Am 20. November 2026 erscheint „Attar in Tehran“, der dritte Teil des Projekts 100 Years of Iranian Piano Music der iranischen Pianistin Layla Ramezan. Das Album vereint neue Werke zweier Komponisten aus der Generation nach der Revolution von 1979, inspiriert von „Die Konferenz der Vögel“ des zwölften Jahrhunderts von dem Dichter Farid ud-Din Attâr. Klavier, persische Poesie, aufgenommene Klänge und Elektronik kommen in diesem erfrischenden Projekt zusammen. Anlässlich dieser Veröffentlichung haben wir ein Gespräch mit ihr geführt.
Der Klang einer Stadt
„Wenn ich meine Augen schließe, kehrt Teheran zuallererst als Klanglandschaft zurück“, erzählt Ramezan: „Das Hupen der Autos, die Gebetsrufe, die Stimmen auf den Basaren, aber auch die Geräusche meiner Kindheit während des Krieges zwischen Iran und Irak: die Sirenen, die Nachrichtenmeldungen und die ständige Gegenwart der Geschichte im Alltag.“
Die Pianistin wurde in Teheran geboren und lebt seit vielen Jahren in Lausanne. Als sie den Iran verließ, nahm sie mehr als nur Erinnerungen mit: „ein Klanggedächtnis und den kostbarsten Schatz, die persische Sprache.“ Attar in Tehran nennt sie ihren Dialog mit diesem Erbe, „eine Reise zwischen persönlicher Erinnerung und kollektiver Geschichte, zwischen dem Teheran meiner Kindheit und dem Teheran von heute“.
Diese Reise führt auch durch die persische Dichtung. Ramezan las und rezitierte schon als Kind die Verse von Hafez, Saadi, Rumi und Attâr. Ihre Poesie wird im Iran von Generation zu Generation weitergegeben und ist noch immer Teil des alltäglichen Lebens: „Auch wenn ich die Bedeutung der Worte noch nicht immer verstand, erfüllten mich der Rhythmus der Poesie und der Klang bestimmter Wörter mit Freude. Genau dasselbe Gefühl habe ich, wenn ich große Werke auf dem Klavier spiele, etwa von Schubert. Poesie und Musik berühren denselben Teil meiner Seele.“ Sie hat eine mystische Sicht auf die Musik: „Musik zu praktizieren, ein Konzert zu geben oder ein neues Werk zu entdecken ist für mich jedes Mal ein Schritt zur Selbsterkenntnis.“
Auf den Spuren des Simorgh
Die Idee zu dem Album entstand 2022. Ursprünglich wollte Ramezan sich ausschließlich auf Die Konferenz der Vögel konzentrieren, und die Platte sollte Simorgh heißen, nach dem mythischen Vogel, den die Vögel in dem Gedicht suchen. Seitdem, so sagt sie, durchlebt der Iran „eine der dunkelsten Perioden seiner modernen Geschichte“. Das veränderte den Kontext des Projekts. Klischees über das Land wollte sie dabei vermeiden.
Deshalb lud sie zwei iranische Komponisten ein, mit denen sie sich stark verbunden fühlt: Karen Keyhani und Aftab Darvishi. Beide wurden nach der Revolution von 1979 geboren. Wie Ramezan wuchsen sie im Iran auf, und Keyhani lebt dort noch immer: „Wir teilen eine gemeinsame Geschichte, ein kollektives Gedächtnis und Erfahrungen, die uns auf sehr persönliche Weise verbinden: unsere gemeinsame Vergangenheit in Teheran.“ Der ursprüngliche Impuls für das Album, so erzählt sie, war ihr eigenes Leben im Iran, bevor sie nach Europa ging.
In Attârs Gedicht machen sich die Vögel auf die Suche nach dem Simorgh, eine Reise durch sieben Täler, die jeweils eine Stufe innerer Wandlung darstellen. Keyhani schrieb ein Werk über die Versammlung der Vögel vor ihrem Aufbruch. Seine musikalische Sprache ist stark von seiner Praxis auf dem Santur, einem persischen Saiteninstrument, geprägt und schlägt laut Ramezan eine natürliche Brücke zwischen der persischen Tradition und dem zeitgenössischen Klavier. Darvishi wählte die sieben Täler als Ausgangspunkt für ihre Komposition. Ramezan beschreibt das Werk als „von auffallender Reinheit und tiefer evokativer Kraft“.
Die beiden Partituren bildeten nur den Ausgangspunkt. Gemeinsam mit Blaise Ubaldini arbeitete Ramezan anschließend an der elektronischen Komposition: „Während wir daran arbeiteten, entdeckten wir nach und nach neue Gleichgewichte zwischen dem Klavier, den aufgenommenen Klängen, der Poesie und der Elektronik. Bestimmte Passagen begannen sich auf natürliche Weise zu entwickeln. Einige wurden angepasst, erweitert oder umgeformt, sodass alle Elemente zusammen eine klangliche Architektur bilden konnten.“ Ubaldinis Verbindung zum Iran und seine Kenntnis der Kultur tragen zu ihrem gemeinsamen Wunsch bei, ein feinfühligeres und komplexeres Bild des Landes zu zeigen.
