Am Sonntagvormittag, dem 18. Oktober, standen in der Kölner Philharmonie Robert Schumanns (1810–1856) Requiem für Mignon und Michael Tippetts (1905–1998) A Child of Our Time auf dem Programm. Das Rodenkirchener KammerChor und Orchester, der Philharmonische Chor Köln und Onzemble Coeln traten zusammen mit dem Neuen Rheinischen Kammerorchester Köln unter der Leitung von Nico Köhs auf.
Die beiden Werke unterscheiden sich stark im Charakter. Schumanns Musik ist lyrisch und verhalten, während Tippett die Zuhörer in eine ergreifende Geschichte über Verfolgung und Gewalt hineinzieht. Dennoch berühren beide Werke das Gefühl, nirgendwo wirklich zu Hause zu sein und von anderen ausgeschlossen zu werden. Bei Schumann klingt die Trauer um Mignon, die junge Frau, die nirgends Geborgenheit zu finden scheint. Bei Tippett erhält das Leid eines einzelnen Jungen eine weitaus größere Bedeutung: Es legt offen, wie Vorurteile und Hass zu Verfolgung und brutaler Gewalt anwachsen können. So verschieden beide Werke auch sind, keines von beiden verweilt allein bei der Trauer. In ihrer Musik klingt auch die Hoffnung, dass trotz allem Raum für Trost und Versöhnung bleibt.
Zwischen Wehmut und Trost
Für das Requiem für Mignon ließ sich Schumann von der gleichnamigen Gestalt aus Goethes Wilhelm Meisters Lehrjahre inspirieren. Der Tod Mignons bildet den Ausgangspunkt für eine Musik, in der Trauer und Trost eng miteinander verwoben sind. Schumann sucht dabei nicht das große Drama, sondern lässt die Emotion vor allem in der Lyrik und der Verhaltenheit seiner musikalischen Sprache sprechen.
Die Chorpartien tragen das Werk. Die Frauenstimmen von Onzemble Coeln, die die separat notierten Sopran- und Altpartien übernahmen, fügten einen verfeinerten, transparenten Klang hinzu. Die große Chormasse wirkte für die Intimität von Schumanns Musik mitunter etwas intensiv, doch blieben die musikalischen Linien ausreichend durchhörbar, um die Wehmut nicht zu verdrängen. Gegen Ende trat auch der Bariton Konstantin Paganetti hervor. Seine hervorragende Diktion machte den Text gut verständlich und verlieh dem Schluss eine persönliche Note.
Die Aufführung blieb verhalten und vermied große dramatische Gesten. So erhielt Schumanns Requiem eine menschliche Wärme, die reizvoll mit der weitaus schärferen Anklage gegen Ausgrenzung und Verfolgung in Tippetts A Child of Our Time kontrastierte.
Zwischen Bedrohung und Rhythmus
Michael Tippett komponierte A Child of Our Time zwischen 1939 und 1941 während des Zweiten Weltkriegs. Anlass war das Attentat, das der siebzehnjährige jüdische Flüchtling Herschel Grynszpan im November 1938 in Paris auf den deutschen Diplomaten Ernst vom Rath verübte. Das NS-Regime nutzte dieses Ereignis als Vorwand für die Novemberpogrome gegen jüdische Bürger. Tippett machte aus dieser Geschichte keine bloße Rekonstruktion. Der Junge aus dem Titel steht auch für alle, die von Vorurteilen und Hass getroffen und von der Gesellschaft verstoßen werden. So bleibt das Oratorium leider eine aktuelle Anklage gegen Verfolgung und Intoleranz. Die fünf afroamerikanischen Spirituals, die Tippett darin verwob, verleihen dem kollektiven Leid eine menschliche Stimme und eröffnen zugleich eine Perspektive auf Befreiung und Versöhnung.
Die gut 130 Sänger beeindruckten nicht nur durch ihre Anzahl, sondern vor allem dadurch, dass sie weitgehend als eine einzige Klangmasse funktionierten. In den hohen Lagen klang der Chor mitunter weniger frei und sicher und verlor etwas von seinem Glanz. In den Spirituals fiel diese Einschränkung weitgehend weg. Dort sang das Ensemble mit Überzeugung und rhythmischer Geschmeidigkeit.
