Un orchestre est par définition un lieu de rencontre : des dizaines de musiciens y apportent leur instrument, leur formation et leur personnalité musicale pour créer quelque chose que personne ne pourrait accomplir seul. Mais que se passe-t-il lorsque ce ne sont pas des musiciens individuels, mais deux orchestres de jeunes qui se rencontrent ? L'Orchestra of the Americas et le Penderecki Youth Orchestra donnent une réponse convaincante à cette question lors de Young Euro Classic le lundi 10 août : sur la scène du Konzerthaus Berlin, après une période de répétition d'à peine une semaine, ils s'avèrent capables de former un orchestre remarquablement uni.
Cette rencontre ne commence pas sur le podium. Une partie des jeunes musiciens de l'Orchestra of the Americas se connaissaient initialement uniquement via Zoom et ne se sont réunis pour la première fois en personne qu'en Pologne. Via un écran, on peut apprendre à se connaître, mais ce n'est que lorsqu'on s'assoit côte à côte qu'on entend comment quelqu'un respire et à quelle vitesse un autre musicien réagit.
Ce processus correspond au caractère de l'orchestre : les musiciens, âgés de dix-huit à trente ans, sont sélectionnés chaque année parmi environ six mille candidats pour quatre-vingts places, et depuis sa création en 2002, l'ensemble a donné plus de quatre cents concerts dans plus de 35 pays. Le Penderecki Youth Orchestra, fondé en 2013 par le Krzysztof Penderecki European Centre for Music à Lusławice, apporte une composante distinctement polonaise et européenne en face. Sur la scène du Konzerthaus, les expériences musicales de différentes parties de l'Amérique et de l'Europe se rencontrent ainsi.
Penderecki comme figure de liaison
Le concert s'ouvre avec l'hymne du festival d'Iván Fischer (°1951), joué par les cuivres – un peu rude, mais cette courte salutation festive peut bien le supporter. Ensuite, le silence s'installe et le monde sonore change complètement avec la Ciaccona in memoria Giovanni Paolo II de Krzysztof Penderecki (1933-2020), une œuvre à la mémoire du pape Jean-Paul II et plus tard intégrée au Polnisches Requiem. Penderecki construit l'œuvre autour de l'ancienne forme de la chaconne, où un modèle de basse récurrent porte la musique tandis que la tension s'épaissit de plus en plus.
Avant même que cette structure ne se laisse analyser, c'est la sonorité chaude et homogène des cordes qui frappe. Il y a une profonde intériorité dans cette Ciaccona qui ne la fait pas sonner comme un exercice de technique compositionnelle, mais comme un véritable adieu profondément ressenti. Pour les jeunes musiciens polonais, qui portent le nom du compositeur non seulement sur leur partition d'orchestre mais aussi sur leur établissement, l'œuvre acquiert ainsi une charge particulière, presque symbolique.
Une interprétation surprenante
Et puis Johannes Brahms (1833-1897). Parfois, on entend une œuvre tellement souvent qu'on pense la connaître après des décennies – et puis un soir on s'assoit dans la salle et le premier mouvement semble soudainement une œuvre complètement différente. C'est ce qui m'est arrivé lors de cette exécution de la Troisième symphonie de Brahms. Le premier mouvement a été pris exceptionnellement largement : pas de hâte dramatique, pas d'accent sur l'héroïque, mais une lueur chaude de soirée d'été qui laissait la musique respirer très intensément. Cela demandait de s'adapter, mais plus le mouvement durait, plus ce choix se révélait être une richesse mélodique qui m'avait échappé jusqu'alors.
Ce qui était stupéfiant, c'est la rapidité avec laquelle ces deux orchestres avaient développé une sonorité aussi homogène et chaude : les cordes plus graves donnaient une lueur intense, et les groupes d'instruments ne se tenaient nulle part comme des blocs distincts côte à côte. Même dans les passages apaisés que Prieto introduisait, la musique restait parfaitement audible, tout comme les pizzicatos. Les bois avaient tout l'espace pour de beaux solos caractéristiques. Cette même tendance s'est poursuivie dans l'Andante et le Poco allegretto – une jouissance délicieuse, sans qu'il faille que quelque chose se produise continuellement pour avoir quelque chose à dire.
En finale, le feu familier revint : plus dramatique, plus acéré et idéal pour conclure ainsi de manière classique. Une trouvaille particulièrement forte était la disposition des cuivres ensemble, au lieu de disperser les cors face au reste des cuivres dans différents coins. De cette façon, les cuivres pouvaient parler comme un seul bloc au lieu de se combattre, et cela fonctionnait incroyablement bien ici.
Cela a cliqué entre Carlos Miguel Prieto et les deux orchestres, quelque chose qui était déjà perceptible lors des entretiens de cet après-midi. Prieto avait alors dit que pour lui, c'était surtout le processus qui comptait ; le concert lui-même était le couronnement, l'épilogue festif du travail acharné qui l'avait précédé. Après ce Brahms, tu comprenais ce qu'il voulait dire. Pour moi, la symphonie a connu une véritable renaissance ce soir-là – non pas parce que l'œuvre sonnait radicalement différente, mais parce que le temps, la chaleur, le silence et la respiration avaient été mis dans la musique.
L'impétuosité à l'honneur
Après l'intermède, l'atmosphère change complètement. Prieto introduit brièvement la La noche de los Mayas de Silvestre Revueltas (1899-1940) et dit que cette génération lui donne de l'espoir pour l'avenir – une remarque simple qui prend une signification supplémentaire après tout ce qui a précédé. Il laisse les percussionnistes se présenter eux-mêmes et leurs instruments un par un, et au moment où tout le monde est rassis, tu sais : quelque chose nous attend.
