Anton Bruckner (1824-1896) war in seiner Zeit als genialer Organist und Improvisator bekannt, auch wenn von seiner Hand nur eine begrenzte Anzahl von Orgelwerken überliefert ist. Dass dieser Ruf sich nie in einem substantiellen Orgeloeuvre niedergeschlagen hat, bleibt bemerkenswert. 1871 reiste er nach London, wo er als einer der besonderen Gäste die Orgel der Royal Albert Hall bei deren Einweihung spielen durfte. Wo finden wir diesen großen Organisten also wieder?
Vielleicht in seinen Symphonien. Wer Bruckner vom Orgel aus hört, merkt, wie eng sein sinfonisches Denken mit dem Instrument verbunden ist. Er baut Klangblöcke auf und stellt sie sich gegenüber, wechselt massive Tuttis mit dünnen Linien ab und lässt seine Musik durch lange Pausen und Stille atmen. Diese Stille ist bei Bruckner nie einfach eine Unterbrechung: Wie in einem Kirchenraum der Nachklang nach einem Akkord noch eine Weile nachklingt, bleibt auch bei ihm der vorherige Klang in der Stille präsent.
Bruckner scheint manchmal eher zu registrieren als zu orchestrieren. Eine Melodie bekommt eine andere Farbe, wenn sie von einer Gruppe zur anderen wandert; eine Stimme tritt aus einer Klangmasse hervor und verschwindet später wieder darin. Crescendos entstehen nicht nur dadurch, dass lauter gespielt wird, sondern weil graduell neue Schichten hinzugefügt werden. Es ist genau diese Denkweise, die seine Symphonien dem Orgel so verwandt macht und vielleicht erklärt, warum eine Orgeltranskription, so weit sie auch vom ursprünglichen Orchester entfernt ist, dennoch etwas Wesentliches über Bruckners Musik offenbaren kann.
Als Sinfoniker musste Bruckner inzwischen lange auf Anerkennung warten: erst mit seiner Siebenten Symphonie, im Alter von sechzig Jahren, kam der große Durchbruch. Die Uraufführung in Leipzig am 30. Dezember 1884 unter der Leitung von Arthur Nikisch bedeutete seinen ersten großen Erfolg als Sinfoniker. Der Komponist, der als Organist längst berühmt war, fand also erst spät ein breites Publikum für die Musik, mit der er heute so stark identifiziert wird.
Als diese CD mit der Orgeltranskription seiner Siebenten in die Redaktion kam, war mein Interesse sofort geweckt. Natürlich klingen bestimmte Orchesterpassagen auf der Orgel unvermeidlich anders – wie auch in Bearbeitungen für kleinere Ensembles, Klavierduo oder Jazzensemble ein Teil des ursprünglichen Orchesterklangs verloren geht. Aber was dafür an die Stelle tritt, kann einen anderen Aspekt der Partitur sichtbar und hörbar machen. Von der Siebenten kannte ich bereits das beeindruckende Adagio in der Orgelbearbeitung von Erwin Horn, gespielt von Robert Kovács auf der Brucknerorgel von St. Florian, wo die langsam fortschreitende Musik eine Intensität erhält, die sich fast von selbst mit der Orgel verbunden zu sein scheint. Eine vollständige Siebente auf der Orgel hatte ich jedoch noch nicht gehört.
Vom Orchester zu einem gigantischen Instrument
Diese Aufnahme wurde auf der monumentalen Seifert-Orgel der Mariabasilika in Kevelaer gemacht, die zwischen 1905 und 1907 gebaut und nach verschiedenen Erweiterungen und Restaurierungen heute mit 135 Registern ausgestattet ist. Sie ist einer der großen Vertreter des deutsch-romantischen Orgelbaus und mit seinem enormen Reichtum an Farben besonders geeignet für die spätromantische Welt Bruckners. Für diese Aufnahme waren mehr als 1.200 Registerwechsel erforderlich. Allein dieser Umstand macht deutlich, wie gewissenhaft Eberhard Klotz seine Transkription ausgearbeitet hat.
Klotz versucht nicht, jedes Orchesterinstrument wörtlich zu imitieren – das würde auch wenig Sinn haben. Eine Orgel kann die Atmung einer Streichergruppe oder die individuelle Färbung von Hörnern und Wagner-Tubas nicht ersetzen. Was er tut, ist die verschiedenen musikalischen Schichten und Funktionen nach den Möglichkeiten des Instruments zu übersetzen. Dies macht Details, die in der Orchesterversion leicht im Ganzen untergehen, hier manchmal überraschend deutlich. Das erfordert vom Organisten mehr als Virtuosität: Er muss kontinuierlich zwischen verschiedenen Registern und Klangcharakteren wechseln und gleichzeitig den großen Spannungsbogen der Symphonie bewahren.
Andrea Pedrazzini gelingt das überzeugend. Manchmal hast du nicht einmal das Gefühl, eine Transkription zu hören: Die reichen melodischen Bögen kommen so unmittelbar herein, dass man vergisst, dass hier kein Orchester sitzt, sondern ein Organist an einem Instrument. Von den ersten Noten an bekommt man Gänsehaut. Die berühmte Anfangsmelodie des Allegro moderato erscheint nicht wie im Orchester aus dem Tremolo der Violinen, sondern scheint aus dem Raum selbst zu entstehen und gewinnt allmählich an Gewicht. Pedrazzini braucht dafür etwa 25 Minuten, gut fünf Minuten länger als viele übliche Aufführungen, aber diese Spieldauer fühlt sich nirgends als Nachteil an. Er baut die Spannung sorgfältig auf, traut sich auch, wieder Gas zurückzunehmen und erzählt vor allem eine Geschichte. Der große Höhepunkt wird wunderbar langsam vorbereitet, aber so intensiv, dass die Musik einen an der Kehle packt.
