Darf ein Rezensent kritisch bleiben, wenn das Publikum in Verzückung verfällt? Die Antwort lautet uneingeschränkt ja. Zumal dann, wenn man das Privileg hatte, Mahlers Zweite Symphonie, Auferstehung, bereits mehrmals live zu erleben und eine Aufführung daher an frühere Erfahrungen messen kann. Publikumserschütterung ist keine Garantie für interpretative Korrektheit – zumal nicht bei einem Komponisten, für den das existenzielle Gewicht jeder Note essentiell ist. Gerade bei Mahler zählt Erschütterung wirklich erst, wenn sie aus einer inneren, musikalischen Logik hervorgeht und nicht bloß aus überwältigender Klanggewalt.
Dass das Publikum nach den Schlusstakten stürmisch begeistert und sichtlich bewegt reagierte, war allerdings kaum überraschend. Wer kann ungerührt bleiben nach dieser monumentalen Symphonie? Mahler komponierte seine Zweite zwischen 1888 und 1894, in einer Zeit, in der er vor allem als Dirigent tätig war. Für ihn war Komponieren keine freiwillige Nebenbeschäftigung, sondern eine obsessive Suche. Seine Ambition war nichts weniger als „eine Symphonie wie die Welt", ein Werk, das Leben, Tod, Erinnerung, Ironie und Hoffnung in eine alles umfassende musikalische Bahn brachte. Die Auferstehung ist seine erste Symphonie mit Chor und Solisten, und vor allem ein Werk, in dem Orchester, Stimme und Stille als Träger einer inneren Erfahrung fungieren. Es ist Musik, die nicht nur gehört, sondern erlebt werden will – von innen heraus.
Offenbarung musikalischen Handwerks
Das Nederlands Philharmonisch Orkest, das dieses Jahr sein vierzigjähriges Bestehen feiert, lieferte in dieser Aufführung eine Leistung von außergewöhnlich hohem Niveau. Was besonders auffiel, war nicht nur die technische Perfektion, sondern die spürbare Intensität, mit der jeder musikalische Gedanke getragen wurde. Die Streicher klangen reich und homogen, mit einer warmen Tiefe in den tiefen Registern und einer breit atmenden Lyrik in den hohen Linien. Holz- und Blechbläser excellierten in lupenreinen Soli, die sich niemals wie isolierte Momente anfühlten, sondern organisch in das Ganze eingebettet waren. Das Schlagwerk stand wie ein Haus, kraftvoll aber dosiert, und die Harfen vibrierten durch den Saal wie eine kontinuierlich pulsierende Unterströmung.
Sollte das Orchester noch irgendwo seine Visitenkarte haben hinterlassen wollen, dann war dies der Moment. Auch das Chor Laurens Symfonisch, das ich bisher noch nicht live gehört hatte, machte tiefsten Eindruck mit seiner Disziplin, Klangbalanz und kontrollierten Intensität. Ihre flüsternden Einsätze und geschichtete Steigerung in der Finale zeugen von einer außergewöhnlichen kollektiven Musikalität und Konzentration. Zusammen bildeten Orchester und Chor die eigentliche Offenbarung des Abends und trugen sie die existenzielle Last von Mahlers Partitur mit hörbarer Hingabe.
Mahlers Tiefe gesucht: Viottis Trägheit und Spannung
Das Problem lag dann auch nicht bei den Ausführenden, sondern bei den interpretativen Wahlmöglichkeiten des Dirigenten Lorenzo Viotti.
Ab dem Eröffnungsteil, dem monumentalen Allegro maestoso basierend auf Mahlers früherem Totenfeier, wählte Viotti in den verhalteneren Passagen ausgedehnte Tempi. Der Trauermarsch klang bedrohlich und schwer angesetzt, mit tiefen Streichern und Blechbläsern, die die Schwere der Sterblichkeit deutlich unterstrichen. Die Spannung wurde dabei nicht losgelassen, sondern äußerst langsam aufgebaut. Auf dem Papier ist das eine zu verteidigende Wahl, aber in der Praxis führte sie zu einer gewissen Sättigung des musikalischen Diskurses. Die Spannung nistete sich weniger tief in die Hörerfahrung ein und drohte eher zu erstarren als sich organisch zu transformieren. Dass der Dirigent zu einem bestimmten Punkt sichtbar korrigierend zu den Holzbläsern blickte und sie aufforderte, die Harfen besser zu folgen, schien teilweise Folge von Tempowahlen zu sein, die das Zusammenspiel ständig auf die Probe stellen, aber die vom Orchester mit großer Konzentration und Disziplin aufgefangen wurden.
