Als sich Age Veeroos vor kurzem bei mir für eine CD-Besprechung anmeldete, läuteten bei mir (noch) keine Glocken. Ich hatte noch nie von ihr gehört, geschweige denn mich mit ihrem Werk auseinandergesetzt. Es würde mich überraschen, wenn das bei Ihnen, lieber Leser, anders sein sollte – natürlich mit Ausnahmen. Also erst einmal ihre Herkunft erkunden.
Age Veeroos, auch bekannt als Age Hirv, wurde am 11. Mai 1973 in Võru, Estland, geboren. 1998 schloss sie ihr Studium der Germanistik an der Universität Tartu ab, mit einem Zwischenstopp von 1993 bis 1994 für ein Literaturstudium an der Universität Göttingen. Komposition studierte sie von 1996 bis 1998 an der Musikschule Tartu Heino, um 2006 ihr Meisterdiplom in Komposition mit Auszeichnung an der Estnischen Musik- und Theaterakademie (EAMT) zu erhalten. Kurz darauf studierte sie bei Wolfgang Rihm, der an der Hochschule für Musik in Karlsruhe ihr letzter Lehrer war. Während ihrer Studienzeit folgte sie mehreren internationalen Meisterkursen, unter anderem bei Salvatore Sciarrino (Rom, 2004), IRCAM (Paris, 2005) und dem Arditti String Quartet (Metz, 2005). Darüber hinaus nahm sie an verschiedenen Meisterkursen teil, darunter denen von Michael Finnissy, Georg Friedrich Haas, Veli-Matti Puumala und Betsy Jolas.
Obwohl Veeroos' Werk in Belgien und den Niederlanden kaum oder gar nicht bekannt ist (obwohl Slagwerk Den Haag tatsächlich eine Reihe ihrer Werke aufgeführt hat), werden ihre Kompositionen regelmäßig sowohl innerhalb als auch außerhalb ihrer Landesgrenzen aufgeführt – in regulären Konzertprogrammen und auf Musikfestivals, und nicht durch die kleinsten Ensembles, wie Ensemble Musikfabrik, Sinfonietta Riga, das Estnische Nationale Sinfonieorchester, das Arditti String Quartet, die Berliner Philharmoniker, sowie an der Staatsoper Hannover.
2010 gewann Veeroos mit einem Team von sechs Mitgliedern den Hauptpreis des Wettbewerbs für Musiktheater "Operare" der Zeitgenössische Oper Berlin.Operare2020 nominierte die European Composer and Songwriter Alliance (ECSA) "Ma olen suur kuu su silmapiiril" ("Ich bin der große Mond am deinem Horizont") für das Konzert im Rahmen des European Orchestra of Contemporary Composers (ECCO). Als Teil des sechzig Minuten dauernden Programms, das auf der Grundlage eines Referendums zusammengestellt wurde, wurde ihr Stück für die siebzehnte Online-Ausgabe ausgewählt und wurde im Februar 2021 von Joey Marijs von Slagwerk Den Haag aufgeführt. 2023 erhielt Veeroos den Lepo-Sumera-Kompositionspreis.Auf dem auf moderne und zeitgenössische Musik spezialisierten Musiklabel Kairos erschien kürzlich ein neues Album mit sieben Werken von Age Veeroos. Der Titel, "Outline of the Night", verweist auf das gleichnamige Stück für Ensemble, das Veeroos im letzten Jahr vollendete.Simon Cummings lieferte ausgezeichnete Erläuterungen. Natürlich kann man sich fragen, ob und wenn ja, inwieweit Musik dies braucht, aber besonders im heutigen Bereich kann auch eine nicht allzu umfangreiche Analyse wahre Wunder bewirken. Schon allein um auditives Verständnis für Musik zu schaffen, die oft weniger leicht zugänglich ist.
