Certains projets de CD partent d'un compositeur ou d'un répertoire, Stranger Sainton du violoniste Dmitry Smirnov part d'un violon : le Guarneri del Gesù d'environ 1744 connu sous le nom de « Sainton Betti ». L'instrument fut jadis joué par le violoniste français Prosper Sainton (1813–1890) et se trouve aujourd'hui dans une collection privée suisse. Il a été mis à la disposition de Smirnov pour cet enregistrement.
Le titre fait référence à la fois à l'instrument et au violoniste largement tombé dans l'oubli. Sainton étudia à Paris avec François-Antoine Habeneck, y obtint son premier prix en 1834 et développa à partir du milieu du XIXe siècle une carrière en France et en Angleterre. L'album réunit à nouveau sa musique avec l'instrument qui porte son nom.
Un nom oublié
Smirnov ne choisit pas un programme qui reconstitue entièrement la musique de Sainton. Outre deux œuvres du violoniste – la brève Rêverie et le Thème italien varié op. 10 – on entend Paganini, Berlioz, Strauss et Rossini. Le répertoire se situe ainsi pour l'essentiel dans l'environnement musical où Sainton évoluait en tant qu'interprète et contemporain. Son Thème italien varié constitue une découverte intéressante. Sainton s'y révèle compositeur habile pour le violon, familier des possibilités virtuoses de l'instrument, mais la musique convainc surtout comme document d'époque.
La brève Rêverie qui ouvre le disque installe un ton intime, après quoi le Guarneri peut pleinement briller dans le Thème italien varié. Smirnov joue avec assurance et souplesse, mais ne laisse jamais les possibilités techniques de l'instrument prendre le pas sur le récit musical. Les variations gagnent suffisamment de caractère et de contraste pour faire de la composition plus qu'une simple curiosité. L'Orchestre de chambre de Bâle accompagne avec fougue et reçoit, dans les passages orchestraux, un espace pour apporter sa propre touche. Lorsque Smirnov revient au premier plan, l'orchestre retrouve avec souplesse un accompagnement élégant.
Sans cirque
Après la musique propre de Sainton vient I palpiti de Niccolò Paganini (1782–1840), une œuvre résolument virtuose. Les variations sur un thème de l'Tancredi de Rossini sont idéales pour mettre en valeur les qualités d'un violon historique, mais Smirnov évite une approche où la vitesse et la bravoure déterminent tout le discours. Son jeu possède, outre la souplesse, une certaine acuité. Le Guarneri ne sonne pas constamment rond et poli ; surtout dans les registres graves, le violon a un noyau sombre, tandis que l'extrême aigu peut devenir clair et parfois presque incisif.
Smirnov recherche la rhétorique derrière les notes : l'alternance entre tension et détente, entre chant et bravoure. Au terme, il donne par ailleurs à l'œuvre un accent singulier, presque moderne. L'Orchestre de chambre de Bâle le suit attentivement. Victor Jacob maintient l'accompagnement léger et mobile, de sorte que le violon soliste n'ait pas à lutter contre une masse sonore orchestrale.
Le violon comme voix humaine
C'est dans Rêverie et caprice d'Hector Berlioz (1803–1869) que le caractère particulier de l'instrument se fait le plus convaincant. Pour moi, cette œuvre était entièrement inconnue et constitue aussitôt l'une des découvertes de ce disque. La musique appelle une approche plus lyrique et laisse entendre le son du Guarneri dans toutes ses nuances. L'alliance de l'éclat et de la fragilité y prend davantage de sens que dans les œuvres résolument virtuoses. Smirnov ne recherche pas constamment la puissance extrême du violon, mais laisse aussi parler les nuances dynamiques plus discrètes. Ainsi, l'instrument acquiert quelque chose d'humain : non seulement une enveloppe brillante, mais aussi un intérieur plus vulnérable.
Berlioz replace en outre Sainton dans le monde musical parisien où il reçut sa formation et développa une part importante de sa carrière. Rêverie et caprice est donc plus qu'une œuvre attrayante pour cet enregistrement : elle donne un relief supplémentaire au cadre historique du projet.
L'orchestre prend le premier rôle
Le choix le plus surprenant – et, à mon sens, la plus grande rupture stylistique – est Der Bürger als Edelmann, dans la suite orchestrale op. 60, de Richard Strauss (1864–1949). Ici, l'attention se déplace durablement du violon soliste vers l'orchestre. La harpe, le piano, la trompette, les bois, le violoncelle, les altos et les percussions disposent tous de moments où ils peuvent se profiler.
Sur le plan musical, Der Bürger als Edelmann est une partie de l'enregistrement remarquablement interprétée. L'Orchestre de chambre de Bâle joue avec précision, souplesse et une oreille aiguë pour les nombreuses couleurs instrumentales et les dialogues entre pupitres. L'ironie de Strauss et sa caractérisation légèrement grotesque reçoivent toute la place voulue, tandis que la sonorité d'ensemble conserve un caractère chambriste frappant. Pourtant, ce choix détonne dans le concept du disque. La suite, qui dure presque trente minutes, écarte durablement le Guarneri del Gesù du centre.
Là où le violon offre chez Sainton, Paganini et Berlioz un visage différent à chaque fois, l'orchestre prend ici entièrement le relais. Le fait que l'Orchestre de chambre de Bâle ait également été impliqué comme producteur du projet explique la présence de la suite au regard de la genèse du disque, mais sur le plan du contenu, elle reste difficile à situer. Dans un album qui part d'un seul violon exceptionnel et de l'histoire de son ancien propriétaire, cette longue interruption orchestrale finit par apparaître comme un détour.
Quid ?
Après Strauss vient une pause avec l'Andante con variazioni de Gioachino Rossini (1792–1868) sur un thème de Tancredi, pour violon et harpe. Le contraste avec le spectacle orchestral précédent est saisissant. Il ne reste que Smirnov et la harpiste Magdalena Hoffmann, ce qui ramène le disque à un format plus intime. Smirnov et Hoffmann gardent la conclusion légère et transparente.
Après la suite de Strauss, largement développée, ce court final semble presque un retour à l'essence du projet : la Guarneri et son timbre, désormais sans orchestre autour. Mais cela arrive trop tard : après Strauss, le disque semble déjà avoir trouvé sa fin naturelle. Ce qui était le plus intéressant dans Stranger Sainton aurait dû être le violon lui-même, mais le disque fait trop peu de cas de l'histoire qui se construit autour de cet instrument exceptionnel.