Das Adagio – Sehr langsam und sehr feierlich setzt diesen breiten Ansatz fort. Mit etwa 26 Minuten gehört auch dieser Teil zu den langsamsten Aufführungen, die ich kenne, aber wieder erweist sich die Zeit, die Pedrazzini braucht, nicht als Selbstzweck. Die Musik wird nirgends gedehnt; sie bekommt einfach die Gelegenheit, vollständig auszuklingen. Die langen melodischen Linien bekommen eine fast vokale Intensität, während die dunklen Register darunter einen enormen Raum öffnen. Die Wagner-Tubas können hier natürlich nicht wörtlich nachgeahmt werden, aber ihre feierliche Funktion bekommt in der Orgelklang eine überzeugende neue Gestalt.
Die Variationen über non confundar in aeternum werden mit großer Sorgfalt zu ihrem Höhepunkt geführt. Jede neue Schicht scheint logisch aus der vorherigen hervorzugehen, wodurch der Höhepunkt nicht als plötzliche Wirkung erscheint, sondern als unvermeidliches Ergebnis dessen, was davor kam. Und dann fällt auf, wie wenig man den Beckenschlag und die Pauken vermisst. Das klingt fast unmöglich für den, der Bruckners Siebente gut kennt, aber die Spannung ist hier so organisch aufgebaut, dass das Fehlen des Orchesterschlagwerks kein Verlust wird. Auch die Trauermusik, die Bruckner nach dem Tod von Richard Wagner schrieb, erhält hier eine eindringliche Gestalt.
Das Scherzo wird ziemlich breit und sehr detailliert gespielt. Persönlich hätte ich mir hier manchmal etwas mehr Schärfe und dämonische Energie gewünscht – wer sich beispielsweise eine Aufführung unter Sir John Barbirolli anhört, erlebt ein nervöseres, aufrüttelndes Bruckner. Pedrazzini wählt bewusst einen anderen Weg und bringt vor allem Detail und rhythmische Festigkeit hervor, ohne dass die Musik in einer Demonstration von Orgelgewalt ausartet. Bei einem Instrument dieses Formats ist diese Verleitung nie weit entfernt – dass er ihr nicht nachgibt, ehrt ihn, auch wenn ich es ihm manchmal gegönnt hätte.
Besonders gelungen ist der Zugang zum Finale. Die Musik beginnt aus dem Leeren heraus und wird Schritt für Schritt aufgebaut, so dass sich die Konstruktion sozusagen vor deinen Ohren entfaltet. Das ist erfrischend, zumal dieses Finale in Orchesteraufführungen oft ziemlich hastig abgewickelt wird: Hier bekommt jeder Teil die Zeit, um sich zum nächsten zu verhalten. Der Klang kann beeindruckend massiv werden, bleibt aber eingebettet in eine klar aufgebaute Spannungskurve, so dass die Sinfonie nicht in einer Zurschaustellung von Orgelkraft endet, sondern in der Erfüllung von allem, was davor kam.
Ein anderer Blick auf Bruckner
Wer Bruckners Siebente nur als Orchesterwerk kennt, wird hier Farben und Details vermissen – eine Orgel kann das Orchester nicht ersetzen, und diese Aufnahme behauptet das glücklicherweise auch nicht. Interessanter ist, was die Transkription wohl sichtbar macht. Dadurch, dass die orchestrale Vielfalt auf ein einziges Instrument reduziert wird, werden Bruckners lange Linien und Klangblöcke greifbarer, bekommen die Pausen mehr Gewicht und wird das Kontrapunkt manchmal überraschend klar. Du hörst eine Partitur, die du vielleicht schon hundertfach gehört hast, plötzlich aus einem anderen Winkel. Die Transkription verändert die Sinfonie nicht, verändert aber deine Art zu hören.
Pedrazzini macht dabei echte Musik, ohne jede Form von Theatralik. Ein Instrument mit diesem Ausmaß und diesem Spektrum an Möglichkeiten lädt zu Zurschaustellung ein; Pedrazzini wählt dafür konsequent nicht. Es besteht kein Bedürfnis, Bruckner größer oder dramatischer zu machen, als er bereits ist; die Musik bekommt einfach den Raum, um ihre eigene Kraft zu entfalten.
Und so kommt am Ende doch wieder dieser Organist vom Anfang zum Vorschein. Vielleicht sollten wir ihn nicht in den wenigen Orgelwerken suchen, die Bruckner selbst hinterlassen hat, sondern in der Art und Weise, wie seine Sinfonien aufgebaut sind: als große Klangräume, in denen Stimmen erscheinen, verschwinden, sich stapeln und wieder auflösen. In dieser Siebenten wird diese verborgene Verwandtschaft zwischen Komponist und Instrument besonders hörbar.
Diese Aufnahme macht also neugierig auf mehr. Hoffentlich bleibt es nicht bei dieser einen Sinfonie und wird sie der Anfang eines kompletten Zyklus von Bruckners Sinfonien in Orgeltranskription. Wenn die anderen Teile des Werks auf dieselbe überzeugende Weise angegangen werden, gibt es noch viel zu entdecken. Ich freue mich schon auf eine Fortsetzung.