Im Zentrum der Musik von Age Veeroos: Nichts ist, wie es scheint. Oder vielleicht ist alles genau so, wie es scheint. Dieser paradoxe Charakter wird durch ihre Ungreifbarkeit genährt – das für mich charakteristischste Merkmal ihres Komponierens. Dies im Gegensatz zu den von ihr gewählten ‚Themen'. Es hat etwas Mysteriöses: diese Musik mit ihrem unvermeidlichen Gefühl des Unangreifbaren, wodurch sie, inherent diesem Begriff, nicht leicht in Worte zu fassen ist. Veeroos zeichnet sich durch die Symbiose von strahlender Energie und spannungsgeladener, mehrdeutiger Rhetorik aus. Musik, die Mikrotonalität ebenso leicht mit Elektronik verbindet, in der auch Spieltechniken erforscht werden und obsessiver Surrealismus ebenso wie Ausläufer der estnischen Volksmusik umarmt werden.Viele zeitgenössische Komponisten bringen oft neues Klangmaterial ein, um eine ganz neue Hörerfahrung zu ermöglichen. Aus dem Gedanken heraus, dass die traditionelle Klangwelt aus historischer Perspektive abgenutzt und daher unbrauchbar geworden ist.Warum sollte das bei Veeroos anders sein? Für sie sind neue Klänge – wie auch aus diesem Album deutlich wird – kein Ziel an sich. Es ist vielmehr Musik, in der Hyperexpression als ihre wichtigste, spirituell verwurzelte ‚Zeichensprache' gespiegelt wird. Keine monolithischen Klangblöcke, sondern asketische Diffusion und (scheinbar?) intuitive Stille, aufwallend aus subtil gestalteten Klangskulpturen, die sich als frei schwebende Klangobjekte manifestieren.
Zeitgenössische Musik verlangt, nein fordert stark engagierte Musiker, die die komplexesten Stücke vollständig zu eigen gemacht haben. Auf diesem Album kommt es vollkommen zusammen: das intensive Engagement, die Spieltechniken und die klaren Aufnahmen, die mehr zu bieten haben als nur die Kirsche auf der Torte. Denn es wird oft übersehen: dass bereits von Grund auf die Aufnahme stark mitbestimmend für das endgültige Ergebnis ist, so hervorragend die Musik und die Musiker auch sein mögen. Es ist schließlich die Qualität der Aufnahme, die Musik sozusagen öffnet und den Hörer daran teilhaben lässt. Auf diesem Album wird dies bis ins kleinste Detail verwirklicht.
JPC
Viele zeitgenössische Komponisten setzen häufig neues Klangmaterial ein, um ein völlig neues Hörerlebnis zu ermöglichen. Dies aus der Überlegung heraus, dass die traditionelle Klangwelt aus historischer Perspektive abgenutzt ist und dadurch unbrauchbar geworden ist.
Warum sollte das bei Veeroos anders sein? Für sie sind neue Klänge – wie auch dieses Album deutlich macht – kein Selbstzweck. Es ist vielmehr Musik, in der Hyperexpression als ihre wichtigste, spirituell verankerte »Zeichensprache« widergespiegelt wird. Keine monolithischen Klangblöcke, sondern aszetische Diffusion und (scheinbar?) intuitive Stille, aufquellend aus subtil gestalteten Klangskulpturen, die sich als frei schwebende Klangobjekte manifestieren.
Zeitgenössische Musik verlangt – nein, sie fordert – stark engagierte Musiker, die die komplexesten Werke sich völlig zu eigen gemacht haben. Auf diesem Album kommt es vollkommen zusammen: das intensive Engagement, die spieltechnischen Fähigkeiten und die klaren Aufnahmen, die mehr zu bieten haben als nur das Sahnehäubchen. Denn es wird allzu oft übersehen: dass bereits von Grund auf die Aufnahme stark bestimmend ist für das Endergebnis, so vortrefflich die Musik und die Musiker auch sein mögen. Es ist schließlich die Qualität der Aufnahme, die Musik gewissermaßen aufschließt und den Hörer daran teilhaben lässt. Auf diesem Album wird das bis ins kleinste Detail verwirklicht.
