Wenn Stangen Lauch zum Tanzen herangezogen werden, wissen wir, dass es sich um nichts anderes als zeitgenössische klassische Musik handeln kann. Dazu kommen Videotechnologie, künstliche Intelligenz, alternative Instrumentierung, Minimalismus und eine Prise Geschlechtsproblematik, und die Konturen der neuen klassischen Musik treten deutlich in Erscheinung. Ein Überblick über ein Wochenende Transit in Leuven, wo Zuhörer auch zu Zuschauern wurden.
Der deutsche Komponist Michael Beil überraschte mit seiner malerischen Komposition Hide to Show, in der ein Märchen über die paradoxen Wurzeln der Einsamkeit – Kommunikationstechnologie und soziale Medien – erzählt wird. Beils Kompositionstechnik hält sich weit von musikalischer Entwicklung entfernt. Seine Struktur besteht darin, durch eine nervöse Abfolge von Szenen zu scrollen und aus Memen, die ständig wiederholt, umformuliert, variiert, zirkulieren und mutieren. Ein goldener Fund ist die Inszenierung. Acht Musiker (vom Nadar Ensemble) sind auf eine Reihe von sechs verblendeten (Kleid)Kabinen verteilt. Wenn die Jalousien offen sind, sehen die Zuschauer, wie sie spielen – jeder für sich, aber dennoch in Einklang. Und sie tanzen, verkleiden sich, drehen auf, erstarren. Wenn die Jalousien geschlossen sind, dienen sie als Projektionsflächen für Aufnahmen, die von zwei (Live-)Videokameras gemacht wurden. Und manchmal sind die Jalousien nur halb geschlossen, sodass sich Realität und Virtualität miteinander vermischen. Das Ergebnis heißt Hyperrealität. Die Kernfrage ist, was verborgen ist und was nicht. Diese ständige Verwirrung entspricht perfekt der Kommunikation in sozialen Medien, bei der ebenfalls nicht immer klar ist, mit wem oder was man es zu tun hat.
Der Reichtum von Beils Komposition liegt in einer farbenfrohen märchenhaften Kreuzbestäubung von Video und Musik. Das bedeutet, dass Zuhörer auch Zuschauer sind. Die Musik ist sowohl akustisch als auch elektronisch und auf Band, alles mit einer luftigen Textur, unter japanischen, russischen, amerikanischen und europäischen Einflüssen. Er macht auch funktionale Witze wie Tanzen mit frischen Lauchstangen. Die Kostüme sind mit kindlichen Mustern in leuchtenden Farben versehen. Die Perücken sind blond oder türkis. Manchmal tragen alle Musiker eine Brille, dann wieder nicht. Es ist eine Verkleidungsparty, bei der Erwachsene voller Hingabe zurück in ihre Kindheit hüpfen. Die Atmosphäre ist meist verspielt, manchmal clubby oder hip, und dann wieder fordernd und sehnsüchtig wie in einem midsummer nights dream. Nadar Ensemble, für das Beil dieses Stück geschrieben hat, und Hide to Show scheinen wie zwei Hände auf einem Bauch. Sie spüren sich perfekt. Dass eine Kombination aus Musik, Bewegung, Mimik und Gestik sich fast natürlich zu stimmen scheint, kommt nicht oft vor. Das kann nur nach einem intensiven Probentraining entstehen, das dazu führt, dass aus dem Gedächtnis gespielt wird, wie Nadar zeigte. Es war ein überzeugend Konzert, das Perspektiven für die Weiterentwicklung eines neuen Musikstils bietet, in dem Video und Technologie einen konkreten und ausgewogenen Mehrwert darstellen. Dass diese Kombination einem Bedarf entsprechen kann, zeigte sich auch in der Anwesenheit von Familien mit Kindern. Es gab sogar Gruppen von Kindern, die nach dem Konzert auf einem windigen Innenhof einige der Tänze ausprobierten. Es gibt also Hoffnung.
