Am Freitag, dem 16. Oktober, hießen Cofena und das Antwerp Symphony Orchestra die Bamberger Symphoniker im Goldenen Saal des Koningin Elisabethzaal willkommen. Das deutsche Orchester feiert in diesem Jahr seinen achtzigsten Geburtstag und wurde kürzlich von Gramophone zum Orchestra of the Year 2026 gekürt. Unter der Leitung von Manfred Honeck kehrte das Orchester nach Antwerpen zurück. Mit Midori als Solistin in Mendelssohns Violinkonzert und anschließend Bruckners Neunter Symphonie standen zwei Werke auf dem Programm, deren musikalische Welten kaum weiter auseinanderliegen könnten.
Midori geht ihren eigenen Weg
Felix Mendelssohn (1809–1847) schrieb mit seinem Violinkonzert in e-Moll, op. 64, ein Werk, in dem lyrische Spontaneität und virtuose Brillanz unentwegt ineinanderfließen. Midori verlieh diesem Gegensatz eine ganz eigene Gestalt. Sie setzte eigene Akzente in Tempo und Verzierungen, ohne den inneren Zusammenhang aus den Augen zu verlieren. Gerade weil sie nicht alles glattbügelte, blieb die Musik stets überraschend, während Mendelssohns melodische Linien ihren natürlichen Fluss behielten.
Diese Freiheit verlangte auch von Honeck und den Bamberger Symphonikern einiges ab. Dirigent und Orchester reagierten aufmerksam auf Midoris Phrasierung und Tempogestaltung, während der warme Orchesterklang der Solistin jeden Raum ließ. Beim Übergang zum dritten Satz folgte eine auffallend lange Pause. Sie hielt die Erwartung noch einen Moment fest, bevor der Schlusssatz mit neuer Vitalität hervorbrach.
Als Zugabe wählte Midori das Largo aus der Dritten Violinsonate von Johann Sebastian Bach (1685–1750). Nach der Beweglichkeit Mendelssohns entfaltete diese verinnerlichte Musik eine Welt der Stille.
Eine Kathedrale aus Klang
Die Neunte Symphonie von Anton Bruckner (1824–1896) ist für mich das nec plus ultra der Musikgeschichte. In den späten Bruckner-Interpretationen von Herbert Blomstedt erlebte ich, wie die Musik tanzen kann und wie der Komponist dadurch etwas zutiefst Menschliches erhält. Bei Bernard Haitink baute sich das Drama mit selbstverständlicher Beherrschung sorgfältig auf. Manfred Honeck hingegen nimmt sich die Zeit, die großen Bögen zu entfalten, und lässt hören, wie die Symphonie aus ihrem inneren Zusammenhang heraus wächst.
Ich hatte mich sehr auf diese Aufführung gefreut, denn ich schätze Honecks Einspielung mit dem Pittsburgh Symphony Orchestra seit langem und wollte seine Interpretation schon lange einmal live erleben. In Antwerpen beeindruckte mich vor allem, wie selbstverständlich alle Elemente ineinandergriffen. Die Orchestergruppen waren sorgfältig aufeinander abgestimmt, ohne dass die Musik ihre Spontaneität verlor. Die Aufnahme mit Pittsburgh ist für sich genommen besonders gelungen, doch bei den Bamberger Symphonikern erhielten die Details und Spannungsbögen live eine andere Dimension.
Im ersten Satz entfaltete sich ein gewaltiges musikalisches Bauwerk. Die tiefen Streicher legten eine dunkle Grundierung, über der sich die verschiedenen Stimmen allmählich abzeichneten. Die Hörner klangen voll und rund; wenn das Blech hinzutrat, nahm die Spannung zu, ohne dass die Musik an Klarheit einbüßte. Honeck wählte weite Tempi und gab den langen Linien alle Zeit, sich zu entwickeln. Dennoch blieb die Musik ständig in Bewegung, getragen von einer unterschwelligen Vorwärtskraft. Eine Schwachstelle suchte ich vergeblich.
Das Scherzo brachte eine ganz andere Energie. Die rhythmische Schärfe und der massive Orchesterklang machten es zu einem ungestümen Ganzen. Das Trio erhielt durch das rasche Tempo einen beinahe fieberhaften Schwung.
Nach dem Scherzo ließ Honeck eine lange Stille entstehen, bevor das Adagio begann. Der Saal wartete. Diese Ruhe wirkte nicht unbehaglich, sondern verlieh dem folgenden Satz Gewicht. Dieses Adagio ist für mich das Herz dieser Symphonie, und Honeck machte deutlich, warum.
Zwischen Verzweiflung und Verstummen
Die Hörner und Wagnertuben verliehen dem Adagio eine dunkle, fast menschliche Wärme. Darunter klang der tiefe Streicherklang, mal tröstend, mal unheilvoll. Aus dieser Schichtung arbeitete Honeck auf verschiedene Höhepunkte hin. Einige schienen für einen Moment nach Freude zu greifen, andere wurden immer schärfer und bedrohlicher.
Im großen dissonanten Höhepunkt erreichte die Musik einen beinahe unerträglichen Punkt. Die Verzweiflung in dieser Passage war nahezu körperlich spürbar. Danach folgte eine lange Stille, mitten im Satz, noch bevor die Musik ihren Weg zum Schluss fortsetzte. Der Saal blieb regungslos, als müsse zuerst Raum entstehen, um zu begreifen, was eben erklungen war.
Das Adagio führte weiter zur letzten, verklärten Passage. Als die Klänge verstummt waren, folgte erneut eine außergewöhnlich lange Stille. Honeck hielt seine Hand bewusst in der Luft, um den Applaus zurückzuhalten. Niemand schien die Musik schon loslassen zu wollen.
Gerade dieser Moment machte für mich den Unterschied zu einer Aufnahme spürbar. Man hört nicht nur die Musik, sondern teilt mit dem ganzen Saal das Warten, ohne zu wissen, wie lange es dauern wird. Ich lauschte mit einem Kloß im Hals.
Bruckner starb, bevor er das Finale vollenden konnte. Dennoch empfand ich das Adagio nicht als einen unvollendeten Gedanken. Es hatte etwas von einem Abschied, in dem nach allem Ringen eine tiefe Gelassenheit erklang.
Erst als Honeck seine Hand sinken ließ, brach der Applaus los. Er wuchs zu einer minutenlangen stehenden Ovation an, eine Reaktion, wie ich sie im Goldenen Saal selten erlebt habe, und sicher nicht nach Bruckner.
Es gibt Konzerte, die man für das bewundert, was die Musiker können. Und es gibt Konzerte, bei denen die Musik einen so in ihren Bann zieht, dass man vergisst, wo man sich befindet, wenn die letzten Klänge verklingen. Am 16. Oktober geschah genau das.