Le compositeur britannique Brian Ferneyhough, qui célèbre son 80e anniversaire aujourd'hui, est connu comme un compositeur complexe et hyperkiétique. Initialement enseveli sous les critiques et les polémiques, il a finalement émergé comme l'une des personnalités les plus créatives et intelligentes du monde de la nouvelle musique classique. Au centre de son travail se trouve sa réflexion continue sur les limites existentielles du matériel musical. Un profil.
Ferneyhough est l'un des rares artistes capable de se remettre constamment en question et de se réinventer continuellement. Alors que beaucoup de ses collègues vivent sur leur passé, qu'il soit riche ou non, il arrive toujours avec de nouvelles idées, même dans son rôle actuel de professeur émérite de Composition à l'Université Stanford en Californie. Ses pièces sont considérées comme le summum de la complexité, conduisant à la confusion et parfois à une certaine réticence chez les musiciens interprètes. Une mesure typique contient des subtilités à peine perceptibles d'intonation et de rythme, qu'il varie sans fin avec des registres, des timbres, des articulations et des phrasés. De plus, tout cela est comprimé dans des périodes de quelques secondes.
Son penchant pour l'extrémisme est frappant, d'autant plus que sa première rencontre avec la musique remonte à son enfance, lorsqu'il jouait dans une fanfare respectable des Midlands. De chez lui, il n'a reçu aucune impulsion musicale. Mais très vite, la musique britannique obligatoire à l'école (Elgar, Britten, Vaughan Williams) a commencé à lui sortir par les oreilles. « J'ai trouvé cette musique désagréable et incompréhensible », a déclaré Ferneyhough dans une interview avec Research Gate, « cela m'évoquait un pseudo-paradis quelque part derrière un terrain de cricket ». Peu après, lorsqu'il entra en contact avec la musique classique contemporaine, il s'avéra qu'il commençait à se sentir chez lui dans des compositions qui n'avaient pas été créées sous la coupe d'une autorité culturelle ou d'une sentimentalité artificielle. Le premier pas pour s'échapper de cette coupe a été de traverser vers l'Europe continentale. Après ses études auprès de Ton de Leeuw (Amsterdam, 1968) et Klaus Huber (Bâle, 1969), il a été nommé en 1973 comme enseignant à la Freiburger Musikhochschule (1973-1986).
Varèse
En écoutant Octandre du compositeur français Edgard Varèse, il a été conquis. Dans cette pièce, il a trouvé de l'honnêteté, de la pureté, sans larmes de crocodile. « Cela dit ce qu'il veut dire et puis s'arrête », a-t-il dit à ce sujet, « ce que Varèse veut dire est jubilatoire, c'est une sorte de jouissance cérémonielle qui était absolument novatrice et choquante pour moi ». Outre Varèse, Ferneyhough a trouvé son inspiration (« matériel stylistique de base », c'est ainsi qu'il l'appelle) notamment chez le compositeur autrichien Anton Webern (1883-1945) et son collègue allemand Karlheinz Stockhausen (1928-2007). Son déménagement aux États-Unis en 1987 s'est avéré être un coup gagnant. Les étudiants américains se sont avérés --beaucoup plus qu'en Europe-- ouverts à toutes les formes de formation sonore non traditionnelle et n'étaient pas figés dans les régularités classiques. Aux États-Unis, a expérimenté Ferneyhough, tu peux simplement écrire une note sans te demander d'où elle vient et pourquoi.
Dialogue
La tendance de Ferneyhough vers l'impénétrabilité musicale et la détaillisation poussée a bien sûr des conséquences pour l'interprétation. Qui est prêt à se frotter les dents et à investir du temps de répétition coûteux ? Pourquoi un pianiste consentirait-il à passer un demi-an à étudier la sonate pour piano de Franz Liszt, mais hésiterait-il à aborder une pièce solo de Ferneyhough ? Les expériences du quatuor Arditti ou du pianiste Nicolas Hodges reviennent toujours à la même chose, à savoir que ce n'est pas l'intention de Ferneyhough de forcer les exécutants à s'en tenir à la lettre de la partition.
Ferneyhough considère ses partitions comme un dialogue avec les possibilités du musicien, respectivement l'expérience d'écoute. Cela correspond à la pratique d'autres pièces compliquées : plus il y a d'informations sur le papier, plus la pièce est ouverte à l'interprétation. La raison en est que l'expressivité est un concept subjectif avec lequel chacun se débrouille à sa manière. C'est pourquoi chaque interprétation d'une composition de Ferneyhough est toujours nouvelle. Son solo pour piano Lemma-Icon-Epigram est joué par Nicolas Hodges en 11 minutes mais Lukas Huisman y consacre plus de 14 minutes.
Influences
Le résultat est une sensation d'extrémité musicale. Cela reçoit un stimulus supplémentaire parce que sa musique est soumise à diverses influences telles que la philosophie, la peinture, la littérature, la science-fiction, le mysticisme et même l'alchimie. Pour de nombreux musiciens, ses partitions se présentent comme des labyrinthes dans lesquels ils doivent se comporter davantage comme des pisteurs que comme des récréants. Certains exécutants disent donc qu'ils ne peuvent que reproduire une trace de la partition présentée. Cela entraîne parfois de la frustration. La première représentation de l'œuvre orchestrale La Terre est un Homme, à Glasgow en 1979, a été un désastre parce que l'orchestre refusait de coopérer. La partition a été considérée comme inaccessible et impraticable. Une deuxième tentative quelques semaines plus tard à Londres, notamment sous la direction de Claudio Abbado, n'a également mené à rien. Ce n'est qu'en 2011 que le BBC Symphony Orchestra, sous la direction de Martyn Brabbins, a pu redresser les choses.
L'exécution de la musique de Ferneyhough dépend de la capacité des musiciens à se dépasser. Ce défi se manifeste par exemple dans Time and Motion Study II pour violoncelle solo et électronique. La musique jouée en direct (violoncelle) y est enregistrée directement sur bande, le résultat étant restitué à différents moments. Cette pièce date de 1977 et est un précurseur de ce qu'on appelle aujourd'hui live electronics.
De 2012 date son deuxième ouvrage pour orchestre complet, Plötzlichkeit. Cette œuvre est composée de fragments musicaux contrastés de longueurs différentes, qui fusionnent parfois.
Mérite d'être signalé enfin Terrain, un mini concerto pour violon, énergique et par moments jazzy, un incontournable.
Jouer Ferneyhough constitue pour les musiciens en question un défi : celui de déployer leur propre capacité créative à tel point que l'exécution puisse se détacher des conceptions du compositeur. Ferneyhough montre que le chemin qui va du concept à l'expérience de l'auditeur peut en dire plus long que le concept lui-même.
Playlist
Lemma-Icon-Epigram. Lukas Huisman (piano)
Time and Motion Study II. Séverine Ballon (violoncelle) et Juan Cristobal Cerrillo (électronique)
La Terre est un Homme, Plötzlichkeit. BBC Symphony Orchestra dir. Martyn Brabbins, Olivia Robinson (soprano)
Terrain. Elision Ensemble.
Octandre, Edgard Varèse. Frank Zappa, Vancouver, 1968
Entretien avec Brian Ferneyhough. Library of Congress, Washington, 2016.
Agenda
Klara : un spécial sur Brian Ferneyhough mardi 24 janvier, Late Night Lab, 22h00 - 00h00.