Der britische Komponist Brian Ferneyhough, der heute seinen 80. Geburtstag feiert, gilt als komplexer und hyperkinetischer Komponist. Zunächst unter Kritik und Polemik begraben, hat er sich schließlich als eine der kreativsten und intelligentesten Persönlichkeiten der neuen klassischen Musik etabliert. Im Mittelpunkt steht seine kontinuierliche Reflexion über die existentiellen Grenzen des musikalischen Materials. Ein Porträt.
Ferneyhough gehört zu den wenigen Künstlern, die sich immer wieder selbst in Frage stellen und sich ständig neu erfinden. Während viele seiner Kollegen von ihrer mehr oder weniger reichen Vergangenheit zehren, kommt er stets mit neuen Ideen, selbst in seiner heutigen Funktion als emeritierter Professor für Komposition an der Stanford University in Kalifornien. Seine Werke gelten als Inbegriff der Komplexität, was bei den ausführenden Musikern zu Verwirrung und mitunter zu Widerwillen führt. Ein typischer Takt enthält kaum wahrnehmbare Feinheiten in Intonation und Rhythmus, die er endlos variiert, durch Register, Klangfarbe, Artikulation und Phrasierung. Und all das ist zusammengepresst in Zeitabschnitte von wenigen Sekunden.
Seine Neigung zum Extremen ist auffallend, zumal seine erste Begegnung mit der Musik in seiner Kindheit stattfand, als er in einer braven Blaskapelle in den Midlands spielte. Von zu Hause bekam er keinerlei musikalische Impulse mit auf den Weg. Doch bald begann ihm die in der Schule verpflichtende britische Musik (Elgar, Britten, Vaughan Williams) zuwider zu werden. „Ich fand diese Musik unangenehm und unverständlich“, sagte Ferneyhough in einem Interview mit Research Gate, „sie erinnerte mich an ein Pseudo-Paradies irgendwo hinter einem Cricketfeld.“ Kurz darauf, als er mit zeitgenössischer klassischer Musik in Berührung kam, zeigte sich, dass er sich in Kompositionen heimisch fühlte, die nicht unter der Knute einer kulturellen Autorität oder künstlicher Sentimentalität entstanden. Der erste Schritt, sich aus dieser Knute zu befreien, war die Überfahrt nach dem europäischen Festland. Nach seinen Studien bei Ton de Leeuw (Amsterdam, 1968) und Klaus Huber (Basel, 1969) wurde er 1973 als Dozent an die Musikhochschule Freiburg berufen (1973–1986).
Varèse
Beim Hören von Octandre des französischen Komponisten Edgard Varèse war er überzeugt. In diesem Stück erlebte er Ehrlichkeit, Reinheit, ohne Krokodilstränen. „Es sagt, was es sagen will, und hört dann auf“, sagte er darüber, „was Varèse sagen will, ist jubelnd, es ist eine Art zeremonielle Jouissance, die für mich absolut neuartig und erschütternd war.“ Neben Varèse hat Ferneyhough seine Inspiration („stilistisches Ausgangsmaterial“, nennt er das) u. a. bei dem österreichischen Komponisten Anton Webern (1883–1945) und seinem deutschen Kollegen Karlheinz Stockhausen (1928–2007) gefunden. Sein Umzug in die Vereinigten Staaten im Jahr 1987 erwies sich als Glücksgriff. Die amerikanischen Studierenden zeigten sich – weit mehr als in Europa – offen für alle Formen nicht-traditioneller Klangbildung und waren nicht an klassische Gesetzmäßigkeiten gekettet. In den USA, so Ferneyhoughs Erfahrung, kann man einfach eine Note niederschreiben, ohne sich zu fragen, woher diese Note kommt und warum.
Dialog
Ferneyhoughs Neigung zur musikalischen Undurchdringlichkeit und weitreichenden Detailliertheit hat natürlich Folgen für die Aufführung. Wer ist bereit, sich darauf einzulassen und kostbare Probenzeit zu investieren? Warum sollte ein Pianist ein halbes Jahr für das Einstudieren der Klaviersonate von Franz Liszt aufwenden, aber vor einem Solostück von Ferneyhough zurückschrecken? Die Erfahrungen des Arditti Quartetts oder des Pianisten Nicolas Hodges laufen immer auf dasselbe hinaus: Es ist nicht Ferneyhoughs Absicht, die Ausführenden zu zwingen, sich am Buchstaben der Partitur festzuhalten.
