Pianistin Marie François bringt am Samstag, 21. und Sonntag, 22. Februar Le Carnaval des Animaux von Camille Saint-Saëns (1835-1921) zum Leben in Schouwburg De Kern in Wilrijk (https://www.schouwburgdekern.be/voorstellingen/marie-francois-presenteert-t7zm). Zusammen mit einer ausgewählten Gruppe von Top-Musikern und Schauspieler Koen De Bouw als Erzähler lädt sie Jung und Alt zu einer fantasievollen Reise durch eine Welt voller Tiere und Musik ein. Anlässlich dieses Konzerts sprachen wir mit ihr über die Entstehung von Musik in Live-Auftritten, über das Hören, die Interpretation und die Begegnung zwischen Ausführendem und Publikum.
Der Saal atmet mit
Live-Musik entsteht nicht im Vakuum. „Für mich geht ein Konzert vom echten Musizieren aus, vom Erleben im Raum: die Vibrationen, die Energie, die Atmosphäre, die Geschichte, das Handwerk, der Austausch zwischen Musiker, Musik, Instrument und Publikum. Das macht jeden Moment einzigartig," sagt Marie François. Sie bemerkt gleichzeitig, wie unterschiedlich das von dem ist, was wir heutzutage über soziale Medien oder Streaming hören. „Alles dort ist so bearbeitet und überarbeitet, dass es oft weit entfernt vom Live-Geschehen ist. Dennoch haben die meisten Menschen dadurch ein Ohr für Perfektion entwickelt – ein Ideal, das nicht realistisch ist. Diese Spannung gehört zur Live-Musik und macht Kommunikation verletzlich und lebendig."
Während eines Konzerts erlebt François diese Kommunikation in Momenten der gemeinsamen Konzentration: wenn sich die Energie im Saal merklich verschiebt und eine subtile Abstimmung zwischen ihr, der Musik, dem Instrument und dem Publikum entsteht. „Das geschieht auf einer fast präverbalen Ebene," erklärt sie, „wo es weniger um Erklärung oder Interpretation geht und mehr um Resonanz — Klang, Vibrationen, Atmung und Aufmerksamkeit."
Sie bezieht sich auf Mihály Csíkszentmihályi's Flow: den Moment, in dem Fokus, Handlung und Wahrnehmung zusammenfallen. Manchmal ist es eine kollektive Erfahrung, manchmal ein intimer Dialog zwischen Musiker, Instrument und Musik. „Ein Saal voller Menschen, die sich nicht kennen, mit unterschiedlichen Hintergründen, die zusammen in Stille hören, ohne Ablenkung, bleibt etwas Außergewöhnliches und fast Magisches. Wo findest du heute noch Orte, an denen das möglich ist? Es ist eine fast seltene Erfahrung, in der Ausführender und Publikum einen gemeinsamen Fluss erreichen."
Körper und Klang im Dialog
Dieser gemeinsame Fluss ist nicht nur mental, sondern auch körperlich. Musik entsteht für sie im Zusammenspiel von Ohr, Atem, Gewicht und Berührung. Der Körper fungiert als stiller Vermittler zwischen Partitur und Klang, zwischen Absicht und Wirklichkeit. „Meine Hände, Ohren und mein Atem bilden eine Einheit. Es ist ein Gespräch mit dem Instrument, das ständig reagiert," sagt sie. So wird das Hören nicht nur eine mentale Übung, sondern auch eine physische Praxis, die sowohl das Spiel als auch die Interaktion mit dem Publikum vertieft.
Die Kommunikation wird weiter verstärkt durch den Dialog mit dem Publikum. Nicht als Extra, sondern als integraler Bestandteil ihrer Musikerschaft. Indem sie über die Werke erzählt, lädt sie Hörer in ihre Gedankenwelt und die des Komponisten ein. „Indem ich ausdrücke, was mich beschäftigt, bleibe ich scharf, bleibe ich nachdenklich und verhindere, dass ich stagniere," sagt François. „Es ermöglicht mir auch, Risiken einzugehen, ohne zu gefallen, und zeigt, wer ich am Klavier bin: neugierig, begeistert und voller Liebe für dieses Repertoire."
Repertoire als Geschichte
Ihre Repertoireauwahl folgt demselben Gedanken. Ein Programm ist nie nur eine ästhetische Auflistung, sondern ein dramaturgisches Ganzes. François vergleicht es mit einem sorgfältig zusammengestellten Menü: Nicht nur die Qualität jedes einzelnen Gerichts zählt, sondern vor allem der Zusammenhang, die Spannungsbögen und der Atemraum. „Ich stelle mir Fragen wie: Wie verhalten sich die Stücke in Form und Harmonie, und wie führt ein Werk das Ohr zum nächsten? Die Palette ist nie festgelegt; sie bewegt sich mit der Person, die ich in diesem Moment bin." Weil das Klavierrepertoire so reich ist, verspürt sie die Verantwortung, Wahlmöglichkeiten zu treffen, die etwas erzählen – über einen Zeitraum, eine Idee, eine innere Reise.
