Avec le concert de clôture « From the New World », le festival Antwerp Spring a couronné sa cinquième édition par une interprétation qui n'était pas seulement réfléchie sur le plan programmatique, mais s'est finalement révélée être une expérience musicale impressionnante. En collaboration avec Opera Ballet Vlaanderen, un parcours a été tracé le dimanche 26 avril, partant de l'univers sonore caribéen, en passant par les traditions afro-américaines, jusqu'à la vision européenne de la « Nouvelle Monde » de Dvořák – une ligne qui a trouvé une expression remarquable tant sur le plan musical que sur le plan acoustique à la Handelsbeurs d'Anvers.

Sous la direction du chef passionné Diego Matheuz, l'Orchestre symphonique d'Opera Ballet Vlaanderen a confirmé son très haut niveau. Ce qui a immédiatement frappé, c'était non seulement la maîtrise technique et l'homogénéité, mais surtout l'intensité et le plaisir du jeu collectif : voilà un orchestre qui jouait avec un engagement manifeste envers le répertoire. Matheuz s'est avéré être le partenaire idéal en tant que chef charismatique qui unissait la structure et la clarté à un sens infaillible de l'expression et de la construction dramatique. Le chef et l'orchestre formaient un duo remarquablement harmonieux.

L'ouverture avec Margarita d'Inocente Carreño (1919-2016) a d'emblée donné le ton avec une interprétation étincelante et colorée qui contenait bien plus que du simple charme exotique. Dans cette œuvre, ancrée dans l'atmosphère et le rythme de l'île de Margarita, Carreño combine l'énergie dansante avec un sens raffiné de la couleur orchestrale. L'orchestre a su saisir cette double dimension de manière convaincante : des passages pleins de vie et clairement profilés sur le plan rythmique alternaient avec des moments plus contemplatifs, sans que la ligne de tension soit perdue. L'orchestration sonnait claire et différenciée, avec une respiration naturelle entre les différents groupes. Particulièrement frappante était la section médiane mélancolique, où la musique se replie temporairement et fait place à plus d'introspection. Les solos du premier violon et du violoncelle ont été joués avec une belle simplicité et une nuance expressive. Caractéristique était la manière organique dont les contrastes ont été développés : l'exubérance et la finesse ne s'opposaient pas, mais s'enchaînaient logiquement. Ainsi Margarita a non seulement acquis de la couleur, mais aussi une forme claire et une cohérence interne.

Avec Ethiopia's Shadow in America de Florence Price (1887-1953) était une œuvre qui se laisse non seulement écouter, mais aussi lire comme un remarquable récit musical. Price évoque ici un parcours de l'origine africaine à la réalité afro-américaine, où des éléments des spirituals, de la tradition du romantisme tardif et du matériau thématique personnel s'entrelacent. Matheuz et l'orchestre ont abordé cela avec un souci manifeste de la structure et de la stratification. Les différentes sections – contrastées par le caractère mais liées sur le plan du contenu – ont été clairement profilées et construites logiquement, avec une attention aux détails sans perdre de vue l'ensemble, les épisodes contrastants en particulier – allant de la lyrique retenue à une dramatique plus affirmée – ont été fortement articulés. La sonorité chaleureuse des cordes et les bois nuancés ont assuré une image sonore riche, mais jamais lourde. En même temps, la tension sous-jacente est restée agréablement dosée. Ce qui était remarquable, c'était le sérieux, la dévotion et la conviction avec lesquels ce répertoire a été abordé : non comme un supplément rare, mais comme une œuvre symphonique à part entière. La charge émotionnelle n'a pas été exagérée, et en a été d'autant plus efficace. Le résultat était une lecture qui convaincait tant sur le plan du contenu que sur le plan musical, et qui laissait l'impression que cette œuvre mérite vraiment pleinement sa place dans le répertoire.

C'est un mérite du festival d'avoir offert l'espace pour découvrir à la fois Price et Carreño : une musique qui non seulement intrigue, mais aussi suscite manifestement une soif de redécouverte.

Dans ce contexte, la Neuvième Symphonie, Du Nouveau Monded'Antonín Dvořák (1841-1904) a reçu le poids d'un point culminant, dans une interprétation qui peut sans hésitation être comptée parmi les plus mémorables que j'aie jamais entendues de cette œuvre. Dès les premières mesures, il y avait cet élan spontané : le mouvement d'ouverture a reçu un tempo fluide et respirant organiquement, où la mélancolie ne s'est pas éternisée, mais a donné de la direction et a généré de la tension. Ce qui a particulièrement frappé ici, c'était l'intensité du jeu collectif – un orchestre qui ne jouait pas seulement avec une extrême précision, mais investissait manifestement dans chaque phrase. De petites accentuations, des variations subtiles de dynamique et de phrasé : ce sont des détails qui passent souvent inaperçus, mais qui ici ont fait la différence et ont donné à la partition une vivacité particulière.

Le Largo a constitué pour moi l'un des moments les plus émouvants du concert. La construction était exemplaire dans sa simplicité et son déroulement naturel, avec des tempi qui laissaient de l'espace sans jamais s'arrêter. Le célèbre solo du cor anglais sonnait retenu et noble, presque fragile dans sa directité, et était soutenu par un orchestre qui accompagnait avec une attention et une douceur exceptionnelles. Ici, on entendait des musiciens qui s'écoutaient les uns les autres, qui respiraient ensemble – une qualité qui est difficile à forcer, mais qui arrive d'autant plus fortement quand elle est présente.

Le Scherzo a ensuite conservé son élasticité et son acuité rythmique, léger mais jamais superficiel. Et puis le final, enchaîné attacca, comme un libération inévitable de ce qui précédait. Ici, tout s'assemblait : la liberté du jeu des tempi, un plaisir de jeu presque tangible et une maîtrise technique qui semblait sans effort. L'énergie était contagieuse, sans forcer, et a porté l'ensemble vers une conclusion qui convaincait et émouvait.

Ce qui a rendu cette interprétation si particulière pour moi, ce n'était pas seulement le haut niveau, mais la manière dont ce niveau a été utilisé par Matheuz au service de la musique. Aucune recherche d'effet, aucune exagération, mais une lecture réfléchie, intérieure dans laquelle le détail et la ligne générale se renforçaient continuellement.

Ce qui a rendu ce concert de clôture exceptionnel, c'était la cohérence entre la programmation, l'interprétation et l'expérience. Ici, aucun concept n'a été illustré, mais la musique a été portée à la parole – avec conviction, imagination et savoir-faire. Le festival Antwerp Spring se confirme ainsi comme une initiative qui ne se contente pas de programmer, mais qui réalise véritablement des moments de concert mémorables.