La Dame de Pique est, avec Eugène Onéguine, l'un des opéras les plus célèbres et les plus populaires de Piotr Ilitch Tchaïkovski. L'amour passionnel de la jeune aristocrate Lisa, contrecarré par l'obsession du jeu d'Herman, un homme de condition inférieure. Tchaïkovski a basé son opéra sur la nouvelle homonyme de Pouchkine et a écrit le livret avec son frère Modest. L'opéra a été créé au théâtre Mariinski en 1899.
La metteure en scène Maria-Lambert-Le Bihan met à juste titre l'accent sur l'environnement aristocratique dans lequel se déroule cette histoire d'amour tragique. Malheureusement, ce cadre exige tellement d'attention que l'essence de la tragédie entre les protagonistes sombre dans l'anecdotique. La représentation s'ouvre sur l'évocation d'une fête dans un jardin champêtre, avec de jolis tableaux, où le chœur des enfants jouant les petits soldats produit bien sûr un effet immédiat (et rappelle évidemment le chœur d'enfants dans le Carmen de Bizet). Malheureusement, dès cette première scène, le focus reste insuffisamment concentré sur les personnages autour desquels tourne la pièce : Lisa, Herman et Yeletski. Herman est éperdument amoureux de Lisa, mais comme il n'est pas du même rang social, il se sent obligé d'accumuler les richesses pour avoir une chance. Son rival est Yeletski, le fiancé officiel de Lisa. Pendant les deux premiers actes de l'opéra, la direction des acteurs est particulièrement faible. La grande première déclaration d'Herman selon laquelle il mise sur les cartes se fait simplement en avant-scène. Le duo d'amour entre Lisa et Herman à la fin du premier acte est également mis en scène de façon très conventionnelle.
Au deuxième acte, le bal masqué est présenté de façon très ludique, avec le ballet Daphnis et Chloé comme pièce dans la pièce, avec des moutons déguisés qui ont l'air si ridicules que l'interprétation comme parodie du ballet du dix-huitième siècle s'impose.
À partir de la deuxième scène du deuxième acte, il y a une véritable rupture de mise en scène. Soudainement, ce n'est plus l'ensemble de la scène qui est jouée, mais une structure heptagonale est placée sur la scène. C'est là que se joue le cœur de l'opéra. Les murs de la structure sont peints avec une structure d'arbres morte et dénudée, comme une allusion symbolique à la ruine et à la mort. Dans cette chambre, il rencontre la vieille comtesse, grand-mère de Lisa, qui détient le secret des trois cartes gagnantes (Tre karti). Dans cette scène fermée, il ne s'agit que d'Herman et de la comtesse. Mais lorsqu'Herman essaie de lui arracher le secret, la comtesse meurt. Le secret des trois cartes, Herman ne l'apprend que lorsque la comtesse lui réapparaît comme un fantôme. L'artifice de mise en scène du cadre fermé rend cette confrontation particulièrement pointue et émouvante. Le rejet de Lisa en raison de son obsession est maintenant aussi tragiquement mordant.
C'est dommage que la mise en scène revienne ensuite à l'anecdotique de la vie de soldats ivres pour la scène de jeu finale, où Herman gaspille ses chances et perd aussi son bien-aimée, qui se tue elle-même. Le suspense de la mauvaise carte est malheureusement peu exploité dans ce contexte, et même lorsqu'Herman met fin à ses jours, la scène saisit à peine.
Giampaolo Bisanti unit aristocratie et destin
Dans la Dame de Pique, nous reconnaissons d'une part le talent de Tchaïkovski à peindre le contexte social dans lequel l'histoire se déroule. Il y a l'atmosphère aristocratique mais aussi le caractère rural des scènes d'ouverture ou l'exubérance des joueurs ivres dans la dernière scène. D'autre part, son grand art est de préciser la psychologie des protagonistes. Pour cela, les arias de Lisa et d'Herman sont bien sûr exemplaires, et en particulier le passage avec l'apparition sinistre de la comtesse. La priorité absolue de Bisanti de faire jouer cet opéra à l'ORW a ici été magnifiquement réalisée. Il dirige et propulse l'orchestre jusqu'aux passages les plus émouvants, mais aussi à l'intimité émotionnelle. Le motif des « tri karti » acquiert dès sa première apparition dans la première scène quelque chose de sinistre. Les solistes réussissent à se vivre vocalement complètement dans leur rôle. Olga Maslova possède une voix claire et surtout puissante en tant que Lisa, bien que nous aurions parfois souhaité plus de nuance. Il en va de même pour Arsen Soghomonyan en tant qu'Herman. La dureté de sa voix la rend parfois monotone et empêche ainsi de restituer la richesse de l'émotion. Olesya Petrova était une bonne Comtesse, mais pas la plus impressionnante. Nikolai Zemianskikh a certainement fait bonne impression en tant qu'Yeletski lyrique. Le chœur, qui a un rôle important dans cet opéra, a été magnifique dans chaque passage.
Malgré le caractère quelque peu étrange de la mise en scène « fragmentée », cette représentation du chef-d'œuvre grandiose de Tchaïkovski a fait impression.