Ferneyhough betrachtet seine Partituren als Dialog mit den Möglichkeiten des Musikers beziehungsweise dem Hörerlebnis. Dies entspricht der Praxis anderer komplexer Werke: Je mehr Informationen auf dem Papier stehen, desto offener ist das Stück für Interpretation. Der Grund liegt darin, dass Expressivität ein subjektiver Begriff ist, mit dem jeder auf seine eigene Weise umgeht. Deshalb ist jede Aufführung einer Komposition von Ferneyhough immer wieder neu. Seine Klaviersolo Lemma-Icon-Epigram wird von Nicolas Hodges in 11 Minuten gespielt, Lukas Huisman benötigt dafür gut 14 Minuten.
Einflüsse
Das Ergebnis ist eine Sensation musikalischer Extremität. Diese erhält einen zusätzlichen Impuls, weil seine Musik von verschiedenen Einflüssen geprägt ist, etwa Philosophie, Malerei, Literatur, Science-Fiction, Mystik und sogar Alchemie. Für viele Musiker wirken seine Partituren wie Labyrinthe, in denen sie sich eher wie Spurensucher als wie Erholungssuchende verhalten müssen. Manche Interpreten sagen deshalb, sie könnten von der vorgelegten Partitur nur eine Spur wiedergeben. Das führt mitunter zu Frustration. Die Uraufführung des Orchesterwerks La Terre est un Homme in Glasgow 1979 wurde zum Desaster, weil das Orchester nicht mitarbeiten wollte. Die Partitur galt als unzugänglich und nicht spielbar. Auch ein zweiter Versuch wenige Wochen später in London, notabene unter der Leitung von Claudio Abbado, blieb ergebnislos. Erst 2011 konnte das BBC Symphony Orchestra unter der Leitung von Martyn Brabbins die Sache geradebiegen.
Die Aufführung von Ferneyhoughs Musik steht und fällt mit den Möglichkeiten, die der Musiker hat, um über sich selbst hinauszuwachsen. Diese Herausforderung zeigt sich zum Beispiel in Time and Motion Study II für Cello solo und Elektronik. Hier wird live gespielte Musik (Cello) direkt auf Tonband aufgenommen, wobei das Ergebnis zu verschiedenen späteren Zeitpunkten wiedergegeben wird. Das Stück stammt aus dem Jahr 1977 und ist ein Vorläufer dessen, was heute als live electronics weiterlebt.
Aus dem Jahr 2012 stammt sein zweites Stück für volles Orchester, Plötzlichkeit. Dieses Werk ist aus kontrastierenden musikalischen Fragmenten unterschiedlicher Länge aufgebaut, die sich bisweilen miteinander verbinden.
Erwähnenswert ist schließlich Terrain, ein mini Violinkonzert, energiegeladen und hier und da jazzig, ein Muss.
Ferneyhough zu spielen bedeutet für die beteiligten Musiker eine Herausforderung, ihre eigene schöpferische Kraft so weit zu dehnen, dass sich die Aufführung von den Ersinnungen des Komponisten lösen kann. Ferneyhough zeigt, dass der Weg vom Konzept zum Hörerlebnis mehr zu erzählen haben kann als das Konzept selbst.
Playlist
Lemma-Icon-Epigram. Lukas Huisman (Klavier)
Time and Motion Study II. Séverine Ballon (Cello) und Juan Cristobal Cerrillo (Elektronik)
La Terre est un Homme, Plötzlichkeit. BBC Symphony Orchestra u. L. Martyn Brabbins, Olivia Robinson (Sopran)
Terrain. Elision Ensemble.
Octandre, Edgard Varèse. Frank Zappa, Vancouver, 1968
Interview met Brian Ferneyhough. Library of Congress, Washington, 2016.
Agenda
Klara: ein Special über Brian Ferneyhough am Dienstag, 24. Januar, Late Night Lab, 22:00 – 00:00 Uhr.