Das Andante moderato, das seine Wurzeln im Menuett hat und einen Rückblick auf vergangene Lebensmomente wirft, wurde transparent und zerbrechlich ausgearbeitet. Hier kam Viottis Aufmerksamkeit für Detail und Klangfarbe besser zur Geltung. Die Sanftheit und nostalgische Glanz dieses Teils waren unübersehbar schön. Dennoch blieb auch hier das Gefühl bestehen, dass die Reflexion bis fast zur Stille gedehnt wurde. Die Musik atmete, aber manchmal gegen ihre natürliche Bewegung, wodurch Melancholie und Verhaltenheit das Risiko liefen, zu bloßer Ästhetik zu erstarren.
Das Scherzo, basierend auf dem Lied Des Antonius von Padua Fischpredigt, brachte zwar mehr Bewegung und ironische Schärfe. Die grillige Rhythmik und der zirkuläre Charakter – das Leben, das endlos weiterrollt – wurden klar dargelegt. Holzbläser und Schlagwerk artikulierten scharf, die Streicher hielten das Fundament in ständiger Bewegung. Dennoch blieb auch hier das Gefühl, dass alles minutiös ausgekaspert war, eher durchdacht als organisch gewachsen.
Am verletzlichsten wurde Viottis Ansatz in Urlicht. Der Einsatz war äußerst leise und langsam. Die Eröffnungsworte O Röschen rot klangen nicht überall gleich stabil und waren schwer verständlich. Dem gegenüber stand ein besonders gelungener Einsatz des Fernorchesters, das diesem Teil eine fast heilige Tiefe gab und den räumlichen Charakter von Mahlers Vision wunderbar unterstützte.
Viotti blieb während seiner Lesung auffallend konsequent: Stille bedeutete äußerst langsam, Lautstärke bedeutete schnell. Nur im Finale wurde davon abgewichen. Dort wurde der große Höhepunkt außergewöhnlich langsam – so langsam, dass die Grenze zwischen Spannung und Betonung verschwamm – wodurch die Wirkung sehr explizit wurde. Das Finale, in dem Themen aus früheren Teilen zyklisch zurückkehren und Mahler via Klopstocks Hymne Die Auferstehung vorsichtig nach Erlösung tastet, wurde so ein zu sorgfältig konstruierter emotionaler Bogen, in dem der Weg zur Erlösung eher inszeniert als durchlebt wurde.
Dass dieser globale Ansatz nicht bei allen uneingeschränkte Begeisterung hervorrief, war auch im Saal zu bemerken. Neben mir hörte ich regelmäßig Seufzer, und jemand begann sogar ungeduldig mit den Beinen zu wackeln, offenbar in der Hoffnung, dass das Tempo endlich gesteigert würde. Das geschah tatsächlich, aber ausschließlich in den schnellen Passagen.
Emotion oder Berechnung?
Bei anderer Musik hätte ich diesen Ansatz vielleicht noch übersehen. Aber gerade bei Mahler, wo es nicht nur um Klang und Monumentalität geht, sondern um existenzielle Notwendigkeit und innere Wahrheit, überzeugt mich eine so stark auf Wirkung ausgerichtete Lesart grundlegend weniger.
Umso auffallender war diese Erfahrung, weil ich Lorenzo Viotti früher mit diesem Orchester in unter anderem Stravinsky, Dvořák und Brahms hörte, wo er mich durchaus zu überzeugen wusste. Für seinen Mahler werde ich in Zukunft jedoch verzichten. Seine Sicht auf diesen Komponisten und seine Suche nach dem „was die Welt im Innersten zusammenhält" (Goethe, Faust I) scheinen mir zu sehr auf externe Entladung ausgerichtet und zu wenig auf die tragische, aber zutiefst menschliche innere Notwendigkeit, die für mich das Herz von Mahlers Universum bildet. Gerade weil das Nederlands Philharmonisch Orkest und Laurens Symfonisch über solch außergewöhnliche musikalische Mittel verfügen, bleibt das eine verpasste Gelegenheit.