Het concert van 2 oktober in de Henry Le Boeufzaal was zo’n avond waarop analysieren bijna unpassend scheint. Die Verwunderung war zu groß.
Doch dann sitzt dort, eine Reihe vor mir, eine Dame, die bei dem prachtvollen Einsatz von Sicut locutus in Dixit Dominus spontan die Hand vor den Mund schlägt. Neben mir wischt sich jemand während Ave maris stella eine Träne weg. Und plötzlich begreift man, dass Schweigen trotzdem schade wäre.
Denn diese beiden Reaktionen erzählen etwas Grundlegendes darüber, was La Tempête an diesem Abend tat. Sie boten nicht einfach ein Konzert. Mit den Menschen im Saal geschah etwas.
Das hat alles mit dem zu tun, was ich an diesem Abend als einen enormen Respekt vor dem Publikum seitens La Tempête erlebte.
Nicht Respekt im Sinne von korrektem Spielen, dem ernsthaften Nehmen des Repertoires oder dem Bemühen, niemanden vor den Kopf zu stoßen. Ganz im Gegenteil. La Tempête zeigt Respekt, indem es sein Publikum mit voller Kraft bedient. Indem nichts halbherzig gemacht wird. Indem davon ausgegangen wird, dass, wer in diesem Saal sitzt, bereit ist, sich einer anderen Welt zu überlassen, und dann alles, aber auch wirklich alles, daransetzt, diese Welt zu erschaffen.
Für einen Moment war ich woanders.
Vielleicht in Venedig, vielleicht in einer Kirche, vielleicht in einem Theater, und wahrscheinlich in keinem dieser drei. Es ist eine Welt, die nur während dieser 130 Minuten existiert und die Bestion gemeinsam mit seinen Sängern und Musikern für uns heraufbeschwört.
La Tempête führt Monteverdi nicht einfach auf. Das Ensemble ist an diesem Abend das, was es tut.
Oder, noch einfacher gesagt: La Tempête war Monteverdi.
Zwei Vespern zum Preis von einer
Das bedeutet keineswegs, dass Bestion sich als demütiger Diener der Partitur versteht. Er biegt Monteverdi ziemlich nach seinem Willen. Das darf er. Das nennt man Barock.
Zwischen Monteverdis Sätzen platziert er gregorianische Antiphonen und Fauxbourdons aus einer Handschrift des 17. Jahrhunderts aus Carpentras. La Tempête beschreibt es selbst als Begegnung zwischen Monteverdis venezianischer Polychoralität und einer weitaus älteren, mediterranen Tradition mündlich überlieferter Polyphonie.
Diese archaischen Gesänge bildeten einen der roten Fäden des Abends und sorgten dafür, dass Monteverdi immer wieder aus der Stille neu geboren werden konnte.
Eine entscheidende Rolle kam dabei Eugénie de Mey zu, die die gregorianischen Antiphonen sang. Was für eine Leistung. Nicht nur stimmlich, sondern vor allem in Ausstrahlung und Überzeugungskraft. Sobald sie zu singen begann, veränderte sich etwas im Raum. Ihre Stimme schuf auch die natürlichen Übergänge, die nötig waren, um aus diesem langen Abend ein Ganzes zu machen. Dadurch vergingen die 130 Minuten wie im Flug.
Und so sparsam diese Momente bisweilen auch waren, an Kraft fehlte es diesen Vespern keineswegs.
Power. Das ist vielleicht eines der Wörter, die ich in meinen Notizen am häufigsten hätte schreiben können.
Die Theorbe wurde bisweilen beinahe wie ein Schlaginstrument eingesetzt. Zinken und Posaunen bekamen allen Raum. Streicher, Gamben, Harfen, Orgel, Cembalo, Dulzian und Serpent sorgten für eine Farbpalette, die sich ständig verschob.
Und welch ein Segen, Monteverdi endlich wieder einmal mit einem so großen Vokalensemble zu hören. Vierundzwanzig Sänger, verbunden mit einem reichen und doppelchörigen Instrumentalensemble: Monteverdi in all seiner Größe.
Im Nachhinein bin ich übrigens froh, dass mir die Aufnahme, die La Tempête zuvor von diesem Projekt gemacht hatte, entgangen ist. Und ich bin auch ein wenig verwundert: Wie konnte das passieren? Die Produktion besteht seit 2019 und ist auch auf CD erschienen.