Ce qui suit est une pure fête musicale. L'œuvre a été créée en 1939 comme musique de film et n'a été rassemblée en 1960 par José Yves Limantour en la célèbre suite orchestrale en quatre parties. La percussion y occupe une place exceptionnellement grande, avec notamment des bongos, des congas, un güiro, des hochets, des tom-toms, des teponaxtles, un huehuetl, un caracol, un tam-tam et un xylophone. En particulier, le caracol – la coquille qui sert d'instrument à vent – attire l'attention et l'oreille, ainsi que les teponaxtles en bois et le grand tambour huehuetl.
Ce qui a surtout frappé, c'est la manière dont les musiciens ont réagi physiquement à la musique. Ils ne restaient pas assis immobiles derrière leurs pupitres, mais se mouvaient sur leurs chaises, comme si la rythmique de Revueltas ne se trouvait pas seulement dans leurs mains, mais dans tout leur corps. Et cela valait non seulement pour les musiciens de l'Orchestra of the Americas : les jeunes musiciens polonais s'étaient aussi clairement approprié ce langage rythmique mexicain. Nulle part on n'avait l'impression que l'un des groupes jouait la musique de l'autre. Deux orchestres qui, quelques semaines auparavant, étaient pour la plupart des étrangers les uns pour les autres, musicalisaient ici avec le même enthousiasme et la même vigilance.
Un point important : avec autant de percussionnistes, il aurait été facile de faire une démonstration de puissance orchestrale, mais cela ne s'est pas produit. Les sections réagissent vivement les unes aux autres et l'exubérance rythmique n'a nulle part quelque chose de superficiel. Le deuxième mouvement se termine par une petite plaisanterie que le public reçoit immédiatement avec un rire ; la timbalière aussi est un plaisir à regarder, tandis que l'équilibre entre les sections reste bien gardé. Quelques solos de flûte sont également beaux, qui s'élèvent comme des lignes légères et presque ludiques au-dessus du fondement rythmique.
Dans la quatrième partie, cela devient encore plus impressionnant : il est captivant de voir toutes ces variations de l'appareil de percussion apparaître et d'entendre en même temps comment elles sont intégrées musicalement. Les cordes ne sont pas toujours aussi bien audibles, mais cela ne nuit guère à l'ensemble – la force réside dans la manière dont les strates forment ensemble un paysage rythmique continuellement changeant.
C'est un monde orchestral tout à fait différent de Brahms, mais la qualité sous-jacente reste la même : il s'agit d'écouter, seulement le langage a changé du souffle et de la phrase au rythme et à la couleur – chez Revueltas une respiration qui est plus rythmique, plus charnelle et plus exubérante.
Une ville qui danse sans relâche
Antrópolis de Gabriela Ortiz (°1964) est également brièvement expliqué par Prieto. Le titre est un néologisme dans lequel antro, la désignation espagnole des bars et des boîtes de nuit, résonne et fait référence au son de Mexico et à l'énergie d'un monde urbain et nocturne – un voyage musical le long des salles de danse et des boîtes de nuit où différents styles se rencontrent.
Ce qui saute immédiatement aux yeux, c'est la manière dont Ortiz transforme presque l'orchestre ici en un groupe de danse. La section de percussion dispose d'un arsenal impressionnant – en plus des timbales, notamment bongos, marimba, vibraphone, batterie, claves, cowbell, maracas, güiro et vibraslap – tandis que les cordes posent une base rythmique et que les bois et les cuivres placent des exclamations courtes et énergiques et des fragments mélodiques au-dessus. Les timbales reçoivent un rôle solistique remarquable au début et fonctionnent ensuite comme lien entre les parties. La musique change continuellement de forme, mais ne perd sa cohérence nulle part.
Après la lueur orchestrale de Brahms et la rythmique explosive de Revueltas, Antrópolis n'est pas une simple suite, mais une accélération supplémentaire : un langage contemporain dans lequel la danse, la vie nocturne et le rythme urbain se confondent. La première allemande prend donc quelque chose d'irrésistible – à nouveau avec beaucoup d'énergie rythmique, mais toujours portée par la précision plutôt que par la pure démonstration.
Un jeune talent sans frontières
Young Euro Classic a présenté ici non pas simplement deux orchestres de jeunes qui partagent le même podium par hasard, mais une situation dans laquelle les jeunes musiciens se sont vraiment besoin les uns des autres. Il est révélateur aussi que le programme ne se termine pas par Brahms, mais par Ortiz : la tradition européenne est le point de départ, non le point d'arrivée. Penderecki et Brahms ouvrent la soirée, Revueltas apporte le Mexique, et Ortiz montre comment un compositeur contemporain poursuit cette histoire.
Pour moi, cette pensée a pris sa forme la plus retenue chez Penderecki, la plus surprenante chez Brahms, la plus festive chez Revueltas et la plus dansante chez Ortiz – quatre mondes musicaux très différents, portés par deux orchestres de jeunes dont les musiciens s'étaient réellement connus peu de temps auparavant. C'est précisément là que résidait l'importance de cette soirée : deux orchestres qui ne sont pas simplement fusionnés, mais qui ont trouvé une voix commune.
Avant ce concert, quatre jeunes musiciens des deux orchestres ont déjà parlé de leur collaboration et du programme – tu peux lire cette interview ici : https://klassiek-centraal.be/musici-uit-heel-amerika-en-europa-een-klank-orchestra-of-the-americas-en-penderecki-youth-orchestra-vinden-elkaar-bij-young-euro-classic/
Tu peux lire une interview avec le chef d'orchestre Carlos Miguel Prieto ici : https://klassiek-centraal.be/muziek-is-een-absolute-barometer-van-het-leven-in-gesprek-met-dirigent-carlos-miguel-prieto/