Du contreténor Maarten Engeltjes à la tête de PRJCT Amsterdam, trois albums ont été publiés jusqu'à présent, dont le troisième et dernier pour la première fois sur le label Pentatone. Un premier enregistrement qui a tous les atouts pour réussir, car cette édition est particulièrement bien trouvée, notamment grâce à la combinaison du savoir-faire, de la restitution textuelle et de l'engagement. Dans le commentaire rédigé par Engeltjes lui-même (également en néerlandais !), ce dernier point s'exprime dans la manière dont il aborde le sens profond du Stabat Mater :
« Une femme qui enterre son mari est appelée veuve, un homme qui reste sans sa femme est appelé veuf. Un enfant sans parents est orphelin. Mais comment appelle-t-on le père et la mère d'un enfant décédé ? » Paroles tirées du livre Schaduwkind de l'écrivain néerlandais P.F. Thomése. Mais il n'y avait rien d'inventé dans cette histoire, c'était arrivé à lui et à sa femme : ils avaient perdu leur premier enfant peu après sa naissance. En lisant cela, j'ai immédiatement pensé au Stabat Mater de Pergolesi. La mère de toutes les mères, Marie, doit assister à la souffrance et à la mort de son fils Jésus. Nous partageons son désespoir et sa douleur. Au cours des huit derniers siècles, des centaines de compositeurs se sont inspirés de ce poème latin émouvant, dont personne ne connaît l'auteur. C'est peut-être aussi bien. Ainsi, cet arbre de paroles a pu continuer à se ramifier dans le temps. »
Au fil du temps, le Stabat Mater a acquis une signification plus universelle, devenant un monument qui symbolise toutes ces mères (mais aussi pères) qui ont perdu un enfant et la douleur indescriptible que cela provoque. Engeltjes établit ensuite le lien entre son amour pour ses deux fils (« le sentiment le plus profond que je connaisse dans ma vie ») et la dolorosa de la mère (dans le Stabat Mater la Sainte Marie) qui devient ainsi très proche. Il ajoute que les Pays-Bas protestants (je préférerais moi-même parler de la partie protestante du peuple) n'ont historiquement jamais beaucoup apprécié Marie, que la Passion selon saint Matthieu de Bach est mise sur un piédestal à Pâques et que le sacrifice de Jésus en constitue le thème central. Alors que dans le Stabat Mater, le regard est tourné vers le bas, vers le pied de la croix, vers la mère.
Engeltjes se réfère ensuite à nouveau à Thomése, qui dans Schaduwkind a cherché un nouveau langage pour pouvoir décrire ses expériences et ses sentiments. Comme le faisait le jeune Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), à peine âgé de 26 ans, dans l'année de sa mort (il est décédé des suites de la tuberculose), à partir d'un texte qui existait depuis longtemps, datant d'environ 1300, et qui avait grandement besoin d'être renouvelé musicalement. La tradition établie par Alessandro Scarlatti devait être rompue à cet égard, et Pergolesi y réussit admirablement.
Dans toute sa simplicité, le Stabat Mater de Pergolesi, en fait son testament spirituel, se caractérise par son caractère émotionnellement évocateur qui transperce jusqu'aux os, les renforts qu'il a apportés de l'opéra plaçant immédiatement l'œuvre en dehors des cadres strictement religieux et perceptifs de son époque (rien que le « Quae moerebat et dolebat » joyeusement ondulant semble venir directement du monde de l'opéra).
La commande provenait de l'Arciconfraternita di Nostra Signora dei Sette Dolori, également appelée Cavalieri della Vergine Addolorata, liée à l'église San Luigi di Palazzo à Naples (plus tard détruite pour faire place à l'actuelle San Francesco di Paola sur la Piazza del Plebiscito).
Pergolesi composa son Stabat Mater comme pendant avant-gardiste du Stabat Mater conventionnel composé en 1724 par son contemporain Alessandro Scarlatti (1660-1725), qui était régulièrement joué de façon traditionnelle pendant le Carême. Cela en dit long sur le fait qu'il n'a fallu guère plus d'une décennie pour que le goût musical à Naples au dix-huitième siècle évolue ainsi. Les compositions de seulement quelques années plus tôt étaient même considérées comme « démodées », sinon bannies. Pergolesi l'a perçu avec un fil de rasoir et a agi en conséquence.
