Un concert sur la guerre, la mort et la destruction ne semble pas, sur le papier, être une soirée légère. Pourtant, Against the War, le concert que I SOLISTI et CHORWERK RUHR ont donné mardi soir au Wintercircus de Gand, s'est révélé étonnamment accessible. Le programme, construit avec soin autour de la paix et de la guerre, réunissait notamment des œuvres de Hessenberg, Stravinsky, Kurt Weill, Hanns Eisler, Rudolf Mauersberger et Arnold Schönberg. Sous la direction de Yuval Weinberg, la soirée fut variée, et musique, texte et mouvement s'y sont magnifiquement entremêlés.
La collaboration entre les deux ensembles n'est pas un hasard. I SOLISTI est un ensemble belge né d'un octuor à vents et qui compte aujourd'hui un noyau d'une vingtaine de musiciens. L'ensemble se consacre principalement aux instruments à vent, tout en se profilant comme une maison de production musicale qui aime repousser les frontières entre concert, théâtre musical et autres formes artistiques. Cela explique aussi pourquoi les passages instrumentaux ont reçu, dans ce programme, un rôle si important et si coloré.
CHORWERK RUHR, quant à lui, existe depuis 1999 et compte parmi les grands chœurs de chambre allemands. L'ensemble s'est forgé une réputation avec un répertoire allant de la musique ancienne à la musique contemporaine, et s'est fortement investi ces dernières années dans la création contemporaine. Le chœur est par ailleurs réputé pour sa capacité à assumer aussi bien des formations solistes que une sonorité chorale entièrement fondue. Ce dernier aspect était régulièrement perceptible ce soir-là.
Le concert s'ouvrit sur O Herr, mache mich zum Werkzeug deines Friedens de Kurt Hessenberg, d'après François d'Assise. Les premières sonorités du chœur furent immédiatement justes. Les sopranos et les altos sonnaient tendres et pleins, soutenus par une basse et un ténor empreints de gravité. L'ensemble dégageait quelque chose de remarquablement lumineux. Au Wintercircus, le chœur s'était placé un peu plus en retrait, et dans la pénombre ne subsistaient que les petites lumières des partitions. Le tableau qui en résultait était particulièrement beau.
De cette ouverture paisible, le programme passa à L'Histoire du soldat d'Igor Stravinsky. Ce fut pour moi l'une des surprises de la soirée. Je connais Stravinsky surtout à travers le monde choral, mais je suis beaucoup moins familier de sa musique instrumentale : cette interprétation m'a clairement donné envie d'en entendre davantage. L'œuvre regorge de couleurs, est ludique et imagée, et fut présentée de manière particulièrement interactive. Les trois solistes recherchaient manifestement le contact entre eux comme avec le public. Malgré le sujet, il y avait même, de temps à autre, une pointe d'humour.
La troisième partie de la soirée nous conduisit vers Hanns Eisler et Kurt Weill. Ici, le texte prenait une place de plus en plus importante. Lore Binon interpréta la partie vocale de la Römische Kantate d'Eisler avec une grande conviction. Elle chanta de manière posée, parfois presque déclamée, ce qui mettait très nettement le texte en avant.
La Römische Kantate, opus 60, est d'ailleurs une œuvre intéressante à placer dans ce programme. Eisler l'écrivit pendant son exil et s'appuya sur un texte de l'écrivain italien Ignazio Silone. La cantate se compose de quatre courtes parties, intitulées notamment Das große Rom, Der Gestank, Woher kommt er ? et Die Angst. L'effectif est remarquablement réduit : une voix soliste, deux clarinettes, alto et violoncelle. Il ne s'agit donc pas d'une grande œuvre chorale, mais plutôt d'un récit musical incisif et concentré. L'image de Rome, et surtout de cette puanteur que personne ne semble pouvoir expliquer, prend chez Eisler une charge politique évidente.
C'est là, pour moi, qu'un petit point d'attention s'impose. Il m'a manqué une traduction. Mon allemand suffit à comprendre une partie du texte, mais dans cette musique, le texte est abondant et son contenu souvent complexe. Une partie m'a donc échappé, et avec elle probablement une partie du sens que Eisler a voulu donner à son œuvre. Le même problème se posa plus tard avec le Berliner Requiem de Weill. Une traduction néerlandaise dans le programme ou sur un écran aurait réellement constitué une plus-value.
Cela dit, l'interprétation d'Eisler fut particulièrement convaincante. La transition vers la musique de Weill se fit de manière très naturelle. Zu Potsdam unter den Eichen m'a particulièrement marqué, notamment parce que le chant fut donné à plusieurs reprises, chaque fois avec un caractère différent. La première fois, avec fluidité et conviction par les dames sur la tribune, très haut au-dessus de nous ; ensuite par les voix masculines, de manière très colorée ; la troisième fois, ce fut tout simplement impressionnant. Les hommes avancèrent depuis le fond de la salle en une sorte de procession, tout en chantant. Ce simple mouvement conférait d'emblée une portée supplémentaire à la pièce. L'association avec les vents fonctionnait admirablement, et lorsque le banjo et les timbales vinrent s'ajouter, il se produisit un moment qui me donna littéralement la chair de poule.
