Lorsque des poireaux sont mis à contribution pour exécuter une petite danse, nous savons qu'il ne peut s'agir que de musique classique contemporaine. Ajoutez à cela la technologie vidéo, l'intelligence artificielle, l'instrumentation alternative, le minimalisme et une bonne dose de problématique de genre, et les contours de la nouvelle musique classique deviennent clairement visibles. Un aperçu d'un week-end Transit à Leuven, où les auditeurs sont aussi devenus spectateurs.
Le compositeur allemand Michael Beil a surpris avec sa composition pittoresque Hide to Show dans laquelle un conte de fées est raconté sur les racines paradoxales de la solitude - la technologie de communication et les réseaux sociaux. La technique de composition de Beil s'éloigne du développement musical. Sa structure consiste à faire défiler une succession nerveuse de scènes et des mèmes qui ne cessent de se répéter, se reformuler, varier, circuler et muter. Une trouvaille précieuse est la mise en scène. Huit musiciens (du Nadar Ensemble) sont répartis dans une rangée de six cabines (vêtues) aux yeux bandés. Lorsque les jalousies sont ouvertes, les spectateurs voient comment ils jouent - chacun pour soi, mais il y a néanmoins une harmonie. Et ils dansent, se déguisent, s'amusent, se figent. Lorsque les jalousies sont fermées, elles servent d'écrans de projection pour les enregistrements réalisés par deux caméras vidéo (en direct). Et parfois les stores ne sont qu'à moitié fermés, de sorte que la réalité et la virtualité se mélangent. Le résultat s'appelle hyperréalité. La question clé est ce qui est caché ou non. Cette confusion continuelle est parfaitement conforme à la communication sur les réseaux sociaux où il n'est pas toujours clair non plus avec qui ou quoi on a affaire.
La richesse de la composition de Beil réside dans un croisement coloré et conte de fées de la vidéo et de la musique. Cela signifie que les auditeurs sont aussi des spectateurs. La musique est à la fois acoustique et électronique avec bande magnétique, tout avec une texture légère, sous des influences japonaises, russes, américaines et européennes. Il fait aussi des blagues fonctionnelles comme danser avec des poireaux frais. Les costumes sont ornés de motifs enfantins aux couleurs vives. Les perruques sont blondes ou turquoise. Parfois, tous les musiciens portent des lunettes, et parfois non. C'est une fête costumée dans laquelle les adultes reviennent en sautillant vers leur enfance avec enthousiasme. L'ambiance est généralement taquine, parfois clubby ou hip, puis à nouveau stimulante et languissante comme dans un midsummer nights dream. Le Nadar Ensemble, pour qui Beil a écrit cette pièce, et Hide to Show semblent être deux mains sur un même ventre. Ils se ressentent parfaitement. Le fait qu'une combinaison de musique, de mouvement, de mimique et de gestes s'avère presque naturellement juste ne se produit pas souvent. Cela ne peut être révélé qu'après un intense processus de répétition qui aboutit à jouer de tête, comme l'a montré Nadar. C'était un concert convaincant qui offre une perspective sur le développement ultérieur d'un nouveau style musical dans lequel la vidéo et la technologie offrent une valeur ajoutée concrète et équilibrée. Le fait que cette combinaison puisse répondre à un besoin a aussi été montré par la présence de familles avec enfants. Il y avait même des groupes d'enfants qui ont essayé quelques-unes des petites danses dans une cour intérieure ventée après le concert. Il y a donc de l'espoir.
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© Evy Ottermans[/caption]
Mais le succès de Hide to Show ne signifie pas que l'utilisation d'éléments de structuration fixes a eu ses beaux jours. Anciens de plusieurs siècles et toujours jeunes sont les tentatives de capturer la musique dans des modèles mathématiques. Depuis qu'Aristote a jeté les bases de la théorie de l'harmonie avec sa théorie des sphères planétaires, le désir de systématique ne nous a jamais quittés. Le compositeur américain Tom Johnson (°1939) travaille depuis des années avec des blocs de conception mathématiques dans lesquels le comptage est central. Le pianiste Daan Vandewalle a joué sa composition Solutions (9, 3, 2), une première mondiale. Johnson tire ici 36 systèmes de neuf notes et les remonte, mais avec des variations telles que des séquences descendantes, des accords ouverts et fermés, des lignes mélodiques épurées, une réduction des notes, des tempi très lents à un peu plus rapides, des silences longs et courts, plus fort et plus doucement, fugué, pointu, lié ou très sec. Vandewalle est un maître de la nuance. Au fur et à mesure que le tempo ralentit et que de moins en moins de notes sont jouées, une légère glissade dans l'attaque ou un silence d'une microseconde trop long est puni sans pitié auditivement. Malgré ces risques, Vandewalle n'a pas été pris en défaut, cela ne sonnait en tout cas pas mathématique - heureusement.