Engeltjes se pose régulièrement la question de savoir comment une œuvre d'art plusieurs fois centenaire peut avoir une signification pour les gens d'aujourd'hui et pour une génération plus jeune. Il répond lui-même dans cette interprétation lucide où la transparence s'accompagne de profondeur, la beauté vocale et instrumentale étant associée à un engagement profondément ressenti. La rhétorique est celle de la pratique historienne et s'éloigne ainsi de la fabrication de légendes ou des interprétations historiques incorrectes comme source de visions musicales oppressantes.
Les interprétations historiques incorrectes ont toujours existé et existent toujours. Par exemple, le comte Filippo Cafarelli, qui au début de la Seconde Guerre mondiale a publié à Rome l'Opera Omnia et y a sans scrupules attribué près de 150 œuvres à Pergolesi, alors qu'il n'y en avait en réalité pas plus d'une trentaine, une cinquantaine ont été jugées « douteuses » plus tard et les soixante-dix restantes n'avaient rien à voir avec Pergolesi. Pourtant, cet Opera Omnia a longtemps été pris au sérieux, même dans les cercles musicologiques.
La distribution instrumentale a également été soumise à diverses influences, avec sans doute comme point bas l'interprétation musicalement romantisée du texte et la distribution orchestrale luxueuse qui en résultait. Parfois, cela allait même jusqu'à utiliser un chœur en plus des deux solistes. C'était aussi dans une conception tintée de romantisme, réagissant au reproche que le Stabat Mater réunissait des propriétés de l'opéra, que les arias et duos créaient une atmosphère vitale et parfois même gaie, le Jésus mourant étant « représenté » par les notes de basse descendantes.
Les riches peintures sonores de Pergolesi étaient certainement uniques pour l'époque et ont fait – en dehors des critiques qui ne manquaient jamais – une profonde impression. Les plus grands n'ont pas hésité à louer le Stabat Mater (Dolorosa), 'la Mère (de Jésus) se tenait pleine de douleurs', environ un siècle après sa création, comme 'la composition la plus parfaite et la plus émouvante jamais composée' (Rousseau). Brosses a parlé de 'le chef-d'œuvre de la musique latine'. La fin de 'Quis est homo, qui non fleret' et l''Inflammatus et accencus' ne peuvent laisser personne indifférent. Les nombreuses nouveautés chromatiques et harmoniques, les nombreux accents contrastants et syncopes, les fabuleuses peintures de mots, les cesures pleines de tension et les dissonances impitoyables : véritablement tout ici vise l'expérience pure du texte. Ajoutez à cela les mélodies d'une finesse exquise qui donnent à la signature suppliante de l'œuvre une aura presque céleste.
Pas étonnant donc que peu de temps après la mort du jeune Italien, le Stabat Mater ait connu un véritable triomphe en Europe. Nul autre que Johann Sebastian Bach a même créé sa propre version autour de 1740, certes sur un texte différent, mais en préservant autant que possible la musique originale (il a bien élargi le matériel orchestral) : Tilge, Höchster, meine Sünden (BWV 1083), en tant que psaume de pénitence. Comme il était également très attaché à l'œuvre de son contemporain Antonio Vivaldi, dont Bach aurait repris selon son biographe Johann Nikolaus Forkel (1749-1818) les principes de base de la composition, avec l'accent sur l'harmonie et la forme. Pendant sa période à Weimar, Bach a adapté pas moins de six concertos pour clavecin sur neuf concertos pour violon de Vivaldi, auxquels s'ajoutaient trois concertos pour orgue solo. Auquel s'ajoute vers 1730 le Concert pour quatre clavecins et cordes (BWV 1065).
Ce qui m'amène maintenant à Nisi Dominus de Vivaldi, la cantate pour voix soliste et orchestre à cordes, composée vers 1717 quand le compositeur alias le 'prêtre rouge' produisait l'un après l'autre ses œuvres dans les murs de l'internat pour jeunes filles vénitien, l'Ospedale della Pièta. C'est probablement aussi là qu'elle a été créée pour la première fois (sans doute avec un mezzo et non avec un contre-ténor comme soliste).
Nisi Dominus ('Si le Seigneur') est une œuvre remarquable à plusieurs égards. Elle commence déjà par sa configuration, car une voix soliste n'était pas vraiment adaptée à l'époque à un psaume de vêpres, dont le fondement est formé par le texte du Psaume 127, également connu comme un chant de pèlerinage de Salomon. Un autre aspect est le caractère extrêmement coloré de cette œuvre atmosphérique, à travers laquelle – bien que d'une autre manière que dans le Stabat Mater de Pergolesi – le compositeur d'opéra Vivaldi apparaît (comme la sicilienne palpitante dans la troisième partie, 'Cum dederit dilectis suis somnum' : 'Il donne à ses bien-aimés le sommeil' – utilisée efficacement dans le film James Bond Spectre). La façon dont Vivaldi a intégré le texte et la musique élève en outre la cantate au rang de chef-d'œuvre d'une force de persuasion incroyable.
