Niccolò Paganini (1782-1840) a un problème. Ou plutôt : sa réputation en a un. Dès que son nom est mentionné, l'image du virtuose diabolique du violon apparaît quasi automatiquement, l'homme qui, par ses capacités techniques, a stupéfié le public du début du dix-neuvième siècle. Le compositeur qui se cache derrière cette image reste ainsi facilement hors de vue. Et c'est précisément là que commence l'attrait de ce cd.
Paganini – His Music, His Instruments est bien plus qu'une collection d'œuvres d'un violoniste célèbre. L'album veut réexaminer le compositeur Paganini à partir de son amour pour la musique de chambre et surtout pour la guitare. Carlotta Dalia et le Goldmund Quartett – Florian Schötz, Pinchas Adt, Christoph Vandory et Raphael Paratore – le font avec un point de départ particulier : ils jouent sur des instruments qui ont autrefois appartenu à Paganini lui-même. Les quatre instruments Stradivari historiques du soi-disant Paganini-Quartett se trouvent depuis 2019 auprès du Goldmund Quartett ; la guitare que Carlotta Dalia joue est conservée aujourd'hui au Palazzo Tursi à Gênes et porte même les initiales « N.P. » de Paganini en ivoire sur la plaque de tête.
Le fait que les cinq instruments ont autrefois été joués par le même propriétaire aurait facilement pu rester une histoire de marketing. Ce n'est pas le cas ici. Les instruments historiques ne sont pas une fin en soi, mais un moyen de rendre audible un aspect de Paganini qui reçoit généralement moins d'attention : le compositeur qui ne s'intéressait pas exclusivement aux possibilités virtuoses du violon, mais qui était profondément lié à la guitare, l'alto et le violoncelle. Paganini ne jouait pas du piano, et c'est pourquoi il recourait systématiquement à la guitare pour écrire sa musique ; celui qui veut comprendre ses partitions de musique de chambre doit donc vraiment regarder cet instrument. Pas moins de quinze quatuors pour guitare et cordes font partie de son héritage – une moisson étonnamment riche pour quelqu'un qui dans la mémoire collective est resté avant tout un compositeur pour violon.
La hiérarchie inversée
Le programme s'ouvre avec le Guitar Quartet n° 15 en la mineur, MS 42, et il devient immédiatement clair que Paganini ne se sentait pas lié par les conventions de son époque. Alors que généralement le premier violon fait les honneurs, c'est ici l'altiste qui prend la tête : le morceau commence immédiatement de manière décisive avec un passage en solo étendu et exigeant techniquement pour cet instrument, tandis que le reste de l'ensemble soutient le mouvement. Ce n'est pas une astuce : la musique se meut continuellement entre la virtuosité individuelle et le son d'ensemble, entre les questions et les réponses. Le Maestoso d'ouverture sonne moins solennel que ne l'indique l'indication – plutôt chercheur et suppiant, comme si Paganini voulait d'abord engager une conversation avant que le quatuor ne se déploie vraiment. Les musiciens du Goldmund Quartett se sentent visiblement à l'aise ici.
La guitare de Carlotta Dalia – construite par Ory-Koelliker à Paris en 1797 – convient parfaitement ici : l'instrument a une couleur sonore chaude, légèrement sourde qui persiste longtemps, sans jamais devenir dur ou strident. On a volontairement expérimenté des trémolo et des pizzicati pour enrichir le son de la guitare, et cela fonctionne : les voix se complètent et à certains moments se dissolvent presque complètement l'une dans l'autre.
Le Minuetto a canone montre un tout autre aspect : ludique et léger, avec un joli moment en solo pour la guitare qui est ensuite élégamment repris par les cordes – surtout les pizzicati donnent à l'ensemble quelque chose d'étincelant. Dans le Recitativo, le compositeur d'opéra en Paganini se manifeste le plus clairement : une ligne vocale prononcée, portée par la mélancolie, que Dalia et le quatuor retiennent avec discrétion et qui en convainc justement pour cela.
Cependant, la quatrième partie, l'Adagio cantabile, reste le moment le plus raffiné du quatuor. Toute la bravoure virtuose disparaît ici un instant et le son, le souffle et la force mélodique obtiennent l'espace. Paganini se montre ici comme un compositeur qui a beaucoup plus à dire que le cliché du « violoniste diabolique » ne le laisse supposer : la musique se construit presque imperceptiblement vers un climat d'autant plus touchant qu'il n'est nulle part imposé. La dernière partie, le Rondo, ramène ensuite le feu et la joie de jouer – une finale qui ne veut pas impressionner, mais séduire, et qui fait entrer la mélodie presque immédiatement dans l'oreille.