Ein Jahrhundert iranischer Klaviermusik
Attar in Tehran ist der dritte Teil eines vierteiligen Projekts. Das erste Album, Iranian Composers of the 1950s, erschien 2017. 2019 folgte Sheherazade von Alireza Mashayekhi, dem Komponisten, der laut Ramezan außerhalb des Iran mehr Aufmerksamkeit verdient. Das Album bietet ihrer Meinung nach einen guten Einstieg in seine Musik. Der vierte Teil, möglicherweise für 2028 geplant, widmet sich den Begründern der iranischen Klaviermusik.
Mit der Reihe möchte sie den Reichtum und die Vielfalt dieses Repertoires hörbar machen. Obwohl das Klavier ursprünglich nicht zur traditionellen persischen Musiktradition gehört, eröffnete das Instrument iranischen Komponisten dank seines großen Tonumfangs und der reichen Palette harmonischer Farben neue Möglichkeiten. Es hat „neue Perspektiven eröffnet“ für eine Tradition, die im Wesentlichen monodisch ist und auf Improvisation und mündlicher Überlieferung beruht.
Für Ramezan spiegelt dieses Repertoire die Geschichte des Iran selbst wider: eine Kultur, die verschiedene Einflüsse aufnimmt und zu etwas Eigenem umformt. Die persische Identität lässt sich ihrer Ansicht nach nicht in einen einzigen Stil oder ein einziges Merkmal fassen. Iranische Komponisten des zwanzigsten und einundzwanzigsten Jahrhunderts haben „neue Formen von Freiheit und Erneuerung erkundet“, indem sie die westliche Musiksprache und Kompositionstechniken verwendeten und sich zugleich von ihrer eigenen Tradition inspirieren ließen. Sie sieht darin eine Parallele zu Debussy, der sich durch seine Begegnung mit östlichen Musikkulturen ebenfalls zur Erkundung neuer Klangfarben und Ausdrucksmöglichkeiten anregen ließ.
Ein anderes Bild des Iran
Im Westen ist das Publikum laut Ramezan in der Regel besser mit der traditionellen persischen Musik vertraut, während die klassische Klaviermusik iranischer Komponisten weitgehend unbekannt bleibt: „Ich möchte ein feinfühligeres, reicheres und komplexeres Bild des Iran zeigen, das über die politischen Krisen hinausgeht, auf die das Land so oft reduziert wird. Trotz der Einschränkungen und der Wunden der Geschichte bleibt die künstlerische Szene im Iran bemerkenswert lebendig und kreativ.“
Zugleich möchte sie niemanden überzeugen: „Ich versuche nicht, die Wahrnehmung der Menschen zu verändern. Mir geht es vor allem darum, die Musik und die Ideen dahinter zum Leben zu erwecken. Jeder ist frei, Musik auf seine eigene Weise zu empfinden, zu interpretieren und zu erleben.“ Iranische Zuhörer können Stolz empfinden, wenn sie Werke von Landsleuten hören, während das Repertoire für Zuhörer in Europa oder Nordamerika eine erste Begegnung mit einer neuen musikalischen Welt sein kann. Musik bleibt für Ramezan in erster Linie eine universelle Sprache: „Jedes Publikum hört aus seiner eigenen Geschichte, Kultur und Sensibilität heraus. Letztlich glaube ich, dass Musik etwas zutiefst Menschliches berührt, jenseits unserer kulturellen Unterschiede.“
Zwei Welten in einem Leben
Auftritt, Forschung und kulturelle Vermittlung trennt Ramezan nicht voneinander. Sie verbrachte die eine Hälfte ihres Lebens im Iran und die andere in Europa. Durch ihre Arbeit bringt sie, wie sie es selbst formuliert, „mein eigenes Leben und meine Erfahrungen auf die Bühne, geprägt von den verschiedenen Kulturen, die ich in mir trage“. Bei den Partituren versucht sie, so getreu wie möglich am geschriebenen Notentext festzuhalten, sowohl bei iranischen Komponisten als auch im klassischen europäischen Repertoire: „Ich denke, dass mein persischer Hintergrund ganz von selbst zum Ausdruck kommt. Ich teile ein kollektives Gedächtnis und ein gemeinsames kulturelles Erbe mit diesen Komponisten, wodurch zwischen ihren Kompositionen und meiner Interpretation eine gemeinsame Sprache entsteht.“
Die Arbeit war nicht immer einfach: „Anfangs war es nicht leicht, weil dieses Repertoire manchmal schmerzhafte Erinnerungen an mein Land und mein dortiges Leben weckte. Aber es ist mir gelungen, diese Verletzlichkeit in eine Kraftquelle zu verwandeln, trotz sehr tiefer Wunden. Diese Reise hat mir geholfen, wieder mit mir selbst in Kontakt zu kommen, und mich so aufrichtig wie möglich der Kunst der musikalischen Interpretation zu widmen.“
Das Projekt hat sie zudem darin bestärkt, dass Tradition und Erneuerung keine Gegensätze sind, sondern einander ständig inspirieren. Tradition ist für sie kein abgeschlossenes Kapitel, sondern ein lebendiges Gedächtnis, das sich weiterentwickelt. Das Bild, mit dem sie diese Erfahrung zusammenfasst, gibt diesem Artikel seinen Titel: „Wenn ich diese Musik spiele, habe ich manchmal das Gefühl, gleichzeitig durch die Ruinen von Persepolis und durch die modernen, verschmutzten Straßen Teherans zu wandeln. Zwei Welten, zwei verschiedene Zeitalter, die in mir nebeneinander bestehen.“