[caption id="attachment_51451" align="aligncenter" width="2048"]
© Evy Ottermans[/caption]
Aber der Erfolg von Hide to Show bedeutet nicht, dass die Verwendung fester strukturierender Elemente ihre beste Zeit hinter sich hat. Uralte und immer wieder junge sind die Versuche, Musik in mathematischen Modellen zu erfassen. Seit Aristoteles die Grundlagen der Harmonielehre mit seiner Theorie der Planetensphären gelegt hat, hat uns das Verlangen nach Systematik nie losgelassen. Der amerikanische Komponist Tom Johnson (°1939) arbeitet seit Jahren mit mathematischen Blockdesigns, bei denen das Zählen im Mittelpunkt steht. Pianist Daan Vandewalle spielte seine Komposition Solutions (9, 3, 2), eine Uraufführung. Johnson zerlegt hier 36 Systeme aus neun Noten und setzt sie wieder zusammen, allerdings mit Variationen wie absteigenden Sequenzen, offenen und geschlossenen Akkorden, kahlen Melodielinien, Notenreduktion, sehr langsame bis etwas schnellere Tempi, lange und kurze Pausen, lauter und leiser, fugenhaft, spitz, gebunden oder knochenhart. Vandewalle ist ein Meister der Nuance. Je mehr das Tempo sinkt und immer weniger Noten gespielt werden, desto mehr wird ein Ruck in der Anschlagstechnik oder eine Mikrosekunde zu lange Pause auditiv gnadenlos bestraft. Trotz dieser Risiken ließ sich Vandewalle nicht überrumpeln, jedenfalls klang es nicht mathematisch – zum Glück.
[caption id="attachment_51452" align="alignleft" width="260"]
© Evy Ottermans[/caption]
Auf instrumentalem Gebiet brachte der niederländische Blechbläser Marco Blaauw eine erfrischende Erneuerung. In der Komposition O.M. Rising der britischen Komponistin/Cellistin/Aktivistin Ayanna Witter Johnson verwendete er eine grell rote pocket trumpet mit einem passenden Taschenmegafon, um sowohl zu dämpfen als auch zu verstärken. Ein packendes Stück, in dem eine einzelne Stimme sich gegen rassische und Geschlechtsungleichheit ausspricht – nüchtern, reizend und dadurch wirksam. Geschlechterfragen kamen auch in der Uraufführung von Counterforces des flämischen Komponisten Frederik Croene zur Sprache. Auf einen Text von Dominique De Groen sangen Amina Osmanu, Lore Binon und IKRAAAN über die irdische und soziale Kraft von Frauen, gespiegelt an der bedenklichen Rolle, die der Mann bei Veränderungen in der Welt gespielt hat. Der Hintergrund wurde mit repetitiven Interventionen des Komponisten Frederik Croene am Klavier und mit Band (monotone Motorräder und Schleifscheiben) geliefert. Auf instrumentaler Ebene geschah in Counterforces nicht viel. Das muss auch nicht sein, zumal das Stück vom Text getragen wird. Aber das Verhältnis zwischen den gesungenen und den instrumentalen Teilen war weitgehend aus dem Gleichgewicht, wodurch viel vom Text verloren ging. Darüber hinaus gab es keine Übertitel.
Eine andere Linie ist die Fortsetzung der Rehabilitation des tonalen Schreibens. Auf Transit gab es zwei Beispiele junger Komponisten, die in (erweiterter) Tonalität schreiben. Seit einigen Jahren ist Tonalität kein Tabu mehr. Die Zeit, in der sich ein Kompositionsstudent nicht auf die Straße traute, weil er an einem tonalen Stück arbeitete, liegt mindestens ein Jahrzehnt hinter uns. Ensemble Klang, ein Sextett von Musikern, das ohne Dirigent spielt, wagte sich an zwei neue Stücke von Maya Verlaak und Jesse Broekman. Von Verlaak wurde Conditions gespielt, eine Komposition von schwebenden Harmonien, wobei die Musiker über die Enden des Saals verteilt waren. Dadurch verschob sich die Perspektive vom traditionellen statischen Einrichtungsverkehr von der Bühne zu einem räumlichen Erlebnis, vergleichbar mit einer Reise durch den Kosmos. Verlaak scheint damit einen neuen Weg eingeschlagen zu haben. Sie ist bekannt für verspielte Kompositionen, in denen Technologie und auditorischer Humor eine Hauptrolle spielen. Mit Conditions fügt sie nun ein kontemplatives Element zu ihrem Oeuvre hinzu.