Vint ensuite le Das Berliner Requiem de Kurt Weill, sur des textes de Bertolt Brecht. Il ne s'agit pas d'un requiem au sens classique et liturgique, mais d'une œuvre dans laquelle Weill et Brecht abordent, à leur manière typique, la guerre, la mort et la société.
Le contexte est également intéressant ici. Weill a composé l'œuvre en novembre et décembre 1928, peu après le immense succès de Die Dreigroschenoper. Elle a été écrite à l'origine pour ténor, baryton, chœur d'hommes et orchestre d'harmonie, et a été créée le 22 mai 1929 par Radio Frankfurt. Il s'agissait donc littéralement d'une œuvre pour les médias de masse modernes de l'époque. Les poèmes de Brecht parlent en outre des morts oubliés : les victimes de la guerre, mais aussi les victimes de violences qui sont restées anonymes. Cela rend le titre Requiem immédiatement plus clair : il ne s'agit pas d'une messe liturgique pour les morts, mais d'une sorte de monument musical à la mémoire de personnes qui risquent autrement d'être oubliées.
Les voix masculines sont entrées immédiatement avec force avec le Grosser Dankchoral. Avec les instruments à vent, un son impressionnant s'est créé, qui sonnait parfois, à juste titre, de manière violente. C'était précisément ce dont la musique avait besoin. L'interprétation était également particulièrement convaincante. Lorsqu'il était question d'obscurité ou de froid, cela ne se percevait pas seulement dans le texte, mais aussi dans le son.
La Ballade vom ertrunkenen Mädchen, accompagnée à la guitare, dégageait ensuite un caractère tout à fait différent. Plus petite, plus intime et presque fragile. Les solistes des parties suivantes étaient également fantastiques. Chez Weill, tout tourne à nouveau fortement autour du texte et de la narration. Le ténor et le baryton l'ont fait avec beaucoup de sensibilité interprétative. Parfois, on parlait presque plutôt qu'on ne chantait.
Il est d'ailleurs frappant que le Das Berliner Requiem n'ait pas connu une existence simple après la création. L'œuvre a été adaptée à plusieurs reprises et il existe plusieurs versions. La partition originale n'a même pas été entièrement conservée. Cela rend l'œuvre encore plus intéressante aujourd'hui, mais explique aussi pourquoi les exécutions n'ont pas toujours exactement la même forme.
Après Weill, est venu Wie liegt die Stadt so wüst de Rudolf Mauersberger, basé sur les Lamentations de Jérémie. Mauersberger a écrit cette œuvre en 1945, après la destruction de Dresde. La musique est imprégnée de tristesse et de désolation. C'est surtout le Warum répété qui m'a profondément touché.
Ce motet fut pour moi une véritable découverte. Le chœur d'hommes l'a chanté magnifiquement, sans jamais tomber dans un pathos excessif. C'est le genre d'œuvre dont on se dit après coup : c'est celle que je veux réentendre.
Puis est arrivé Arnold Schönberg avec Friede auf Erden. La paix sur la terre. Avec les dames. Après tout ce qui précédait, il ne pouvait vraiment y avoir de meilleure conclusion.
Chanter Schönberg n'est toutefois pas une tâche simple. On ne voit pas vraiment les chanteurs transpirer, mais on perçoit l'effort et l'engagement. C'est précisément pour cela qu'il faut entendre ce type de musique en direct. Sur un CD, on entend le son, mais dans la salle, on voit aussi ce que cela coûte aux chanteurs de produire ce son.
Le chœur a chanté de manière particulièrement dynamique, du presque murmure à un son énorme. Et puis surgit enfin cette idée de paix sur la terre. Après la guerre, la violence, la mort et la destruction, le programme se termine donc à nouveau là où il avait commencé : à la paix.
Yuval Weinberg a tenu le tout fermement ensemble. On voit qu'il connaît et vit cette musique. Il dirige avec de grands gestes là où c'est nécessaire, mais peut aussi travailler avec une grande concentration et intensité. La manière dont il a tenté de retarder les applaudissements entre les différentes parties convenait également à la construction de la soirée.
Les applaudissements, qui ont duré plusieurs minutes, ont clairement montré que le public avait particulièrement apprécié la soirée.
La guerre et la violence forment le fil rouge, mais c'est finalement surtout cette autre idée qui reste : la paix.
Pour moi, le Festival 20.21 et le Festival de Flandre de Gand avec Against the War ont en tout cas présenté un programme qui restera longtemps présent. Cette production sera encore à entendre à de Singel le 24 février '27, puis ensuite à Bochum, Berlin et Dessau. Suivez certainement le Festival 20.21 via Facebook ou sur le site web.