Freiheit, Treue und Interpretation
Für François gibt es keine „definitive" Interpretation. Jede Aufführung ist vorübergehend, gebunden an einen Moment, einen Saal, ein Publikum und an die Person, die sie in diesem Moment als Musikerin ist. „Es ist eine ständige Abwägung: Treue zur Partitur, aber auch Treue zum Moment und wer ich als Ausführender bin. Wenn Freiheit sich von Notwendigkeit ablöst, fühlt sich das sinnlos an. Wenn Treue zu einem Dogma wird, erstickt sie die Musik." „Ich versuche immer, ein Gleichgewicht zu finden: Freiheit darf nie willkürlich werden, und Treue darf sich nie ersticken anfühlen."
Kontext als Inspiration, Freiheit als Richtschnur
Diese Sichtweise wurde kürzlich durch ihre Arbeit rund um Frédéric Chopin (1810-1849) gestärkt. Ein Aufenthalt in Warschau brachte sie buchstäblich und im übertragenen Sinne näher an seine Lebenswelt heran. Sie besuchte das Chopin-Institut, studierte Faksimiles, sah sein letztes Klavier und arbeitete mit Pädagogin Ewa Pobłocka. „Ich absorbierte so viele Eindrücke und Geschichten wie möglich, wie ein Schwamm, und ließ sie musikalisch als Inspiration wirken. Es motivierte mich auch, weiter zu studieren, was manchmal eine einsame Beschäftigung ist," erzählt sie. „Gleichzeitig muss man sich als Ausführender von Nostalgie oder übertriebener Verherrlichung befreien; historisches Wissen nährt die Fantasie, darf aber das Spiel nicht festlegen."
Chopins Musik wird häufig mit Melancholie und Introspektion assoziiert, aber diese emotionale Belastung drängt sich nach François von selbst auf, sobald du wirklich auf Stimmführung und Harmonie hörst. Was sie bewusst vermeidet, ist Effekthascherei und bloße Virtuosität. "Chopins Stärke liegt weniger im Extravertierten als im Narrativen und Vokalen Charakter seiner Musik. Es geht um Nuance, Intimität und eine Freiheit, die nie beliebig ist, sondern immer der Musik untergeordnet. Durch das Verzicht auf das Spektakuläre bleibt Raum für Belcanto, Poesie und Intimität." "Die Nocturnes werden oft als 'intime Salonmusik' charakterisiert, aber ich betrachte das nicht als Limitation; es ist vielmehr ein Schlüssel zu ihrer Kraft."
Leichtigkeit und Tiefgang in Kammermusik
Diese Haltung prägt ihre Projekte außerhalb des traditionellen Rezitals. In Le Carnaval des animaux von Saint-Saëns, aufgeführt in theatralem Kontext, sieht François keinen Gegensatz zwischen Vergnügen und Tiefgang. "Die Zusammenarbeit mit Top-Musikern aus verschiedenen Familien bedeutet ständiges Zuhören, Reagieren und Atmen. Das Klavier kann Motor sein, Farbe oder Fundament — und viele Entscheidungen entstehen vor Ort. Das Werk ist Kammermusik in reinster Form: eine Stimme in einem farbenfrohen Ganzen, nicht hierarchisch geleitet."
Das Gleichgewicht zwischen Vergnügen und Tiefgang liegt darin, diese Leichtigkeit ernst zu nehmen: durch präzises, transparentes und ohne Effekthascherei spielen, bleibt die Musik zugänglich und reich. "Die Rolle des Klaviers verschiebt sich ständig: manchmal Motor, manchmal Farbe, manchmal Fundament. Das Zusammenspiel erfordert Vertrauen und Aufmerksamkeit für Timing und Klang, und viele Entscheidungen entstehen vor Ort."
Atmen, verletzlich sein, loslassen
Zur Zugänglichkeit spricht François mit Nuance. Sie wehrt sich gegen die Idee, dass klassische Musik nur für Eingeweihte ist. "Die Hürde liegt selten bei der Musik selbst. Ich vereinfache die Musik nicht, ich vereinfache die Hürde. Durch Kontextgeben, durch zu teilen, warum mich ein Werk berührt, und durch zu zeigen, wo du atmen darfst und wo gerade nicht, wird Hören vertieft, nicht abgeflacht. Der Ausgangspunkt ist immer Respekt: für die Musik und für das Publikum."