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© Evy Ottermans[/caption]
Sur le plan instrumental, le cuivriste néerlandais Marco Blaauw a apporté un renouvellement rafraîchissant. Dans la composition O.M. Rising du compositeur/violoncelliste/activiste britannique Ayanna Witter Johnson, il a utilisé une pocket trumpet rouge vif avec un mégaphone de poche assorti, pour à la fois atténuer et amplifier. Un morceau percutant dans lequel une voix unique s'exprime contre les inégalités raciales et de genre – sobre, stimulant et donc efficace. Les questions de genre ont également été abordées lors de la création de Counterforces du compositeur flamand Frederik Croene. Sur un texte de Dominique De Groen, Amina Osmanu, Lore Binon et IKRAAAN ont chanté sur la force terrestre et sociale des femmes, reflétée dans le rôle contestable que l'homme a joué dans les changements du monde. L'arrière-plan a été fourni par des interventions répétitives du compositeur Frederik Croene au piano et avec bande (motos monotones et meuleuses). Sur le plan instrumental, il n'y a pas eu grand-chose dans Counterforces. Ce n'est pas nécessaire, d'autant plus que le morceau est porté par le texte. Cependant, la relation entre les parties chantées et les parties instrumentales était largement déséquilibrée, ce qui a fait perdre beaucoup du texte. De plus, il n'y avait pas de sur-titrage.
Une autre ligne est la poursuite de la réhabilitation de l'écriture tonale. À Transit, il y avait deux exemples de jeunes compositeurs qui écrivent dans une tonalité (élargie). Depuis quelques années, la tonalité n'est plus un tabou. Le temps où un étudiant en composition n'osait plus sortir dans la rue parce qu'il travaillait sur une pièce tonale est à au moins une décennie derrière nous. Ensemble Klang, un groupe de six musiciens qui joue sans chef d'orchestre, s'est risqué à deux nouvelles pièces de Maya Verlaak et Jesse Broekman. De Verlaak, Conditions a été interprété, une composition d'harmonies flottantes, où les musiciens étaient répartis aux extrémités de la salle. Cela a décalé la perspective du trafic unidirectionnel statique traditionnel depuis la scène vers une expérience spatiale, comparable à un voyage à travers le cosmos. Avec cela, Verlaak semble avoir ouvert une nouvelle voie. Elle est connue pour ses compositions ludiques dans lesquelles la technologie et l'humour auditif jouent un rôle primordial. Avec Conditions, elle ajoute maintenant un élément contemplatif à son œuvre.
Klang a également interprété will it be like this for a long time, you asked, une création remarquable de Jesse Broekman. Dans ce morceau méditatif, le rôle principal a été joué par le percussionniste Joey Marijs. Avec son traitement tendre de plaques d'aluminium spécialement sciées, il a apporté une force silencieuse de parfums et de textures asiatiques à la salle. Parfois, ses plaques sonnaient comme un gamelan, tantôt comme des cloches. La pianiste Saskia Lankhoorn a fait référence avec son piano préparé à John Cage, qui a écrit beaucoup de ce genre vers 1940. Elle a caressé les bâtons d'encens placés entre les cordes avec une telle fluidité que cela s'approchait d'une drone. Avec leurs nouvelles compositions, Verlaak et Broekman ont trouvé un langage tonal qui, s'avère-t-il, se sent bien à l'aise via des saxophones et des guitares électriques dans une formation non-classique.
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© Evy Ottermans[/caption]
Le fait que les auditeurs doivent accepter un double rôle de spectateur pour beaucoup de musique nouvelle s'est avéré dans la composition Non sono Dei quelli fatti con le mani pour six voix et six musiciens du duo italien Mauro Lanza et Claudio Panariello. Il y avait beaucoup à voir lors de l'exécution de Spectra Ensemble et HYOID Voices. Après un long tissage d'ouverture de drones, les vocalistes se montrent polyvalents, en sifflant par les ouvertures de bouteilles, en jouant de la flûte à bec et en utilisant des harmonica à bouche. Le titre (« Ceux qui sont faits de mains ne sont pas des dieux ») fait référence à des œuvres d'art créées par l'intelligence artificielle - donc pas par les mains humaines. Dans cette composition, on a utilisé des passages de l'une des messes iconiques de Guillaume Dufay (1397-1474), dont dix versions différentes ont été utilisées pour créer des algorithmes qui ont produit du nouveau matériel. Tout cela a conduit à une histoire vocale et musicale solidement construite sous laquelle était posé un tapis de nœuds virtuose d'art de l'IA.
Disiecta Membra (« membres dispersés ») de Mauro Lanza pour six voix, se réfère par des citations au catalogue des membres dans les sept cantates de Dietrich Buxtehude (1637-1705) mais est maintenant associé à une parodie sur l'abattage d'un cochon. Ici aussi, les vocalistes se sont régulièrement écartés des lignes : un tissage de voyelles a été alternée avec des coups dans l'harmonica à bouche ou avec le couinement d'un jouet en plastique en forme de cochon. Des petits airs sifflés ont déplacé le spectateur vers la routine de l'abattoir. Les gestes larges et élégants du chef Filip Rathé et la façon expressive dont les chanteurs ont tourné les pages de leurs partitions ont complété le spectacle.
QUOI : Transit – open mind, open ears OÙ : STUK, Leuven VU : 20-22 octobre 2023