Dieses Jahr präsentiert das Festival von Glyndebourne zwischen 19. Mai und 26. August sechs Opern: Madama Butterfly (Puccini), Der Rosenkavalier (R. Strauss), Giulio Cesare (Händel), Pelléas et Mélisande (Debussy), Saul (Händel) und Vaness (Barber). Pelléas et Mélisande ist eine Neuproduktion in einer Inszenierung von Stefan Herheim, dem norwegischen Regisseur, der sein Debüt in Glyndebourne gibt.
Symbolismus oder verwirrter Realismus
Da er eine gewisse Ähnlichkeit zwischen der geheimnisvollen und eher unzugänglichen Welt des Schlosses von Allemonde und dem ziemlich abgeschirmten Domäne des Gutes von Glyndebourne sah, hat er die gesamte Handlung des Dramas von Maeterlinck in einem einheitlichen Bühnenbild situiert, das die "Organ Room" des Herrenhauses von Glyndebourne darstellt, einen geräumigen Saal, in dem sich eine beeindruckende Pfeifenorgel befindet und wo das Festivalpublikum sich während der Pause in tiefe Sessel einnisten darf. Die Rekonstruktion ist gelungen (Bühnenbild Philipp Fürhofer). Manchmal scheint die Orgel aus der Wand zu treten, um bestimmte Effekte zu erzeugen. Aber selbst mit Projektionen und allerlei Lichtspielen bleibt es oft schwierig, die verschiedenen Handlungsorte hervorzurufen.
Der Symbolismus von Maeterlinck wurde durch einen oft verwirrten Realismus ersetzt. Die Kostüme beziehen sich deutlich auf die 1900er Jahre. Pelléas (mit Schnurrbart und Strohhut) ist ein Maler, Golaud ein reizbares Bürgermännchen und leidenschaftlicher Jäger, Yniold ist omnipräsent, immer mit einem Skizzenbuch in der Hand, Mägde und Knechte sind geschäftig.... mit dem Ergebnis einer schwer zu verfolgenden Aufführung, ermüdend und verwirrend, in der der Text sehr oft ignoriert wird. Dieser Text wurde übrigens nicht immer gut von einem Ensemble mit nur einem frankophonen Sänger projiziert: Chloé Briot, die Präsenz und eine fließende Stimme an Yniold verlieh.
Christina Gansch war eine zerbrechliche Mélisande, eine liebenswerte, aber dennoch etwas farblose junge Frau mit einem hellen Sopran. John Chest war ein sehr aktiver Pelléas mit Charakter und einem ausdrucksstarken Bariton. Der gequälte Golaud von Christopher Purves, mit kräftiger Stimme, fehlte etwas Adel. Brindley Sherrat (Arkel) hatte Allüren, aber eher eine dürftige Textprojektion. Die Geneviève von Karen Cargill machte Eindruck. Zusammen mit dem London Philharmonic Orchestra ließen Dirigent Robin Ticciati die Juwelen von Debussys Partitur erstrahlen und gaben der Aufführung die Atmosphäre, die die Inszenierung vergeblich suchte.
Orchestra of the Age of Enlightenment und Händel
Perfekte Kohäsion zwischen Bühne und Orchester hingegen in Giulio Cesare, der Oper von Händel, die in der Inszenierung von David McVicar erstmals 2005 vorgestellt wurde, aber seitdem nichts von ihrer Wirkung verloren hat. Man wird also erneut von dieser eleganten und intelligenten Transposition der Handlung im Kontext des "British Empire" mit bemerkenswerter und lebendiger Personenregie und erfindungsreicher Choreografie (Andrew George) bezaubert, die der Aufführung unglaubliche Dynamik und Élan verleihen und nicht gleichgültig lassen können. Aber die dramatischen Momente, die Klagen von Cornelia und der Schmerz von Sesto, die Verzweiflung von Cleopatra finden ihren Platz in dieser fantasievollen und ausgezeichnet ausbalancierten Inszenierung.