Verletzlichkeit spielt auch eine Rolle in ihrer Sicht auf Perfektion. Den höchsten Druck erfährt sie vor allem von sich selbst. Zweifel und Suche gehören dazu, Musik ernst zu nehmen. "Horowitz sagte einmal: 'When I practice, I practice for perfection. When I perform, I let it go.' Perfektion als Vorbereitung ist essentiell; auf der Bühne lasse ich los. Diese Spannung zwischen Vorbereitung und Loslassen ist der Kern des Musizierens." "Die Angst stillzustehen oder mich zu wiederholen ist täglich präsent, aber ich betrachte sie als Teil des Prozesses."
In einer Welt der Beschleunigung und Polarisierung sieht François klassische Musik als mehr als Ästhetik. Ein Konzert erfordert nachhaltige Aufmerksamkeit und bietet eine andere Erfahrung von Zeit. "Der Moment nach der letzten Note, bevor der Applaus beginnt, ist für mich auch Teil der Musik. Es ist ein subtiler Übergang, ein Atemraum, ein kollektives Bewusstsein." "Ich hoffe, dass Hörer nach einem Konzert etwas von ihrem eigenen Atem, ihrer Aufmerksamkeit und ihrer Fähigkeit zur Nuance mitnehmen — nicht nur die Noten."
Die Frage, die sie schon Jahre begleitet, ist radikal einfach: Ist es die Mühe wert weiterzumachen? Weitermachen bedeutet für sie nicht weiterlaufen, sondern langsamer, ehrlicher und selektiver wählen. "Diese Frage habe ich immer gestellt, und meine Antwort ist dieselbe geblieben, aber ich bin jetzt milder zu mir selbst und strenger zu allem, was nicht essentiell ist. Weitermachen bedeutet selektiv wählen, weniger am Rauschen teilnehmen und Projekte in den Mittelpunkt stellen, die die Musik wirklich nähren."
Neues Projekt: Die Jahreszeiten
Marie François arbeitet derzeit an einem ehrgeizigen Projekt namens Die Jahreszeiten, in dem Musik von Peter Tchaikovsky (1840-1893), Zeit und Vorstellung auf besondere Weise zusammenkommen. Statt eines traditionellen, abgerundeten Rezitals entfaltet sich dieses Werk Monat für Monat, wodurch das Publikum eine rhythmische, zyklische Erfahrung erlebt. François erklärt, wie diese Struktur ihre Art zu üben, zu spielen und zu hören beeinflusst: "Dadurch, dass sich Die Jahreszeiten Schritt für Schritt entfalten, bereite ich nicht auf einen Höhepunkt hin vor, sondern auf einen Rhythmus. Jeder Monat erfordert eine andere Konzentration und Farbe, und was ich im ersten Monat entdecke, klingt später wieder nach. Das Zyklische macht es intimer und weniger 'fertig' als ein traditionelles Rezital."
Das Projekt (https://www.eprclassic.eu/de-seizoenen) passt nahtlos zu ihrer Überzeugung, selektiv für Werke zu wählen, die die Musik wirklich nähren. Zur Wahl von Die Jahreszeiten sagt sie: "Es fühlte sich wie ein Projekt an, das die Musik wirklich nährt, weil es nicht um 'mehr' geht, sondern um tiefer. Es verbindet Repertoire mit Bedeutung, mit Zeit, mit anderen Stimmen — und mit dem Publikum. Ich spürte: Das ist genau jetzt das, was ich aufbauen möchte. Und das ist vor allem ein Bauchgefühl. Sobald ich wirklich etwas fühle, gehe ich dafür ein."
Freiheit zwischen den Noten
„Jedes Konzert ist ein Neuanfang", sagt sie. „Die Noten verschwinden, aber der Atem, die Aufmerksamkeit und die Präsenz bleiben bestehen. Das ist das schönste Geschenk: ein gemeinsamer Raum, in dem jeder gleich fühlt, zuhört und mit der Musik atmet."
In diesen Momenten wird klassische Musik zu einer Übung in Verletzlichkeit und Freiheit. Nicht als Flucht, sondern als Ort, um zur Nuance zurückzukehren, zum Atem, zur Spannung zwischen Vorbereitung und Loslassen. In der Stille nach der letzten Note liegt das Versprechen, immer wieder neu zu beginnen – ein gemeinsamer Strom, zerbrechlich und kostbar, der niemals aufhört zu existieren. „Freiheit und Treue, Verletzlichkeit, Zeit, Stille und das Teilen meines Prozesses: das sind die Kernpunkte, die ich weitergeben möchte."
Musik beginnt und endet niemals bei den Noten selbst. Für François ist es ein Strom, der sich immer wieder entfaltet, ein Raum, in dem sich Ausführender und Publikum begegnen, in dem Klang sich in Erfahrung verwandelt und Stille in Bedeutung.