Dadurch konnte ich mich im Bozar aber unbefangen von einer Verwunderung in die nächste fallen lassen. Und ich spürte tatsächlich wieder etwas von dem Gefühl, mit dem ich vor langer Zeit, noch im vergangenen Jahrhundert, Monteverdis Vespern zum ersten Mal hörte.
Monteverdi tanzt
In Laetatus sum fand Bestion ein Tempo, bei dem Stillsitzen beinahe kontraproduktiv wurde. Die Musik lud zum Tanzen ein, und die Sänger taten es auch. In kleinen Schritten nach vorn, diese Bewegung durch den Raum, machte die Musik körperlich spürbar.
Die Inszenierung blieb dabei bemerkenswert minimal. Licht, einige Bewegungen, andere Positionen im Saal: nie genug, um aus dem Konzert Musiktheater zu machen, aber gerade genug, um den Raum immer wieder zu verwandeln.
Und das führt mich erneut zu diesem Respekt vor dem Publikum.
Bestion schreibt dir nicht vor, was du sehen oder fühlen sollst. Er schafft Umstände, unter denen du immer tiefer in seine musikalische Welt gelangst. Wenn du das nach und nach zu begreifen beginnst, merkst du auch, wie sorgfältig alles aufgebaut ist. Woher eine Stimme kommt. Wo ein Instrumentalist steht. Wann sich das Licht verändert. Wann das enorme Ensemble losbricht.
Du wirst nicht überwältigt um des Überwältigens willen. Du wirst mitgenommen.
Duo seraphim war davon ein glänzendes Beispiel. Zwei Sänger begannen Rücken an Rücken. Dann teilen sich die Seraphim, und aus zwei Stimmen werden drei. Ein musikalisches Bild der Dreifaltigkeit, das sichtbar und zugleich hörbar entsteht.
Es gehört zweifellos zu den schönsten Duo seraphims, die ich je live gehört habe.
Ein weiterer Höhepunkt war das doppelchörige Nisi Dominus. Links und rechts, hoch auf den Balkonen des Bozar, entstand jene Räumlichkeit, die wir mit den venezianischen cori spezzati verbinden. Ganz kurz entstand beim Einsatz eine kleine Verschiebung bei den Bläsern rechts.
Und weißt du was? Darüber war ich fast froh. Denn plötzlich waren da wieder die Menschen.
Ein kaum wahrnehmbarer Riss, wohl aus Begeisterung entstanden, und wenige Sekunden später hob uns dieser doppelchörige Gesang wieder empor. Zu den Göttern, sozusagen.
Selten war ich in den letzten Jahren bei einem Konzert so oft beeindruckt. Und in bestimmten Momenten schien Bestion beim Dirigieren fast zu schweben. Den ganzen Abend übrigens ohne Partitur. Er stand wie ein Pfeiler mitten in seinem eigenen musikalischen Bauwerk.
René Ramos-Premier
Für mich persönlich die Entdeckung des Abends.
Es ist nicht nur seine Stimme oder sein Stimmumfang. Das Wort, das ich mir bei ihm notierte, war Anmut.
Seine Haltung, sein Lächeln, der Kontakt mit dem Publikum, aber auch diese merkwürdige Kombination aus Bescheidenheit und Virtuosität. Er muss sich nicht wichtig machen, um eine enorme Präsenz zu haben.
In Audi caelum kam alles zusammen. Und dann dieser eine Moment, in dem er omnes einleitet und der Chor antwortet.
Gänsehaut.
Scheinbar ein Detail. Doch genau für solche Sekunden geht man in ein Konzert. Man kann zu Hause über die beste Anlage der Welt verfügen, aber dieser Moment, diese Stimme an diesem Ort in diesem Raum und die Antwort, die von woanders kommt, gibt es nur einmal.
ENDLICH: Lauda!
Endlich wieder einmal ein Ensemble, das sich traut, aus Lauda auch wirklich lauda zu machen: Lob, Jubel, Bewegung.
Was für ein Tempo. Was für eine Virtuosität. Und vor allem: was für eine Freude! Der einzige Nachteil war, dass es so schnell vorbei war.
Auch die Sonata sopra Sancta Maria, oft ein Ruhepunkt oder eine Zäsur in den Vespern, erhielt eine ganz eigene Gestalt. Bestion entschied sich nicht für ein einziges statisches Tempo, sondern ließ die Musik ständig atmen und sich bewegen. Und wieder wurde der Saal selbst zum Instrument, mit jener Phalanx von Sopranen hoch über uns.
