Le dimanche matin 18 octobre, la Philharmonie de Cologne accueillait au programme le Requiem für Mignon de Robert Schumann (1810–1856) et A Child of Our Time de Michael Tippett (1905–1998). Le Rodenkirchener KammerChor und Orchester, le Philharmonischer Chor Köln et Onzemble Coeln se produisaient avec le Neues Rheinisches Kammerorchester Köln sous la direction de Nico Köhs.
Les deux œuvres diffèrent fortement de caractère. La musique de Schumann est lyrique et recueillie, tandis que Tippett entraîne l'auditeur dans un récit poignant de persécution et de violence. Pourtant, les deux œuvres touchent au sentiment de ne vraiment appartenir nulle part et d'être exclu par les autres. Chez Schumann, résonne la peine causée par Mignon, la jeune femme qui semble ne trouver refuge nulle part. Chez Tippett, la souffrance d'un seul jeune garçon prend une portée bien plus large : elle révèle comment les préjugés et la haine peuvent dégénérer en persécution et en violence brutale. Si différentes que soient ces deux œuvres, aucune ne s'en tient uniquement au chagrin. Leur musique laisse aussi entendre l'espoir que, malgré tout, il subsiste une place pour la consolation et la réconciliation.
Entre mélancolie et consolation
Dans le Requiem für Mignon, Schumann s'est inspiré du personnage homonyme des Années d'apprentissage de Wilhelm Meister de Goethe. La mort de Mignon constitue le point de départ d'une musique où douleur et consolation sont étroitement entremêlées. Schumann ne recherche pas ici le grand drame, mais laisse surtout l'émotion s'exprimer à travers le lyrisme et la retenue de son langage musical.
Ce sont les parties chorales qui portent l'œuvre. Les voix féminines d'Onzemble Coeln, qui interprétaient les parties de soprano et d'alto notées séparément, y ajoutaient une sonorité raffinée et transparente. La masse chorale, par moments, sonnait un peu trop intensément pour l'intimité de la musique de Schumann, mais les lignes mélodiques restaient suffisamment limpides pour ne pas étouffer la mélancolie. Vers la fin, le baryton Konstantin Paganetti s'est également avancé. Sa diction excellente rendait le texte parfaitement intelligible et donnait à la conclusion une couleur personnelle.
L'interprétation est restée sobre et a évité les grands gestes dramatiques. Ainsi, le Requiem de Schumann a gagné une chaleur humaine qui contrastait joliment avec la critique bien plus acérée de l'exclusion et de la persécution dans A Child of Our Time de Tippett.
Entre menace et rythme
Michael Tippett a composé A Child of Our Time entre 1939 et 1941, pendant la Seconde Guerre mondiale. L'événement déclencheur fut l'attentat commis en novembre 1938 à Paris par Herschel Grynszpan, un jeune réfugié juif de dix-sept ans, contre le diplomate allemand Ernst vom Rath. Le régime nazi utilisa cet événement comme prétexte aux pogroms de novembre contre les citoyens juifs. Tippett n'a pas fait de cette histoire une simple reconstitution. Le jeune homme du titre représente aussi toutes les personnes frappées par les préjugés et la haine, rejetées par la société. Ainsi, l'oratorio reste, malheureusement, un témoignage d'actualité contre la persécution et l'intolérance. Les cinq negro spirituals qu'il y a intégrés donnent une voix humaine à la souffrance collective, tout en ouvrant une perspective de libération et de réconciliation.
Les plus de 130 chanteurs ont impressionné, non seulement par leur nombre, mais surtout parce qu'ils fonctionnaient en grande partie comme une seule masse sonore. Dans les registres aigus, le chœur sonnait parfois moins libre et moins assuré et perdait un peu de son éclat. Dans les spirituals, cette limitation disparaissait en grande partie. Là, l'ensemble chantait avec conviction et souplesse rythmique.
L'orchestre, lui aussi, a fait bien plus qu'accompagner. La musique pouvait grincer et se tordre là où c'était nécessaire. La sonorité orchestrale a donné à l'œuvre son agitation et sa menace, même si l'équilibre n'était pas toujours idéal, surtout lorsque les solistes se trouvaient face à la masse chorale et orchestrale au complet. Néanmoins, l'apport orchestral a conféré à l'interprétation une force dramatique importante.
Le chef Nico Köhs a su maintenir ensemble cette formation nombreuse sans ôter à la musique sa tension. Surtout dans les passages rythmiques des spirituals, chœur et orchestre sont restés bien accordés. Il a su mener la grande formation avec justesse tout en laissant place aux contrastes dramatiques.
De Steal Away à Go Down, Moses
Les solistes ont donné une voix au drame individuel face à la force collective du chœur. Le baryton Konstantin Paganetti a fait la plus forte impression. En narrateur, il semblait vivre réellement ce qu'il chantait. Son interprétation ne se limitait donc pas à illustrer la douleur, mais gagnait une proximité humaine qui donnait à la musique un poids supplémentaire.
Dans I have no money for my bread, le ténor Stefan Sbonnik a rendu sensible la détresse du jeune homme. La soprano Elena Harsányi s'est bien intégrée à l'ensemble avec sa voix chaleureuse. Comme annoncé, la maladie ne lui permettait pas de déployer toutes ses capacités vocales, mais sa contribution est restée sensible. La mezzo-soprano Ruth Häde a également contribué au drame. Les voix ne se détachaient cependant pas toujours suffisamment de l'orchestre et du chœur. Une partie du texte se perdait ainsi parfois, alors que ce sont précisément les mots qui rendent la souffrance personnelle tangible.
Avec Steal Away est venu un premier point culminant. Ici, le chœur semblait tout à fait à l'aise. Le spiritual a trouvé un mouvement naturel et une sonorité soutenue, permettant à la mélodie de parler d'elle-même. L'ampleur de l'ensemble n'était pas ici un défi, mais une plus-value.
Dans la deuxième partie, la lettre adressée à la mère offrait à nouveau aux solistes l'espace nécessaire pour mettre en lumière le côté personnel du drame. Le rythme de Nobody Knows the Trouble I See qui suivait créait ensuite un contraste frappant. La musique prenait de l'élan et devenait entraînante. Malgré la grande masse chorale, le jeu rythmique restait souple.
Le moment choral le plus puissant fut Go Down, Moses. L'appel à la libération prit une force collective poignante. Le chant ne sonnait pas comme un moment de repos, mais comme un réquisitoire urgent contre l'oppression. Les passages qui suivirent, autour du jeune homme en prison, rapprochèrent à nouveau l'auditeur de la situation sans issue dans laquelle il se trouvait. Le passage de l'appel collectif à la liberté à la souffrance personnelle du jeune homme rendit perceptible, avec une grande netteté, le cœur dramatique de l'œuvre de Tippett.
Une fin ouverte
Dans la troisième partie, la perspective change. Avec I would know my shadow and my light, la pensée de la réconciliation trouve davantage de place. La musique ne cherche pas une solution facile, mais une compréhension des contradictions qui sommeillent en chaque être humain. Ce tournant mène à la conclusion, où la tension cède progressivement la place au recueillement.
Avec Deep River, l'oratorio se termina de manière recueillie. Après les puissants passages choraux, la musique sonnait comme un dernier regard en arrière sur la souffrance endurée. Aucune victoire triomphante n'effaça toutes les questions. Dans ce recueillement, il n'y avait pas de réponse toute faite, mais la possibilité que la compassion soit plus forte que la haine.