Il y a ensuite la peinture de mots – je l'ai déjà mentionnée chez Pergolesi – qui montre combien Vivaldi était capable de donner au texte une profonde signification musicale, comme dans la deuxième partie, 'Vanum est vobis ante lucem surgere: surgite, post quam sederitis, qui manducatis panem doloris' : 'C'est en vain que tu te lèves tôt, tu te reposes tard, tu t'épuises pour ce pain'.
Que la pièce te touche ou non : Engeltjes ne le croit pas, du moins en relation avec le Stabat Mater de Pergolesi (qu'il estime donc apparemment plus haut). Mais dans cette appréciation, le texte semble également jouer un rôle, car selon Engeltjes, il s'agit de 'paroles assez abstraites sur l'impuissance des hommes quand Dieu n'offre pas son soutien dans leurs efforts'. Ce qui ne me semble pas être l'essence du Psaume 127 (Vulgate 126). Il passe à côté de l'aspect inspirant de ce verset biblique, destiné à encourager à placer justement la confiance en Dieu et par là à reconnaître que tout vient de Lui. Tu n'as pas besoin d'être religieux ou croyant pour comprendre le sens de cela.
Nisi Dominus est, d'une perspective entièrement différente, musicalement aussi puissant et imaginatif que le Stabat Mater de Pergolesi. Et il y a, quant à la forme, ce glissement de terrain inexplicable, vu du point de vue de la doxologie : le fait que la pièce ne soit pas conçue en une partie comme d'habitude, mais divisée en deux parties par le compositeur, titre par l'expert Vivaldi Michael Talbot comme 'coup de théâtre'. Et comme c'est merveilleux d'entendre ici le 'Gloria Patri et Filio Spiritu Sancto' ('Gloire soit au Père, au Fils et au Saint-Esprit') non dans un cadre exubérant habituel, mais lentement, contemplativement, même tristement, avec la sonorité bronzée de la viola d'amore comme créatrice d'atmosphère inattendue et sombre. Selon Talbot, la mise en place du 'Gloria Patri' par Vivaldi signifie que cette partie de la doxologie se manifeste ici comme un voyage à travers une vallée de larmes, mais aussi le louange de la Sainte Trinité malgré tout et non grâce à tout.
Pour les deux œuvres, il convient de noter qu'Engeltjes ne dirige pas l'ensemble comme un preneur d'assaut du ciel (ce que fait par exemple le chef d'orchestre italien Diego Fasolis), mais ne manque pas de dramatique, de passion et de feu, tandis que la poésie plus intime et – dans le Stabat Mater – par moments même sensuelle vient aussi admirablement à son droit. Sur le plan du pur art vocal aussi, c'est devenu une édition très mémorable, les voix d'Engeltjes et de Shira Patchornik (elle n'est entendue que dans le Stabat Mater) clairement et distinctement articulées, la diction impeccable, l'expression chaleureuse et colorée, les phrasés magnifiquement voûtés et témoignant d'une variation inventive tant dans les soli propres que dans les duos.
Engeltjes tient les rênes de PRJCT Amsterdam plutôt serrées, mais la part instrumentale sonne incontestablement authentique, sonore, élégante et agréablement mélangée, en somme tout à fait dans l'esprit de ces deux œuvres. Les deux œuvres prennent ainsi également vie de manière purement instrumentale, riche d'atmosphère et d'imagination, dans un ensemble excellemment équilibré. Le contraste coloré entre Engeltjes et Patchornik - tous deux sont, aussi dans leurs ornementations, stylistiquement en parfaite harmonie - donne en outre au Stabat Mater un éclat supplémentaire. Cela vaut également pour l'enregistrement, qui met en avant la transparence et la sonorité.
Enfin, une dernière remarque sur PRJCT Amsterdam, « le jeune ensemble baroque autour de Maarten Engeltjes, formé d'un noyau permanent d'excellents jeunes musiciens baroques partageant une vision musicale commune », comme le dit la présentation sur le site du groupe. C'est bien là une condition première pour un ensemble qui ne fonctionne que de manière projectuelle. Je n'ai jamais rendu compte des deux premiers albums (un différend avec Sony Music en était la raison), mais pour ce troisième album, je ne peux que le confirmer : cette vision musicale commune existe bien ; et l'interprétation qui en est faite dépasse toute critique.