Klang spielte auch will it be like this for a long time, you asked, eine bemerkenswerte Schöpfung von Jesse Broekman. In diesem meditativen Stück spielte Schlagzeuger Joey Marijs die Hauptrolle. Er brachte mit seiner zarten Behandlung speziell gesägter Aluminiumplatten eine stille Kraft asiatischer Düfte und Texturen in den Saal. Manchmal klangen seine Platten wie ein Gamelan, dann wieder wie Glocken. Pianistin Saskia Lankhoorn verwies mit ihrem prepared piano auf John Cage, der um 1940 viel dieses Genres geschrieben hat. Sie streichelte die zwischen den Saiten platzierten Räucherstäbchen so fließend, dass es einer drone nahekam. Verlaak und Broekman haben mit ihren neuen Kompositionen eine tonale Sprache gefunden, die sich, wie sich herausstellte, über Saxophone und elektrische Gitarre gut in einer nicht-klassischen Besetzung zu Hause fühlt.
[caption id="attachment_51453" align="alignright" width="486"]
© Evy Ottermans[/caption]
Dass Zuhörer sich bei viel neuer Musik in einer Doppelrolle als Zuschauer arrangieren müssen, zeigte sich in der Komposition Non sono Dei quelli fatti con le mani für sechs Stimmen und sechs Musiker des italienischen Duos Mauro Lanza und Claudio Panariello. Es gab viel zu sehen bei der Aufführung von Spectra Ensemble und HYOID Voices. Nach einem langen einleitenden Drone-Geflecht zeigen sich die Vokalistinnen und Vokalisten vielseitig einsetzbar, indem sie mit Flaschenöffnungen pfeifen, Blockflöte spielen und Mundharmonikas einsetzen. Der Titel ("Diejenigen, die mit Händen gemacht sind, sind keine Götter") bezieht sich auf Kunstwerke, die durch künstliche Intelligenz – also nicht durch Menschenhände – hergestellt wurden. In dieser Komposition wurden Passagen aus einer der ikonischen Messen von Guillaume Dufay (1397-1474) verwendet, von denen zehn verschiedene Versionen verwendet wurden, um Algorithmen zu erstellen, die neues Material lieferten. All dies führte zu einer solide konstruierten Vokal- und Musikgeschichte, unter der ein virtuos geflochtener Teppich von KI-Kunst lag.
Disiecta Membra ("zerstreute Glieder") von Mauro Lanza für sechs Stimmen verweist durch Zitate auf den Katalog der Glieder in den sieben Kantaten von Dietrich Buxtehude (1637-1705), wird aber nun mit einer Parodie auf das Schlachten eines Schweines verbunden. Auch hier färbten die Sänger regelmäßig außerhalb der Linien: Ein Geflecht von Vokalen wurde mit Stößen in der Mundharmonika oder mit dem Quietschen eines Plastik-Spielzeugschweins abgewechselt. Gepfiffene Melodien versetzten den Zuschauer in die Routine des Schlachthauses. Die weiten und eleganten Armbewegungen von Dirigentin Filip Rathé und die ausdrucksvolle Art und Weise, wie die Sänger die Blätter ihrer Partituren umschlugen, vervollständigten das Schauspiel.
WAS: Transit – open mind, open ears WO: STUK, Leuven GESEHEN: 20.-22. Oktober 2023