Ich verwende bewusst das Wort Phalanx. Denn endlich wurde diese Partie einmal nicht quasi-solistisch angegangen. Hier stand eine kollektive Stimme dem instrumentalen Ensemble gegenüber und über ihm. Ein göttlicher Klang aus der Höhe.
Und wenn man dann denkt: gut, nun hatten wir die Höhepunkte doch wohl schon...
Nein, keineswegs.
Ave maris stella
Der Chor verteilt sich im Saal, hoch über den Balkonen.
Ave maris stella.
Nach aller rhythmischen Energie und dem räumlichen Spektakel geschieht etwas Wunderbares. Alles verlangsamt sich. Der A-cappella-Gesang gewinnt unglaubliche Ruhe. Man hört die einzelnen vokalen Details, und zugleich wird es fast unmöglich zu bestimmen, woher die Musik eigentlich noch kommt.
Und dann immer wieder jene letzte Takt, in dem die Tenorstimme so feinsinnig Farbe und Stimmung wechselt.
Ätherisch. Neben mir wischt sich die Dame eine Träne weg. Und ich muss ehrlich sein: Es hat auch mich gepackt.
Vielleicht verstand ich in diesem Augenblick noch besser, was ich mit Respekt vor dem Publikum meinte. Dieses Ensemble will einen nicht beeindrucken, indem es zeigt, was alles möglich ist. Es investiert sein ganzes Können in das, was mit dir als Zuhörer geschieht.
Das ist ein wesentlicher Unterschied.
Ein großes Konzert kann verblüffen. Man bewundert Stimmen, Instrumentalisten, Dirigent. Man geht nach Hause und denkt: Wie gut sie waren.
Hier geschah etwas anderes. La Tempête nutzte Stimmen, Instrumente, Bewegung, Distanz, Licht, Stille und die Architektur des Saals, um die Grenze zwischen Bühne und Publikum allmählich unwichtiger werden zu lassen.
Irgendwann hört man nicht mehr einer Darstellung von Monteverdis Welt zu. Man ist mittendrin.
Drei Echos
Zum abschließenden Magnificat kann ich mich eigentlich kurz fassen.
Mächtig.
Es rollte dahin wie eine Achterbahn, in der man ständig von einem Staunen ins nächste und von einer Klangwelt in die andere geworfen wurde. Groß gegen klein, massiv gegen intim, nah gegen fern.
Und dann das Gloria Patri.
Das Echo. Oder besser: die Echos. Nicht eines, sondern drei.
Darin steckt für mich im Nachhinein vielleicht der ganze Abend. Bei La Tempête bekommt man nicht einen Monteverdi. Alles scheint sich zu vervielfältigen. Renaissance und Barock. Kirche und Theater. Individuum und Gemeinschaft. Intimität und Überschwang. Stille und Kraft. Das Sakrale und das Körperliche. Der Mensch und etwas, das diesen Menschen für einen Moment übersteigt.
Bestion hält darüber keine Geschichtsstunde. Er lässt es geschehen. Vielleicht erklärt das auch die beiden Reaktionen, die ich an diesem Abend ganz in meiner Nähe sah.
Eine Hand vor dem Mund. … Eine Träne.
Das sind keine Reaktionen auf historische Aufführungspraxis. Kein Urteil über Artikulation, Intonation, Tempi oder Besetzung. Das sind Menschen, bei denen Musik etwas bewirkt hat.
Als ich nach der minutenlangen, rhythmisch klatschenden stehenden Ovation hinausging, dachte ich: La Tempête hat Monteverdi nicht aufgeführt. La Tempête war Monteverdi.
Nicht weil dies die einzige Art ist, wie die Vespro della Beata Vergine klingen darf. Nicht weil jede Entscheidung Bestions plötzlich die historische Wahrheit verkörpert. Sondern weil sich während 130 Minuten Ausführende, Musik, Raum und Publikum nicht mehr voneinander trennen ließen.
Und vier Jahrhunderte nachdem Claudio Monteverdi diese Musik schrieb, scheint mir das vielleicht das größte Kompliment zu sein, das man Ausführenden machen kann.
Also beende ich diese lange Kritik mit dem Wort, das alles zusammenfasst: WOW!