Une Beethoven féminine
Heureusement, ces dernières décennies, de plus en plus de compositrices sont découvertes et redécouvertes. Les exemples connus sont Clara Schumann ou les sœurs Lili et Nadia Boulanger, mais il y en a bien d'autres.
Emilie Mayer fut une compositrice importante du début de l'époque romantique, fortement influencée par l'École de Vienne. On la surnomme parfois la Beethoven féminine.
Le chef d'orchestre Richard Egarr est un véritable Britannique. On le remarque sans même qu'il prononce un mot. Il arrive avec un flair anglais et ne dirige nullement de manière statique depuis sa place derrière la partition : il se retourne et se dirige aussi vers les différents groupes d'instruments.
À la fin de l'ouverture, j'entends un accent aux trombones. Inhabituel, ce devait être une plaisanterie de la part de ces messieurs les trombonistes. Toujours un bon signe pour la santé mentale d'un orchestre lorsqu'un groupe d'instrumentistes se permet une farce à l'égard du chef, du public ou des autres musiciens.
Lauréat
Le violoniste Tobias Feldmann, que je suis depuis qu'il a brillé au Concours Reine Elisabeth en 2015 avec le deuxième concerto pour violon de Bartók, est l'un des rares lauréats de ces dernières décennies qui m'ait marqué. J'ai pu l'écouter en direct lors d'un récital d'Arte Amanti.
Le concerto pour violon de Schumann n'est un choix évident ni pour un soliste ni pour un programmateur de concerts. Autrefois, il était rarement joué ; on le disait le témoin d'un compositeur atteint de troubles mentaux. Heureusement, Yehudi Menuhin le promut déjà en Amérique dans les années 1950. Hormis Henryk Szeryng ou Gidon Kremer, peu de grands violonistes en ont enregistré la version intégrale. Aujourd'hui, la nouvelle génération, comme Patricia Kopatchinskaya ou Vilde Frang, s'en empare.
Par son esprit et sa virtuosité, il reste un cas à part. Joseph Joachim, pour qui l'œuvre fut composée en 1853, refusa de la jouer. Il la trouvait morbide, présage de la tentative de suicide de Schumann quelques mois plus tard. Ce n'est que dans les années 1930, quatre-vingts ans après sa création, qu'elle fut redécouverte. Pour ma part, je suis toujours resté attaché à cette œuvre ; elle ne m'a jamais quitté depuis que je l'ai choisie, en 1985, pour mon premier prix de violon au Conservatoire de Bruxelles.
Espoir et mélancolie
Tobias Feldmann est un violoniste brillant et un musicien intègre ; il joue toujours de manière très expressive. Justement, c'est peut-être là que réside l'écueil avec Schumann. Le mot est fort, mais je trouve qu'il joue Schumann de façon un peu trop dramatique, trop pathétique. C'est tout à fait approprié pour beaucoup de répertoire romantique et moderne. Mais ici, Feldmann manque un peu de la sobriété et de la mélancolie de cette pièce.
Ce concerto pour violon est très schumannien en ce sens qu'il exprime l'espoir tout en étant toujours traversé d'une nuance de mélancolie, de perte. Il y a une lueur d'espoir, mais l'on sait que tout cela touchera bientôt à sa fin, le destin guette au coin de la rue. Schumann, d'ailleurs, était très satisfait de cette œuvre, même alors qu'il se trouvait au bord d'une crise psychique.
Après l'entracte, vient la Symphonie « de Prague » de Mozart, sa trente-huitième.
Mozart à Prague, c'est le meilleur Mozart. Il pouvait tourner le dos à la Vienne aristocratique des salons nobles. À Prague, il trouva un public bourgeois qui l'admirait, loin des snobs de la cour de Vienne. Une symphonie sans clarinettes, mais avec un rôle d'autant plus important pour les bassons. Ceux-ci restaient parfois un peu en retrait face aux cors éclatants. Mais cela tenait peut-être à l'endroit où j'étais assis.
Le chef Richard Egarr ne dirige pas de manière statique derrière son pupitre ; il se déplace parfois autour. Cela se remarque encore davantage que dans l'ouverture d'Emilie Mayer. Il se tourne vers les premiers pupitres qui l'entourent, tel un torero qui défie le taureau.
Proms
Après le premier mouvement de Mozart, Richard Egarr se tourne vers le public et fait un geste de claquement de mains. Il semble suggérer : ne frappez pas dans vos mains. Cela ne se fait pas entre les mouvements, mais sur son signe, il y a tout de même un applaudissement après ce premier mouvement. Pourquoi pas ? Avant d'attaquer le deuxième mouvement, lent, il se tourne à nouveau vers le public. Tout est permis, dit-il : applaudir, parler, lancer des objets. Comme à l'époque de Mozart !
« Mozart trouverait cela horrible », que de rester assis si sagement sans applaudir après chaque mouvement. C'est vrai. Au XVIIIe siècle, il n'existait pas encore d'attitude d'écoute comme aujourd'hui. Elle n'est apparue que dans la seconde moitié du XIXe siècle. Auparavant, on parlait, mangeait et jouait aux cartes pendant les concerts et les opéras. Un peu comme un festival d'été tel que Rock Werchter aujourd'hui : un pique-nique musical. La lumière restait allumée et ne s'éteignait que lorsque les chefs d'orchestre du XIXe siècle plaidèrent pour un sérieux plus grand dans l'écoute de la musique sérieuse.
En effet, Mozart aurait trouvé étrange le sérieux de l'éthique d'écoute d'aujourd'hui. Mais nous vivons tout de même au XXIe siècle.
« Applaudissez, criez, lancez des objets, autant que vous voulez ! » Le chef Richard Egarr a ainsi apporté au public une part de conscience historique. Cela mérite toute la considération. Et avec cela, ce fut aujourd'hui aussi un peu les Proms à la Elisabethzaal d'Anvers !