Auch das Orchester leistete weit mehr als Begleitung. Die Musik durfte dort reiben und sich verdrehen, wo es nötig war. Der Orchesterklang verlieh dem Werk seine Unruhe und Bedrohlichkeit, auch wenn die Balance nicht immer ideal war, vor allem wenn sich die Solisten der vollen Chormasse und dem Orchester gegenübersahen. Dennoch verlieh der orchestrale Beitrag der Aufführung eine wichtige dramatische Kraft.
Dirigent Nico Köhs hielt die umfangreiche Besetzung zusammen, ohne der Musik ihre Spannung zu nehmen. Vor allem in den rhythmischen Passagen der Spirituals blieben Chor und Orchester gut aufeinander abgestimmt. Er verstand es, die große Besetzung musikalisch sicher zu leiten und zugleich den dramatischen Kontrasten Raum zu geben.
Von Steal Away bis Go Down, Moses
Die Solisten gaben dem individuellen Drama eine Stimme gegenüber der kollektiven Kraft des Chores. Der Bariton Konstantin Paganetti hinterließ dabei den stärksten Eindruck. Als Erzähler schien er wirklich zu erleben, was er sang. Dadurch blieb seine Interpretation nicht bei der Darstellung von Trauer stehen, sondern gewann eine menschliche Nähe, die der Musik zusätzliches Gewicht verlieh.
In I have no money for my bread brachte der Tenor Stefan Sbonnik die Not des Jungen nahe. Die Sopranistin Elena Harsányi fügte sich mit ihrer warmen Stimme gut in das Ganze ein. Wie angekündigt, konnte sie krankheitsbedingt ihre volle stimmliche Bandbreite nicht ausschöpfen, doch blieb ihr Beitrag einfühlsam. Auch die Mezzosopranistin Ruth Häde trug zum dramatischen Geschehen bei. Die Stimmen setzten sich jedoch nicht immer ausreichend gegen Orchester und Chor durch. Dadurch ging mitunter ein Teil des Textes verloren, obwohl gerade die Worte das persönliche Leid greifbar machen.
Mit Steal Away folgte ein erster Höhepunkt. Hier schien der Chor ganz in seinem Element zu sein. Der Spiritual erhielt eine natürliche Bewegung und einen getragenen Klang, sodass die Melodie für sich selbst sprechen konnte. Die Größe des Ensembles wirkte hier nicht als Herausforderung, sondern als Gewinn.
Im zweiten Teil bot der Brief an die Mutter den Solisten erneut Raum, um die persönliche Seite des Dramas zu beleuchten. Die Rhythmik des darauffolgenden Nobody Knows the Trouble I See setzte danach einen auffälligen Kontrast. Die Musik gewann an Schwung und wirkte mitreißend. Trotz der großen Chormasse blieb das rhythmische Zusammenspiel geschmeidig.
Der kraftvollste Chormoment war Go Down, Moses. Der Ruf nach Befreiung erhielt eine eindringliche, kollektive Kraft. Das Lied klang nicht wie ein Ruhepunkt, sondern wie eine drängende Anklage gegen Unterdrückung. Die anschließenden Passagen um den Jungen im Gefängnis brachten die Hörerin und den Hörer erneut nah an die Ausweglosigkeit seiner Lage. Der Übergang vom kollektiven Befreiungsruf zum persönlichen Leid des Jungen machte den dramatischen Kern von Tippetts Werk scharf spürbar.
Ein offenes Ende
Im dritten Teil verschiebt sich die Perspektive. Mit I would know my shadow and my light erhält der Gedanke an Versöhnung mehr Raum. Die Musik sucht nicht nach einer einfachen Lösung, sondern nach Einsicht in die Widersprüche, die in jedem Menschen verborgen liegen. Diese Wendung führt zum Schluss, in dem die Spannung allmählich einer Stille weicht.
Mit Deep River endete das Oratorium verhalten. Nach den kraftvollen Chorpassagen klang die Musik wie ein letzter Rückblick auf das durchlittene Leid. Es folgte kein triumphaler Sieg, der alle Fragen auslöschte. In dieser Stille lag keine fertige Antwort verborgen, wohl aber die Möglichkeit, dass Mitgefühl stärker sein kann als Hass.