant von den Streichern übernommen wird – besonders die Pizzicati geben dem Ganzen etwas Funkelndes. Im Recitativo tritt der Opernkomponist in Paganini am deutlichsten hervor: eine ausgesprochene vokale Linie, getragen von Melancholie, die von Dalia und dem Quartett verhalten gehalten wird und gerade dadurch überzeugt.
Besonders der vierte Satz, das Adagio cantabile, bleibt jedoch der verfeinertste Moment des Quartetts. All die virtuose Bravour fällt hier kurzzeitig weg und Klang, Atem und melodische Ausdruckskraft bekommen Raum. Paganini zeigt sich hier als ein Komponist, der viel mehr zu sagen hat, als das Klischee des „Teufelsviolinisten" vermuten lässt: die Musik baut fast unmerklich zu einem Höhepunkt auf, der um so mehr berührt, weil er nirgends aufgezwungen wird. Der Schlussteil, das Rondo, bringt dann wieder das Feuer und die Spielfreude zurück – ein Finale, das nicht beeindrucken, sondern verführen will und dessen Melodie sich fast sofort ins Ohr schleicht.
Zwei andere Gesichter
Nach diesem umfangreichen Eröffnungswerk folgt ein ganz anderer Paganini. Carlotta Dalia greift zur Gitarre allein für die Sonate in A-Dur, op. 3 Nr. 1, ursprünglich für Solovioline und hier transkribiert von Manuel Barrueco. Auf dem Papier eine seltsame Wahl, aber in der Praxis ein ganz natürlicher Übergang, denn die Gitarre war genau das Instrument, mit dem Paganini seine Kammermusik ausarbeitete. Dalia versucht nicht, die Violine nachzuahmen, und genau darin liegt der Charme: die Gitarre macht die Virtuosität weniger prahlerisch und gibt den melodischen Linien eine sanftere, verhaltenere Färbung. Es ist Paganini ohne die theatralische Außenseite.
Mit dem String Quartet nr. 3 in a-Moll, MS 20, hören wir Paganini dann wieder ohne Gitarre, in klassischer Besetzung – und gerade dadurch wird deutlich, wie wenig Sinn es hat, ihn als Virtuosen eines einzigen Instruments zu betrachten. Das Largo setzt gleich einen erwartungsvollen Ton, als ob etwas geschehen würde, bevor es voller Feuer ins Allegro übergeht. Das Minuetto darin ist ein Kleinod für sich, fast eine Mini-Opernszene: eine fragende erste Violine erhält manchmal eine bewusst raue Antwort von den anderen Spielern, mit einem lyrischen Andantino als Ausläufer. Das Andante con variazioni wird mit deutlichem Wechsel zwischen den Stimmen gebracht, woraufhin das Presto nach den zwei vorher gehörten gemäßigteren Teilen wieder herrlich spielerisch zupackt.
Es ist überdies ein Quartett, das selten aufgeführt wird; diese Aufnahme spricht stillschweigend für einen Platz im Konzertsaal und verschafft denjenigen, der es zum ersten Mal hört, sofort einen anderen Blick auf Paganini. Das Goldmund Quartett bringt das Ganze mit großem Einsatz und einer engen, über Jahre gereiften musikalischen Sprache – die vier Spieler ergänzen sich gegenseitig, ohne sich dabei je in Virtuosität zu übertrumpfen.
Ein Außenseiter
Zwischen den zwei großen Quartetten und der abschließenden Caprice steht Te voglio bene assaje, ein neunzehntes Jahrhundert Neapolitanisches Lied, das traditionell Donizetti zugeschrieben wird und hier von Carlo Marchione zu einem zeitgenössischen Ghiribizzo bearbeitet wurde. Das Stück ist charmant und schließt in seiner Spielfreudigkeit an Paganinis eigene Ghiribizzi an – ein Genre von Miniaturen, in denen populäre Melodien des Tages in einer Gitarrenbearbeitung gegossen wurden.
Doch es ist auch das einzige Stück auf dieser CD, das nicht von Paganini selbst stammt – eine anonym überlieferte Melodie, in einer neu geschriebenen Bearbeitung. Auf einem Album, das sein ganzes Konzept dem Gedanken "seine Musik auf seinen Instrumenten" verdankt, ist das eine auffallende Inkonsistenz. Nicht, dass es ein Qualitätsproblem wäre: Dalia und Marchione liefern ein attraktives Stück ab, und die Verbindung zu Paganinis eigener Ghiribizzo-Tradition ist inhaltlich vertretbar. Aber neben dem restlichen Programm, das tatsächlich direkt von Paganini stammt, bleibt diese Wahl seltsam anmutend.
Die Caprice als Abschluss
Das bekannteste Stück der CD erklingt als Abschluss in einer unerwarteten Gestalt: die Caprice nr. 24 für Gitarre und Streichquartett, basierend auf Robert Schumanns Bearbeitung, die das Werk in einem ungewöhnlichen Licht erscheinen lässt. Die Gitarre erhält die solistischen Funktion, während das Quartett nicht einfach begleitet, sondern mit Tremolos und Pizzicati eine Klangkulisse bildet, in der die Gitarre hell bleiben kann – gegen Ende hin wächst diese Kulisse fast zur Glut eines kleinen Sinfonieorchesters heran, ohne dass die Gitarre je in den Schatten gestellt würde.
Es ist genau hier, dass die ganze Idee der CD zusammenkommt: nicht "schau doch, auf welch berühmten Instrumenten wir spielen", sondern "höre doch, wie anders diese Musik klingt, wenn sie in eine instrumentale Welt zurückgebracht wird, die Paganini selbst nahestands." Historische Authentizität wird so kein Dogma, sondern ein künstlerischer Anreiz.
Der Mensch hinter dem Mythos
Paganini – His Music, His Instruments versucht nicht, den Komponisten von seinem Mythos zu befreien, sondern den Mythos aufzubrechen. Der Teufelsgeiger bleibt bestehen, erhält aber Gesellschaft von einem anderen Paganini: der Kammermusiker, der Gitarrist, der Altviolist, der Melodiker. Das Zusammentreffen der fünf historischen Instrumente in Brescia für diese Aufnahme hat deshalb etwas Symbolisches – zwei Jahrhunderte nachdem Paganini sie selbst in den Händen hielt, kommen sie erneut zusammen für Musik, die er selbst komponiert hat oder die unmittelbar an seine musikalische Welt anschließt. Dennoch macht die CD kein Museumsstück daraus: Die Musik klingt wie Musik, nicht wie historisches Experiment.
Wer Paganini nur von den 24 Caprices kennt, bekommt hier einen überraschend anderen und vor allem viel menschlicheren Paganini zu hören.