Deux autres visages
Après cette vaste œuvre d'ouverture suit un tout autre Paganini. Carlotta Dalia reprend la guitare seule pour la Sonata en La majeur, op. 3 n° 1, originalement pour violon solo et ici transcrite par Manuel Barrueco. Sur le papier, un choix étrange, mais en pratique une transition très naturelle, car la guitare était justement l'instrument avec lequel Paganini développait sa musique de chambre. Dalia ne tente pas d'imiter le violon, et c'est précisément là que réside le charme : la guitare rend la virtuosité moins ostentatoire et donne aux lignes mélodiques une couleur plus douce et plus contenue. C'est Paganini sans l'apparat théâtral.
Avec le String Quartet nr. 3 in a klein, MS 20, nous entendons Paganini cette fois sans guitare, dans un ensemble classique – et c'est justement pour cela qu'il devient clair combien peu de sens il y a à le considérer comme un virtuose d'un seul instrument. Le Largo établit immédiatement un ton plein d'attente, comme si quelque chose était sur le point de se passer, avant de passer avec feu à l'Allegro. Le Minuetto y est une petite merveille en soi, presque une mini-scène d'opéra : un premier violon interrogatif reçoit parfois une réponse délibérément brusque des autres joueurs, avec un Andantino lyrique comme conclusion. L'Andante con variazioni est présenté avec une alternance claire entre les voix, après quoi le Presto, après les deux parties plus retenues qui l'ont précédé, se déploie à nouveau avec un charme délicieux.
C'est d'ailleurs un quatuor qui est rarement exécuté ; cet enregistrement plaide silencieusement pour une place dans la salle de concert, et offre à celui qui l'entend pour la première fois une perspective entièrement nouvelle sur Paganini. Le Goldmund Quartett l'apporte avec un grand dévouement et un langage musical cohérent, mûr au fil des années – les quatre joueurs se complètent sans jamais se surpasser en virtuosité.
Un canard boiteux
Entre les deux grands quatuors et la Caprice de clôture se trouve Te voglio bene assaje, une canzone napolitaine du dix-neuvième siècle traditionnellement attribuée à Donizetti et ici arrangée par Carlo Marchione en un ghiribizzo contemporain. La pièce est charmante et s'inscrit dans la même veine de facétie que les ghiribizzi propres de Paganini – un genre de miniatures dans lequel des mélodies populaires du jour étaient arrangées pour guitare.
Cependant, c'est aussi la seule pièce de ce disque qui ne soit pas de Paganini lui-même – une mélodie transmise anonymement, dans un nouvel arrangement. Sur un album dont tout le concept découle de l'idée « sa musique sur ses instruments », c'est une incohérence frappante. Non pas que ce soit un problème de qualité : Dalia et Marchione livrent une pièce attrayante, et le lien avec la propre tradition des ghiribizzi de Paganini est défendable du point de vue du contenu. Mais parmi le reste du programme, qui provient effectivement directement de Paganini, ce choix reste étrange.
La Caprice comme clôture
La pièce la plus célèbre du disque résonne comme conclusion dans une forme inattendue : la Caprice nr. 24 pour guitare et quatuor à cordes, basée sur l'arrangement de Robert Schumann, qui place l'œuvre sous une lumière inhabituelle. La guitare assume la fonction solistique, tandis que le quatuor n'accompagne pas simplement mais crée avec des trémoli et des pizzicati un décor sonore dans lequel la guitare peut rester claire – vers la fin, ce décor s'intensifie presque jusqu'à la chaleur d'un petit orchestre symphonique, sans que la guitare soit jamais éclipsée.
C'est précisément ici que l'idée entière du disque converge : non pas « regardez sur quels instruments célèbres nous jouons », mais « écoutez comme cette musique sonne différemment lorsqu'elle est ramenée à un monde instrumental qui est proche de Paganini lui-même ». L'authenticité historique devient ainsi non pas un dogme, mais une stimulation artistique.
L'homme derrière le mythe
Paganini – His Music, His Instruments ne tente pas de dépouiller le compositeur de son mythe, mais d'ouvrir le mythe. Le violoniste diabolique persiste, mais est rejoint par un autre Paganini : le musicien de chambre, le guitariste, l'altiste, le mélodiste. La réunion des cinq instruments historiques à Brescia pour cet enregistrement a donc quelque chose de symbolique – deux siècles après que Paganini les a tenus lui-même dans ses mains, ils se réunissent à nouveau pour de la musique qu'il a composée lui-même ou qui s'inscrit directement dans son univers musical. Pourtant, le disque n'en fait pas une pièce de musée : la musique sonne comme de la musique, non comme une expérience historique.
Celui qui ne connaît Paganini que par les 24 Caprices y entendra un Paganini surprenant et surtout beaucoup plus humain.