Diesmal saß das Orchestra of the Age of Enlightenment im Orchestergraben, dirigiert von Jonathan Cohen, und zusammen haben sie alle Aspekte von Händels Partitur wunderbar beleuchtet und die Sänger in ihren anspruchsvollen Interpretationen unterstützt. Denn in dieser Inszenierung genügt es nicht, gut zu singen! Sarah Connolly (die bereits 2005 Cesare war) beeindruckt immer noch durch ihre Allüren und Autorität und ihren nuancierten Gesang. Aber die Stimme scheint nicht mehr die erforderliche Kraft für die Partie zu haben. Joëlle Harvey war eine pikante und verführerische Cleopatra, eine entschlossene und triumphierende Königin mit einer fließenden Stimme und virtuosem Gesang. Christophe Dumaux wiederholte seinen grausamen und perfiden Tolomeo mit beeindruckenden Vokaleistungen. Cornelia hatte die schöne Stimme und die Würde von Patricia Bardon und Anna Stéphany setzte eine ergreifende und tapfere Sesto hin, vokal besonders ausdrucksstark. Kangmin Justin Kim tanzte durch die Partie des Nireno und John Moore gab der bedrohlichen Achilla viel Präsenz. Eine Aufführung zum Schätzen!
Dramatisches Saul
Händel war auch durch eines seiner Oratorien vertreten, Kompositionen, die manchmal noch dramatischer sind als seine Opern. Das ist sicherlich der Fall bei Saul, einem Oratorium von 1739, das den tragischen Niedergang von Saul erzählt, jubelnd nach seinem Sieg über die Philister, aber eifersüchtig auf den Erfolg von David (der Goliath tötete) und schließlich so erfüllt von Hass auf seinen jungen Rivalen, dass er rasend und mörderisch wird. Und das ist sicherlich der Fall bei der Aufführung von "Saul" in der Inszenierung von Barry Kosky (eine Wiederaufnahme der Produktion von 2015), die dich vom ersten Bild bis zum letzten in ihrem Griff hält (Bühnenbild Katrin Lea Tag, Choreografie Otto Pichler, Licht Joachim Klein).
Die erste Szene ist verblüffend und augenverblendend: ein großer Banketttisch, reich verziert (Schüsseln, Blumen, Grün und ein großer weißer Schwan) und eine Gesellschaft (der Chor) in fantasievoller Kostümen und Perücken des 18. Jahrhunderts, die den Sieg feiert. Die Chöre, in verschiedenen Besetzungen und Kostümen, werden der Motor sein, der die Aufführung antreibt durch ihre Präsenz (manchmal bilden sie gleichsam das Bühnenbild auf einer leeren Bühne!), ihre choreografischen Entwicklungen, ihre dramatische Intensität und ihre Vokaleistungen.
Die Chöre von Glyndebourne verdienen ein großes Bravo ebenso wie Barry Kosky und sein Team für die Art und Weise, wie sie diesem Spektakel Leben, Spannung und eine große dramatische Kraft verliehen haben. Die Solisten integrieren sich ohne Probleme in dieses Fresko: Saul und seine Töchter Michal und Merab in zeitgenössischen Kostümen, David und Jonathan, der Sohn Sauls, in modernen Anzügen. Markus Brück verlieh dem von Eifersucht zerfressenen König Saul, der seinem Untergang entgegentaumelt, vokale und szenische Kraft. Iestyn Davies war der junge Held David, edel und voller Autorität, und sang mit seiner herrlichen Countertenor-Stimme, so geschmeidig, voll und ausdrucksstark. Sein Freund Jonathan wurde von Allan Clayton gut verteidigt. Stuart Jackson, dem es gelang, vier verschiedene Charaktere zu verkörpern, tat dies mit Begeisterung und komischem Talent. Die Töchter Sauls waren schön kontrastiert: Anna Devin verlieh der impulsiven, liebevollen Michal einen frischen Sopran, während Karina Gauvin ihre kräftige Stimme und königliche Ausstrahlung der boshaften Merab lieh. John Graham-Hall war die Hexe von Endor.
Laurence Cummings und das Orchestra of the Age of Enlightenment sorgten für eine muskulöse und begeisternde Aufführung. Herrlich!
- WAS: Opernfestival Glyndebourne
- WER: London Philharmonic Orchestra unter Robin Ticciati und das Orchestra of the Age of Enlightenment unter Laurence Cummings (Saul) und Jonathan Cohen (Giulio Cesare)
- WO & WANN: Glyndebourne; 20., 21., 22. Juli
- FOTOS: © Richard Hubert Smith
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